EN ESCENA... Hechos

Avanzamos... "Domino"

2006-07-11T08:31:00.000+02:00

El rotulo "inspirado en hechos reales" que se vea bien... El acelerado tren de vida en el que se subió Domino Harvey tiene su fiel reflejo en esta película.

La hija de una modelo de Vogue y de un actor "escarizado", Laurence Harvey (Un lugar en la cumbre, El mensajero del miedo), una rebelde sin causa con fama de extraña que acabó viviendo peligrosamente a pesar de iniciar, de manera infructuosa, los pasos de sus progenitores.

Ni modelo, ni actriz... Domino Harvey siguió en cambio el camino marcado por un afamado caza-recompensas. Él fue su mentor, del que se confesó enamorada a pesar de quienes remarcan su lesbianismo. Dejó atrás su cómoda vida por la profesión de mercenario, de justiciero busca-malhechores, la que le perdió hasta que entró en contacto con la droga, que si la perdería de manera irremediable.

La curiosa heroína tiene el rostro de Keira Knightley, quien confiesa que ha construido su propio personaje, inteligente, irónico, persuasivo y bello, alejándose de los datos más reales de la vida de esta mujer de armas tomar y fuerte tirón mediático. La protagonista de títulos como Quiero ser como Beckham, Orgullo y prejuicio y Piratas del Caribe ha tenido a Mickey Rourke (Sin City), Mena Suvari (American Beauty) y Lucy Liu (Kill Bill) como compañeros de reparto, sin olvidar a Jacqueline Bisset y Christopher Walken.

Domino es una confeccionada a saltos, con cambios de técnicas –del color al blanco y negro, montaje frenético, volúmenes de sonido distorsionados- e imágenes rápidas en caída libre. Su director el cineasta Tony Scott tiene a sus espaldas triunfos como Top Gun y Amor a quemarropa, aunque la lista de trabajos incluye títulos como El ansia, Días de trueno, El último boy scout y Enemigo público.

El hermano de Ridley ha convertido a la nada delicada Keira en un icono femenino del siglo XX, en una heroína de cine gracias a esta cinta de acción que se acerca a la idea del documental autobiográfico que siempre quiso hacer la ‘niña mala’ antes de morir por culpa de una sobredosis el pasado 27 de junio de 2005 con apenas 35 años.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Conoce a la Royal Shakespeare Company

2006-06-29T22:09:00.000+02:00

127 años de experiencia teatral tiene una de las compañías más importantes del viejo continente.

Casi medio siglo antes de imaginar que un día les caería el titulo de "real", la formación montó en 1879 Mucho ruido y pocas nueces (Much ado about nothing), todo un éxito que le vaticinó una excelente andadura por escenarios de medio mundo.

Con tres sedes principales en Stratford-upon-Avon, la ciudad que vio nacer a su mentor, la Royal Shakespeare Company resurgió a comienzos de los años sesenta del pasado siglo XX gracias a los esfuerzos de Peter Hall, hoy prestigioso director de teatro y cine que por aquel entonces sólo tenía 29 años.

En esta segunda etapa, hasta Michael Boyd, su director artístico desde 2003, han pasado otros tres: Trevor Nunn, Terry Hands y Adrian Noble. Cada uno, imprimiendo su sello, se ha responsabilizado de montajes como El sueño de una noche de verano, Macbeth y Ricardo III, sin olvidar las diferentes versiones de Hamlet, como la que protagonizó en 1992 el siempre pegado a Shakespeare, Kenneth Branagh.

Pero no sólo del amigo William viven los integrantes de la formación: la RSC tiene en repertorio sonadas adaptaciones como Las amistades peligrosas, de Pierre Choderlos de Laclos y Los miserables, de Victor Hugo. Otro ejemplo de esta versatilidad son las seis horas que 22 actores están en escena con Los Cuentos de Canterbury, un esfuerzo que pone de manifiesto la maestría de una formación centenaria que ha aprovechado muy bien su viaje a España para visitar con ellos el Teatro Nacional de Cataluña y el Festival de Almagro.

No se trata de la primera vez que pisan la península ibérica: hace ya dos años, en el Festival de Otoño que se celebra en la capital, presentaron un homenaje al teatro de nuestro Siglo de Oro a partir de obras de cuatro autores españoles, algo inédito hasta entonces: El perro del hortelano (Lope de Vega), Los empeños de una casa (Sor Juana Inés de la Cruz), La venganza de Tamar (Tirso de Molina) y Pedro de Urdemalas (Miguel de Cervantes).

Por sus repartos han pasado actores conocidos gracias al cine, como Peter O’Toole, Ian McKellen, Ben Kingsley, Judi Dench, Mia Farrow, Ralph Fiennes, Ian Holm y Alan Rickman. Solvencia y credibilidad son dos de las características que hicieron que la RSC entrará en la selecta Unión de Teatros Europeos, siendo la única representante británica en un círculo del que forman parte el Teatre Lliure de Barcelona y el madrileño Teatro de La Abadía.

Tras un bache que la puso en crisis, la formación resurge con más fuerza y ramificaciones, como nuevas compañías y la gestión renovada de sus espacios londinenses: The Globe Theater y The Barbican Center. Entre retos y promesas de creación de un teatro más moderno que permita no sólo representar el legado del contemporáneo de Cervantes, sino también fomentar investigaciones a través de un centro idóneo a tal efecto, la RSC aborda desde el pasado 23 de abril un maratón que durante 12 meses y bajo el nombre de Festival de las Obras completas, presenta producciones ajenas y propias de las 37 piezas de teatro que escribió Shakespeare.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Belmonte

2006-06-29T22:06:00.000+02:00

Fue el primero que dialogó con el toro, el que supo huir de lo sencillo, el que dejó huella con su arte, arrastrando un físico poco agraciado, pies planos y escasos estudios.

En la arena fue rival y admirador de Joselito, compartió mesa y tertulia con Ignacio Zuloaga, Edgar Neville y Valle-Inclán, y fue amigo de Ernest Hemingway, con el que compartió además aciago destino.

Dicen los entendidos que en la liria hay dos grupos de maestros: Juan Belmonte y los demás toreros. En torno a su arte, considerado padre de la escuela moderna, y su vida, la que cerró de golpe él un día de abril de 1962, versa este espectáculo que vuelve a unir danza y toreo.

La línea que separa ambas artes es tan fina que descubrimos el toreo hecho danza y viceversa, de ahí el sobrenombre de este montaje, el primero de Rubén Olmo como cabeza de una compañía que para Esteve Ferrer, director escénico, no es una formación al uso ya que cualquiera de sus 13 figuras podría estar al frente.

Aceptó Ferrer el cargo porque encontraba mucho alicientes en el proyecto como poder contar una historia a través de la danza. El director de obras de teatro como Dakota y Tres hombres y un destino, responsable también de la dramaturgia del último espectáculo del mentalista Anthony Blake (Lo saben todo de ti), pretende contagiarnos la euforia que le lleva a identificar a los toreros en el ruedo con los bailarines.

Si bien el mérito también es de Olmo, un bailarín que comenzó como profesional muy pronto, como casi todos, con sólo 12 años. Tras pasar por las manos de maestros como Aída Gómez, Javier Latorre, Antonio Canales, Teresa Nieto y María Pagés y deambular por todo tipo de formaciones con espectáculos como D.Q. Pasajero en tránsito, Carmen y el musical flamenco Los Tarantos, reivindica una mayor atención a todo el esfuerzo que llevan a cabo compañías menos conocidas que para sobrevivir deben buscar escenarios más allá de nuestras fronteras.

A sus 26 años el bailaor Rubén Olmo coge el toro por los cuernos, se enfrenta a la bestia con miedo y respeto en el Teatro de la localidad madrileña de Pinto los días 30 de junio y 1 de julio. Él es el responsable de la coreografía y para Ferrer supone una bocanada de aire fresco, el punto de arranque de una nueva edad del baile en España. El regidor también está dispuesto a mantener su propio diálogo con el miedo, con lo desconocido: con Belmonte se enfrenta a la danza española en gran formato, con músicos, bailarines, técnicos... hasta 20 personas en danza.

Olmo y Ferrer han elaborado un trazado histórico, casi antropológico, sobre un espacio limpio donde la escenografía la componen los propios artistas, la luz y el centenar de trajes diferentes. La imaginación, la música (árabe, clásica, flamenca y contemporánea) y la teatralidad de la danza confieren un ritmo vertiginoso a los 90 minutos que dura este viaje desde las dehesas de Sevilla a los hoteles mexicanos, pasando por cosos, capillas, cortijos y tablaos flamencos. ¿Apuntan alto con Belmonte? Es sabido que de los cobardes nunca se ha escrito nada y como bien dice Ferrer, el escenario es patrimonio del espectáculo y ahí, amigos, cabe todo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Indiana Jones cumple sus primeros 25 años

2006-06-23T10:52:00.000+02:00

12 de junio de 1981: largas colas de jóvenes, y no tan jóvenes, deseosos de aventuras aguardan su entrada al cine. Se proyecta un título más, casi seguro un fiasco más, entre todos los intentos por recuperar un género que está de capa caída.

Ay, agoreros predicadores… En busca del arca perdida supuso una reconciliación total de la industria con las películas de acción (luego llegaría otras como Tras el corazón verde) y, por encima de todo, el nacimiento de un nuevo personaje: Indiana Jones, que desde entonces encarna al aventurero por excelencia.

¿Quién no conoce a Henry Jones Junior? Ese profesor de arqueología al que ha dado vida el actor Harrison Ford y que ya se ha convertido en un mito, una mezcla entre el Errol Flynn romántico y cínico de El burlador de Castilla y el Humphrey Bogart malvado, duro y con barba de tres días de El tesoro de Sierra Madre.

Para Steven Spielberg, director, y George Lucas, creador de la historia, fue difícil encontrar un actor que reuniese esas características. A menos de tres semanas del inicio de rodaje aún no tenían a quien diese vida al personaje, pero dieron en el clavo cuando pensaron en Ford. Él, que firmó sin dudarlo los tres títulos de la saga, ha pasado a la historia del cine por encarnar a dos iconos fundamentales del séptimo arte: el Doctor Jones y Han Solo, en La guerra de las galaxias.

Nadie se atrevería a decir hoy día que muy pocos apostaban por esta cinta que revitalizaría un género que a comienzos de los años 80 estaba de capa caída. Como revulsivo se plantearon en un primer momento esta película como título de serie B, con poco presupuesto y sin más pretensiones que ofrecer dos horas de entretenimiento y diversión.

Paisajes exóticos que les llevaron a rodar en Hawai, Francia, Perú, Túnez y California y un guión trepidante firmado por Lawrence Kasdan, que se cambió en cinco ocasiones, sirvió de base a esta historia donde, por encima de todo, su héroe es un ser humano, normal y corriente, aunque el productor Lucas quería que se enfrentara a peligros de muerte cada diez minutos como máximo.
Sobrevivió a las trampas, las chicas y los malos, buscó el templo maldito (1984) -más oscura al tiempo que más infantil, pero con muchos golpes de humor- y se embarcó en la última cruzada (1989) -que juega con el exotismo y la historia (Hitler, los nazis), para más tarde centrarse en la relación padre-hijo, con Sean Connery como compañero de aventuras.

Desde hace más de una década se anuncia el rodaje de la cuarta entrega con un Ford que en la actualidad tiene 63 años. A lo mejor es algo mayor para coger de nuevo el látigo. La dificultad de dar con la historia adecuada tampoco ha sido una gran ayuda ni el esfuerzo y el tiempo que ha tenido Lucas que dedicar para rodar la segunda saga de Star Wars. El guión lo ha escrito David Koepp (Parque jurásico, Spider-Man), pero de su contenido no ha trascendido ni una línea, sólo que bebe del patrón clásico que se instauró hace un cuarto de siglo. En la producción y distribución, En Busca del Arca Perdida se anunció con el eslogan "vuelve la gran aventura". No se equivocaron.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Un apunte más: os queremos invitar a que naveguéis por la mayor comunidad fan en castellano dedicada a este héroe... www.indianajones.es ¡Gracias chicos!

Yllana, 15 años en escena

2006-06-22T22:54:00.000+02:00

El teatro gestual es su razón de ser. Nacieron como compañía en 1991 y nadie les ha regalado nada. En cambio, ellos han defendido su puesto en un panorama dominado por los veteranos Tricicle.

Manteniendo la boca bien cerrada se fueron convirtiendo en una de las formaciones más ruidosas de nuestro país, llevando por equipaje la parodia y la ironía sin caer en lo irreverente y en el mal gusto, lo más fácil si se pretende llegar al público de manera directa y sin pensar en una repercusión más allá de la económica. Fomentando entretenimiento sin insultos están los niños grandes de Yllana: Joe O’Curneen, David Ottone, Raúl Cano, Juan Francisco Ramos, Marcos Ottone y Fidel Fernández.

La vida cotidiana, los transformación de los hábitos sociales y el mundo real con su halo de tragedia son los pozos de los que estos mineros de la risa, del humor negro, extraen sus argumentos para obras como ¡Muu!, Spingo, Splash y Star Trip. Estamos hechos a partir de referencias culturales y ellos encontraron parte de su inspiración en el humor descabellado de los Monthy Pyton (Los mejores sketches...) y en el teatro del absurdo surgido del imaginario de Eugene Ionesco (La cantante calva, su última producción hasta el momento).

Su humor sin palabras ha ido poniendo picas, conquistando públicos tan difíciles como el escocés y el japonés. Tras muchos estudios, son conscientes de que -gestos, risas y onomatopeyas a un lado-, a todos nos hacen gracia las mismas cosas. Incluso con esas, cada espectáculo es diferente: no se trata de meter en una coctelera ingredientes a mansalva, sino de buscar el sabor original, con precisión y mucha constancia. Glub-Glub y 666 conforman un buen y doble ejemplo de cómo hacer las cosas bien. Son dos de sus piezas de repertorio más reconocidas que, a modo de pastel de cumpleaños, se reestrenan en Madrid.

Al frente de su escuela internacional defienden que la risa es un objetivo serio de trabajo. Los seis miembros de Yllana han diversificado sus tareas, sin olvidar a aquellos que, en la sombra, gestionan, promocionan, administran... Cada año organizan el Festival del Humor de la Comunidad de Madrid y aúpan a cómicos como Javier Veiga, el italiano Leo Bassi y el belga Elliot y su Rock Comedy Show. También contratan y colaboran con otros para producciones con la marca Yllana, ahí están por ejemplo espectáculos como Hipo, junto a Sexpeare, y Marionetas del pene, coproducido junto a Fila 7 y Sold Out.

¡Qué lejos quedan las reuniones de aquel grupo de amigos que a finales de los 80 tenían la ocurrente idea de llevar por bandera el humor sin palabras! Ha pasado mucho tiempo, materializado en una decena de espectáculos propios, producciones para otras compañías, talleres, festivales, cortometrajes, anuncios de publicidad... Pero aún hay más: este aniversario es doble porque, si 15 años llevan labrando su particular parcela del humor, algo menos, una década, cumple su idilio con una de las salas más carismáticas del teatro madrileño. El Alfil está gestionado por ellos, es su buque insignia, su laboratorio de experimentos. Allí echan el anclaje de un barco que no se va a pique porque Yllana sabe tripularlo con decisión, a pesar del viento huracanado que a veces, y sólo a veces, ha asustando aunque nunca les ha hecho zozobrar.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Festival de Mérida 2006

2006-06-22T22:34:00.000+02:00

Mérida recibe los pasos de turistas durante todo el año, pero en verano es cuando su teatro romano aparca su faceta turística y deja aflorar su razón de ser como recinto escénico privilegiado.

Perenne, siendo testigo del paso de la historia y la narración de miles de relatos, lleva dos milenios en pie, inmóvil. Pero este año, cuando comienza el festival, da inicio además el viaje, más cargado de simbolismo que nunca debido a que muchos contenidos de esta edición giran en torno a la aventura como búsqueda apasionada de un deseo.

Homero legó al mundo La Odisea de Ulises, un periplo mitológico por los confines del mundo conocido en la Antigüedad. El certamen de teatro greco-latino más veterano de nuestro país le rinde tributo en su edición número 52 con versiones muy libres del poema épico.

Teatro, música y danza se dan cita en Ítaca, un homenaje del director y dramaturgo Francisco Suárez a la etnia gitana a partir de un hecho trágico en una estación de ferrocarril destruida y abandonada. Miguel Molina, Alicia Agut y Macarena Vargas encabezan un reparto donde también aparece Esperanza Roy. La segunda mirada a La Odisea la propone Joan Ollé quien, después de La verdad de las mentiras, vuelve a reunir sobre el escenario a Mario Vargas Llosa y Aitana Sánchez-Gijón, unos peculiares Odiseo y Penélope.

Cumpliendo años al margen de convulsas etapas políticas, desde 1933 el viejo teatro acoge representaciones como las de la comedia musical Calixto (Venturas y desventuras de una diosa) a partir de El joven Telémaco. Este espectáculo inaugura el festival el 6 de julio y destaca por ser un exponente del género mitológico-burlesco que ha tenido tantos detractores como admiradores desde su momento de mayor esplendor, en el siglo XIX. Francisco Valladares, Las Virtudes, el televisivo Tonino y el barítono Marco Moncloa son algunos de los que integran un curioso reparto para un también curioso montaje.

La Compañía Nacional de Danza, dirigida por Nacho Duato, presenta un programa triple: Castrati, Rassemblement y Por vos muero. El amor del ruiseñor, dirigido por Jorge Picó, lleva hasta el teatro emeritense un trocito de uno de los textos más traducidos por los alumnos de latín, Las metamorfosis de Ovideo. El equipaje se completa los días previos al 15 de agosto con Viriato Rey, del portugués Joao Osorio de Castro, fortaleciendo los lazos de unión entre la región y el país con el que comparte tantos rasgos culturales.

Entre las novedades de la presente edición destaca la adhesión del Foro Romano como sede del festival. Cada noche, Al caer el día, se evocará el mito de Edipo, al tiempo que los más pequeños podrán disfrutar de Las aventuras de Ulises. Y el certamen escénico se abre a otras disciplinas, ya que los aficionados al arte tiene la oportunidad de contemplar las miradas de nueve jóvenes artistas plásticos extremeños sobre el mundo clásico.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Festival de Almagro 2006

2006-06-02T08:42:00.000+02:00

La siempre mágica noche de San Juan, el 23 de junio, arranca en la localidad manchega de Almagro una nueva edición de su festival de teatro. Con este son 29 los años que lleva celebrándose algo que en un principio nació como un encuentro de amigos y profesionales de las artes escénicas con una especial predilección por el texto clásico.

Moliere (Las mujeres sabias, El misántropo), Lope de Vega (El perro del hortelano), Calderón de la Barca (El mágico prodigioso) y Tirso de Molina (El burlador de Sevilla, Desde Toledo a Madrid) volverán a Almagro a modo de estreno. También regresarán dos habituales, William Shakespeare y Miguel de Cervantes gracias a algunas de las 43 compañías que presentarán sus montajes hasta el 23 de julio.

Una veintena de espacios acogen el centenar de actividades de la presente edición, marcada por el interés de sus organizadores de convertir Almagro en la capital europea del teatro clásico. Prueba de ello es la fundación del Centro para la Interpretación de los Clásicos, una plataforma de trabajo paralela al festival, integrada por dramaturgos y regidores europeos como José Sanchís Sinisterra, Antonio Álamo Juan Mayorga Jean Louis Benoit y Deborah Shaw.

El menú veraniego sigue incluyendo platos tradicionales pero en esta ocasión con cierto aliño novedoso que deja regusto contemporáneo. A las especialidades del Siglo de Oro español se unen las propuestas pasadas por el tamiz de dramaturgos mucho más modernos. Para Emilio Hernández, director del festival, la fórmula de la buena marcha de esta cita internacional reside en la apertura de puertas al ayer y al mañana, a la cooperación de ámbito continental y al mestizaje entre disciplinas escénicas.

La actriz Vanesa Redgrave aportará su glamour a la inauguración, a la que acude para recibir el VI Premio Corral de Comedias, galardón que reconoce la labor de los grandes intérpretes europeos. La británica abrirá boca y tras ella llegarán compatriotas como Declan Donnellan, Lindsay Kemp y los miembros de la Royal Shakespeare Company que interpretarán por primera vez fuera de su sede estable Los cuentos de Canterbury. Pero en las calles, plazas y edificios de la localidad dominará el acento español, gracias al incombustible Juan Diego que se convertirá en Sancho Panza y la ópera en castellano de Tomas Marco, El caballero de la triste figura. Y son sólo dos ejemplos más de la nutrida programación.

Almagro siempre es lugar de paso de la Compañía Nacional de Teatro Clásico que conmemora su vigésimo aniversario con tres espectáculos: Amar después de la muerte, Tragicomedia de Don Duardos y Don Gil de las Calzas Verdes, éste último a estrenar en el Hospital de San Juan. También una exposición trazará un recorrido por sus 20 años de existencia pero no será la única muestra, ya que el Museo Nacional del Teatro ha organizado otras dos, una dedicada a Elio Bernhayer -diseñador de vestuario de la primera obra representada en el Corral de Comedias- y otra sobre el teatro en la Segunda República. En esos años, del 31 al 36, bulló un foco de experimentación en el terreno de los autores de los siglos XVI y XVII a los que se rendirá un completo homenaje: Carmen Linares cantará por los flamencos de aquellos años y la compañía La Barraca montará algunas de las producciones que recorrieron una España que pronto se dividiría en dos bandos.

La ciudad castellano-manchega acogerá desde un cine-forum clásico hasta talleres de esgrima y encaje de bolillos, sin olvidar el homenaje a la actriz Pilar Bardem, conciertos de música medieval y renacentista, teatro infantil (Mooon, Historia de un percusionista), danza de manos de la Compañía Nacional de Danza 2 y, por segundo año consecutivo, teatro radiofónico, con una nueva producción de Radio Nacional de España, Fuenteovejuna desde el frente, 1936, con las voces de Cayetana Guillén-Cuervo y Juan Luis Galiardo, entre otros.
Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Doble ración de Shakespeare

2006-06-02T08:30:00.000+02:00

El Teatro Español propone una interesante cita con dos de los textos más representados de William Shakespeare.

Hamlet es el clásico drama por excelencia, una historia de aventuras que la vive el personaje central, el príncipe destronado, desde dentro; La tempestad resuena por otros lares, encerrando en islas mágicas personajes de cuento, de leyenda. Y a pesar de todo, de sus diferencias formales y argumentales, ambas obras, dos metáforas de la violencia, comparten una misma filosofía de revancha con dos finales bien distintos.

Lluís Pasqual, uno de los más importantes nombres de la escena europea, asesor del Teatro Arriaga, se ha empeñado en deleitar al público con dos montajes independientes pero unidos entre sí por sentimientos trágicos como la venganza, el perdón y la locura.

Hamlet y La tempestad entraban en el proyecto escénico que el director pensó para el Forum de las Culturas de Barcelona pero problemas económicos le llevaron a cambiar de idea hasta que en 2004 aceptó la dirección artística del principal recinto bilbaíno. El catalán reconoce que se ha esmerado en limpiar la puesta en escena de retóricas innecesarias, quedándose con la idea de narrar ambas historias de manera nítida, como un relato de aventuras con mucho misterio.Los actores ven la revisión de Pasqual como un ejercicio de desnudez dramática, con muy pocos elementos escenográficos y sin artificios que conviertan el hecho teatral en un experimento descabellado.

Para un director siempre supone un reto revisitar un texto clásico y archiconocido. Pocos consiguen imprimir un sello diferente a una nueva lectura de las palabras. Él no se regocija de lograrlo, pero si de haber contado con el mejor material humano para este reparto doble: Hamlet tiene a Eduard Fernández como cabeza central, un actor que siempre estuvo en mente de Pascual ya que hace años trabajaron juntos. Actores con mucha experiencia en el terreno de los clásicos completan el cartel, destacando los nombres de Joseba Apaolaza, Iván Hermes, Aitor Mazo, Helio Pedregal y Francesc Orella como Próspero, sin olvidar a dos damas de la escena: Anna Lizarán y Marisa Paredes, la única intérprete que no aparece en los dos montajes, sólo en la historia del príncipe danés donde da vida a un curioso personaje, el de la reina Gertrude, con muy poco texto pero mucha presencia en escena.

Esta macroproducción, en la que también están implicadas instituciones como el Lliure y el Grec, llega por fin a Madrid tras varios meses de gira por la península y Latinoamérica. Se presenta a modo de díptico clásico que se programa hasta el 25 de junio con funciones en días alternos, con la excepción de los fines de semana, que se ofrece un programa doble.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Anuncios de cine: un gran negocio

2006-05-27T10:00:00.000+02:00

Sobre incursiones cinematográficas en la publicidad...

Por regla general hay actores que no quieren ver manchada su imagen profesional por una desmedida presencia en anuncios, vallas y páginas publicitarias. Los más atrevidos son los que empiezan en el mundo de la interpretación que explotan esta faceta basándose en su tirón mediático.

¿Dinero fácil para un actor? La respuesta, un tanto paródica, la encontramos en la imagen de Bill Murray en Lost in translation, de Sofia Coppola. Una estrella de Hollywood perdida en Tokio y a expensas de los designios de un excéntrico realizador de anuncios publicitarios. Pero el caso no es ilusorio ya que son muchos los actores que pretenden no quemar su lado más artístico en sus países de origen y cruzan el Pacífico para protagonizar anuncios publicitarios que deleiten a los consumidores nipones. Es el caso de Richard Gere, Natalie Portman, Ewan McGregor, Cameron Diaz y Nicolas Cage.

Si contemplamos la televisión española comprobamos como nuestros actores son menos pudorosos. El chollo no se les va a acabar pero un estudio reciente les acaba de desbancar de los primeros puestos en cuanto a rostros populares para publicidad, aunque cabe preguntarse si es anterior a la posibilidad de ver el trasero de Eduardo Noriega y su cara empapelando las fachadas de los principales edificios de nuestra geografía. El informe del barómetro Personality Media destaca que el grueso de la población mayor de 14 años valora más a cocineros, deportistas y modelos, sin olvidar a los personajes del papel cuché y presentadores de la pequeña pantalla.

No tenemos constancia de que un famoso haga subir la ventas de un producto determinado, pero si que le confiere cierto halo de elitismo. Muchos recordamos el anuncio de una famosa marca de pasta que Sofía Loren hizo algo más de una década. El hecho de que una italiana avalase con su presencia una marca de española de pasta, algo tan típico de nuestros vecinos, exaltaba los supuestos beneficios del producto. José Coronado le arrebató el puesto de "vendedor de yogurt" al mismísimo agente 007. No me negarán que es más creíble que el español te invite a disfrutar del lácteo que encontrarte a Pierce Brosnan en el supermercado del barrio.

Hay productos con más glamour que cuentan con estrellas internacionales como Antonio Banderas. Nos referimos a los perfumes y fragancias, a los relojes y las joyas, pero también a los mini reportajes de los grandes almacenes más grandes de nuestro país (y Portugal). A tal efecto han desembarcado por unas horas estrellones como George Clooney, Andy Garcia y Meg Ryan que no han salido de los estudios de rodaje, sin olvidar a nuestra Carmen Maura y otros intérpretes ibéricos. Y tras este punto y seguido podría venir el holgado capítulo de las bebidas alcohólicas, cavas incluidos.

Hay directores que también se apuntan al carro de la publicidad y ahí está por ejemplo Isabel Coixet, que ha dirigido a Emma Suárez, Silke y Leonor Watling en anuncios artículos íntimos femeninos. Y no podemos dejar escapar que los anunciantes también quieren ser actores principales en el cine, participando como figurantes en películas de gran presupuesto. La última versión de La pantera rosa parecía un estante de supermercado, con más de 31 firmas bien visibles, pero no es el único ejemplo. Anímese a contar las marcas de la próxima película, es un ejercicio de agudeza visual (y comercial) muy interesante.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Monográfico: "Memorias de Adriano"

2006-05-27T09:38:00.000+02:00

En la Hispania romana o en la capital del Imperio pero descendiente de hispanos nacieron tres de los hombres que durante un tiempo considerable dominaron el mundo: Trajano, Adriano y Teodosio.

Uno de ellos, Adriano, regresó dos milenios después a Emerita Augusta y a Barcino de manos del director de escena Maurizio Scaparro, cuando llevó Memorias de Adriano hasta los festivales de Mérida y el Grec.

Desde aquella experiencia ha llovido algo y los ocho años que separan un proyecto de otro, con José Sancho como protagonista, han servido para asentar las bases de un personaje que para ser representado con los matices adecuados es mejor haber vivido mucho. Así lo entiende Scaparro al considerar que Adriano ostenta una profundidad difícil de exhibir: "si sus palabras no son interiorizadas antes, el público, tras escucharlas, las olvida".

Buena parte del mérito de la obra recae por tanto en el intérprete de Libertarias y Carne trémula. Vuelve a ser el actor elegido para dar vida al emperador romano de origen español que, fabulado por la escritora Margarita Yourcernar, se presenta, ya en su vejez, como un ser ilustrado y culto.

Considerado como uno de los que más trabajaron por el esplendor de Roma y la paz, Adriano vuelve a escribir un nuevo capítulo, esta vez en la historia del teatro español, paseándose cada tarde por el escenario del madrileño Teatro Albéniz.

Una lección histórica y por supuesto de vida, que llega a los espectadores a través de un monólogo salpicado de frescos recreados por otros actores. De la complejidad de la pieza, el valenciano resalta la reivindicación del drama clásico utilizando elementos contemporáneos: "es teatro de romanos con túnica pero con un mensaje tan vigente como es el de que los bárbaros siguen conquistando el mundo con malas artes".

No es este el primer montaje (en segunda versión) que el escenógrafo italiano pone en escena ya que hace 18 años hizo que el publico de su país redescubriese al emperador mediante un espectáculo parecido a éste, que es "todo palabra, pero una palabra mágica, no la del propio emperador, sino la que emplea el protagonista del retrato perfilado por Yourcenar".

Por medio de la fórmula del soliloquio, a través de las reflexiones del emperador, la escritora explotó la idea de la hermosura de la cultura y amor por encima de la codicia y el poder. La autora de otras obras como Opus Nigrum y El tiro de gracia indagó en la personalidad de un personaje que, adoptando el rol de estratega y mandatario del mundo conocido por aquel entonces, no excluyó de su vocabulario los términos humanidad, justicia, belleza y honor.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Si te has quedado con ganas de saber más, te recomendamos que vayas a ver la obra. También te seleccionamos otros textos incluidos en este monográfico sobre "Memorias de Adriano"...

Perfil de José Sancho.

Crítica de "Memorias de Adriano".

Avanzamos... "Cars"

2006-05-26T12:48:00.000+02:00

De conches trata el asunto... El último estreno de Pixar en colaboración con Disney nos pondrá a gran velocidad. Sus protagonistas son automóviles de todo tipo: deportivos, de servicio, clásicos... pero sobre todo, de carreras.

Un Hudson Hornet de 1951, un Porsche 911, un Fiat 500 de 1959, jeeps del ejército y autobuses como el VW de 1960 (un tanto hippie) se cruzarán en la vida del novato Rayo McQueen, que aspira a convertirse en el ganador de las carreras a toda costa.

Ya somos bastante mayorcitos como para saber que los planes nunca salen como uno ha previsto y un desvío inesperado le lleva hasta la legendaria Ruta 66, que conecta las costas del Atlántico y el Pacífico. Allí conoce a estos curiosos automóviles, sin olvidar a Mater, una grúa enmohecida y bastante oxidada. Ellos le ayudaran a cambiar su ideal de triunfador, basado en el egoísmo, por el descubrimiento de que la meta en la vida no consiste en llegar el primero.

La carrera de Cars, sin embargo, contrasta con las dificultades en su concepción: hasta más de 17 horas dedicaban sus creativos y animadores a cada imagen, todo por dotar de vida y realidad a los simpáticos coches que conforman el reparto. Si quieren hacer cuentas, la película tiene un metraje de 96 minutos y vemos 24 fotogramas por segundo... Al frente del equipo vuelve a estar John Lasseter –esta es su tercera película como guionista y realizador-, un diseñador digital que tiene el clásico Dumbo entre sus películas preferidas, un título de dibujos animados cuando ni siquiera se imaginaba la era de la animación digital.

Las claves de la humanización residen en la expresividad de los ojos, párpados incluidos, la boca, flexible para expresar estados de ánimos, y los movimientos reflejos de cada vehículo. Si en la versión inglesa las voces de los coches corresponden a Paul Newman y Michael Keaton (en papeles menores, otros como el campeón alemán de automovilismo Michael Shumacher), el doblaje en castellano de esta revisión de la mítica serie de los autos locos tiene a actores profesionales como dobladores, algo que es de agradecer porque las celebridades no consiguen imprimir un sello de autenticidad al trabajo. Aún así, la fiebre de la Fórmula 1 presenta como principales reclamos a Fernando Alonso, Nani Roma y Dani Sordo, además de periodistas como Antonio Lobato, Lorenzo Milá e Iñaki Gabilondo.

El currículum de Pixar posiciona a la productora como uno de los alumnos aventajados del Hollywood de los últimos años. Largometrajes como Bichos, Toy Story, Monstruos S.A. y Los increíbles integran su filmografía y no nos podemos olvidar de Buscando a Nemo, su mayor éxito en taquilla y en la posterior comercialización en DVD. Cars aparcará en nuestras carteleras poco después de que hagan su entrada unos peculiares Vecinos invasores. La última producción de Dreamworks (Shrek, Madagascar) tiene como personajes a unos descarados bichejos, como un mapache estafador y una tortuga muy espabilada que deben hacer frente a la cercanía de los seres humanos a su paraíso particular. El verano, como pueden leer, se presenta muy "animado".

Texo escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com

"El código Da vinci": del papel a la pantalla

2006-05-19T17:53:00.000+02:00

Un asesinato en el Museo del Louvre de Paris. En medio de una trama compleja aparecen implicados un experto en Simbología (Tom Hanks) y una afamada criptóloga.

Son sólo los cabezas de turco de una macro conspiración o mafia a gran escala que puede poner en tela de juicio el papel de la actual Iglesia y la propia religión católica.

El escritor Dan Brown asesta un duro golpe cuando plantea una investigación policial en medio de un debate histórico-religioso: la posible relación que habrían mantenido Jesús y María Magdalena, la prostituta a la que libró de un castigo público. Sumando a esto un análisis bastante inexacto y acelerado de las obras pictóricas de Leonardo Da Vinci (La Gioconda, La virgen de la Roca, La última cena, El hombre de Vitruvio), las críticas al Opus Dei, a la cúpula del Vaticano y otros asuntos que no deben ser descubiertas para el disfrute completo de quienes vayan a leer el libro o ver la película.

Dirigida por Ron Howard (Una mente maravillosa, Cinderella man), la película no fue concebida como un calco aunque si es muy fiel a la novela, de la que se han vendido hasta el momento 25 millones de copias en 44 idiomas diferentes. El veterano cineasta lanzaba al aire su pretensión de que El código Da Vinci, la película, se contemplase como un thriller que parte del interés que suscitó el libro desde su lanzamiento, hace más de tres años.

Hanks sólo es un reclamo menor en comparación con el propio libro y las ideas que aseguran que el personaje de Jesús fue un montaje y que María Magdalena –supuestamente enterrada bajo la pirámide cristal del Louvre- encarna la parte femenina del catolicismo, borrada por los partidarios del apóstol Pedro. El código Da Vinci está dispuesto a reventar las taquillas a partir del 19 de mayo, cuando tenga lugar su estreno mundial tras el pase en la inauguración del próximo Festival de Cannes.

La polémica vino dada durante el rodaje, bajo un secreto máximo en París, Londres, Roma, Malta… Precedida de las críticas que ya suscitó la publicación de la obra literaria de cara a su estreno, desde las altas instancias del Opus Dei se ha pedido que Sony-Columbia, la productora-distribuidora que está detrás de la cinta, puntualice que ‘cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia’. Y a finales de abril, los responsables de la Iglesia en Roma, solicitaron el desmontaje de una valla publicitaria de la cinta en un templo de la capital italiana. ¿Campaña publicitaria o verdadera polémica?

El actor norteamericano, que vuelve a trabajar con Howard (Apolo XIII, Un, dos, tres… ¡splash!), reconoce que ha hecho más de una veintena de películas, de las que sólo cinco merecen la pena. ¿Qué opinará acerca de la adaptación sobre este millonario éxito de ventas por la que ha cobrado 20 millones de euros? Lo cierto es que poco hablan los actores que durante varios meses se introdujeron en la trama. Audrey Tautou, Jean Reno, Paul Bettany, Ian McKellen, Alfred Molina... Y eso que cobraron menos (Tautou no llegó al millón).

Reparto internacional para una apuesta de 100 millones de euros que no dejará indiferente a los lectores de un libro ni a los "no-lectores", tampoco a aquellos que pensaban que esta trama era más cinematográfica que literaria. ¿Qué se esconde tras el secreto más grande jamás contado? La respuesta, en cines de todo el mundo.

Texto escrito por Daniel Galindo.

Si quieres conocer mejor a los intérpretes principales de la película, echa un ojo a estos enlaces:

Perfil de Audrey Tautou.

Perfil de Tom Hanks.

Avanzamos... "Diario de un ejecutivo agresivo"

2006-05-19T17:46:00.000+02:00

Un día crees tenerlo todo: estabilidad emocional, una pareja en casa, amigos que te aprecian, un trabajo al que has dedicado muchas horas de tu vida...

Cuando menos te lo esperas, todo lo que has construido se viene abajo con la misma facilidad con la que empezaste a soñar tu prometedor futuro. Es el momento en que tienes que pagar el alto precio de éxito.

El frenético y arrogante mundo de los cazatalentos en Los Ángeles sirve de telón de fondo a esta historia de egoísmo sentimental protagonizada por Ben Affleck, uno de los actores más cotizados en Hollywood y rostro principal de cintas como Armageddon, Pearl Harbor, Daredevil y Sobreviviendo a la navidad.

El empeño de Affleck no fue suficiente para que Mad about town –su título original- copase los primeros puestos de taquilla en su estreno en salas de Estados Unidos. Suele pasar con estas producciones que retratan a modo de crítica la filosofía de los ejecutivos criados en la especulación y el dinero fácil. El guionista y director Mike Binder (Más allá del odio) había escrito este ácido relato pensando en Joan Allen (El crisol, Pleasantville) como protagonista principal. Aunque el concepto inicial no cambió cuando Ben Affleck se involucró en el proyecto, si que lo hizo el desarrollo de los personajes, partiendo de que el papel principal lo haría finalmente un hombre.

El resultado es una divertida comedia sobre el descubrimiento personal, con sus toques irónicos acerca del entramado interno de una industria poco conocida en nuestro país, la de las agencias de representantes, con sorpresas, como la aparición de John Cleese (ex Monty Python, Un pez llamado Wanda) en diferentes momentos del metraje impartiendo clases de creación literaria, las que toma el personaje de Affleck como revulsivo a su convulsa vida tras el abandono de su mujer, a la que da vida Rebecca Romijn (Femme fatale, X-Men).

Inquieto tanto en su vida personal como en la profesional, Affleck atesora además de proyectos al margen de los grandes estudios, su debut como guionista junto a su amigo Matt Damon. Fue con motivo de El indomable Will Hunting, de Gus Van Sant, la historia de un joven rebelde y superdotado, con la que ganaron el Oscar al mejor guión. El actor de 34 años a punto está de meterse de nuevo en faena, aunque en esta ocasión saldrá a relucir su faceta como director. Se trata de un proyecto acerca del secuestro de un niño y contará con la participación de Ed Harris, Casey Affleck y Michelle Monaghan (Syriana, Constantine), compañera de reparto de Tom Cruise en Misión imposible III.

Y tampoco deja a un lado sus trabajos como actor ya que tiene pendiente de estreno Smoking Aces, junto a Ray Liotta y Andy Garcia, y Clerks II, en la que tiene una pequeña intervención. Y su nombre suena para encarnar al comandante Spock en la precuela de la saga Star Treck que podría rodar J.J. Abrams (Alias, Perdidos, Misión imposible III).

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "Piratas del Caribe 2: El cofre del hombre muerto"

2006-05-19T17:35:00.000+02:00

Cansados de repetir patrones, versionar tramas en su día originales y explotar el filón de una buena historia con interminables secuelas, en los años 80 cobró fuerza un nuevo género conocido como el cine de parodia.

Así, el cine de suspense aéreo encontró válvula de escape en Aterriza como puedas y, más recientemente, el de terror inspira los gags de Scary movie. Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra pudo pertenecer en su día a este tipo de películas, pero lo cierto es que gracias a su repercusión se ha convertido, con meritos propios, en piedra de toque de otro estilo cinematográfico, el de la comedia de acción.

Concebida para todos los públicos, la película cuenta con un personaje histriónico y diferente, un pirata antihéroe conocido como el Capitán Jack Sparrow y al que da vida Johnny Depp. La cinta se estrenó en 2003 y son muchos los que coinciden en que el trabajo del actor fetiche de Tim Burton es de los mejores de su carrera, no en vano fue candidato a un Oscar.

Con mucho sentido del humor, Gore Verbinsky narró una peculiar historia de amor a tres bandas a partir de un relato escrito por los guionistas de Shrek y La máscara del Zorro sobre un barco fantasma y sus tripulantes, con tres protagonistas implicados en multitud de situaciones surrealistas que poco tienen que ver con las peripecias de Errol Flynn.

El director de Un ratoncito duro de roer, The mexican y El hombre del tiempo no se lo pensó dos veces cuando le ofrecieron la oportunidad de rodar de manera continuada las secuelas de su comedia de aventuras. Piratas del Caribe 2: El cofre del hombre muerto llegará a los cines el próximo verano y en fase de montaje está ya la tercera parte con las aventuras interpretas por Johnny Depp, Orlando Bloom y Keira Knightley, que vuelven a subirse a un barco que puede cambiar las turquesas aguas del Mar de las Antillas por las aún más lejanas costas de Tailandia.

Antes de poner rumbo a otros mares, Jack Sparrow descubre que tiene una deuda de sangre con el legendario Davey Jones, el capitán del barco espectral de nombre que recuerda al mítico Holandés Errante. Al final de la anterior película se dejó una puerta muy abierta a los problemas cuando un astuto simio robó una moneda de una fortuna que es clave en toda la trama…. ¡Ya se sabe, no hay que robar tesoros malditos!

Buena parte de aquellos que disfrutaron de la primera entrega de esta saga que gana adeptos se iniciaron en el mundo de las aventuras gráficas de ordenador con el ya legendario The Secret of Monkey Island –el título nunca se tradujo al castellano-, un apasionante relato que cada uno configuraba a su antojo convertido en el protagonista, Guybrush Threepwood, un joven que desea convertirse en pirata, debe enfrentarse al fantasma del corsario LeChuck y rescatar a su amor Elaine Marley.

Piratas del Caribe y sus secuelas han impulsado el género de piratas de siempre aderezado con intrigas bien perfiladas y conectando con los frutos de la revolución tecnológica a modo de efectos especiales espectaculares.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

¿Qué hay de nuevo, Cannes?

2006-05-12T07:55:00.000+02:00

Esa es la pregunta con fácil respuesta: nada. La 59ª edición del Festival de Festivales se presenta con muy pocas variaciones sobre el programa oficial de los últimos años.

Se repiten patrones. Así, al prestigio avalado por 59 años de historia, se une el gusto por agradar a todos, conciliando perlas cinematográficas con grandes superproducciones. Y si el año pasado fue Star Wars y su Episodio III: La venganza de los Sith, el próximo 17 de mayo le llegará el turno a la adaptación cinematográfica de El código Da Vinci, protagonizada por Tom Hanks, Audrey Tautou y Jean Reno.

El responsable de Deseando amar, Wong Kar-Wai, conoce bien el festival, donde el año pasado proyecto 2046 y se alzó con el premio FRIPRESCI. En esta edición le toca presidir el jurado y valorar el trabajo de compañeros que vuelven a Cannes con película bajo el brazo. Es el caso de Ken Loach, Aki Kaurismäki y Nanni Moretti, quien tras la celebradísima La habitación del hijo, estrenada en Cannes, apuesta con El caimán por el cine con punto político.

Tras muchos años dándole la espalda al cine rodado en español, en cualquiera de sus acentos, los seleccionadores se han retractado de mirar tanto a Oriente buscando la renovación en el cine latino. En la sección oficial a concurso destacan por ejemplo los trabajos de Guillermo del Toro y Alejandro González-Iñárritu. El primero hace acto de presencia con una producción española al 100%, El laberinto del Fauno, con Sergi López, Ariadna Gil, Maribel Verdú y Alex Angulo; el director de Amores perros y 21 gramos sigue con Babel la estela que le lleva a Hollywood aunque conservando su toque rebelde y en cierto grado elitista.

Para todos suele ser una sorpresa la inclusión de su película en la categoría principal de un certamen. Pedro Almodóvar estaba más confiado. Lo dejó caer durante la presentación de Volver en Madrid, el 13 de marzo: ‘los seleccionadores del festival ya la han visto y me consta que les ha gustado’. También apuntó que había sondeado a sus chicas (Maura, Cruz, Portillo, Dueñas y Cobo) acerca de la posibilidad de ‘lucir palmito’ por el paseo de La Croisette y todas estaban encantadas con la idea de hacer lo mismo que los protagonistas masculinos de La mala educación, que inauguró la cita francesa en 2004. Otra de las participaciones españolas, aunque no en la sección principal, sino en la Quinzaine des Réalisateurs del festival, es la de Albert Serra con su película Honor de cavallería que competirá por la Cámara de Oro.

Además de la "45ª Semana de la Crítica" y la sección "Una cierta mirada" -donde también participa el español Manuel Huerga con Salvador-, Cannes aguarda sorpresas, como el estreno de Paris, je t’aime, el ambicioso proyecto-puzzle formado por las piezas de más de 20 cineastas de todo el mundo (y actores variopintos), breves relatos sobre el amor y la capital francesa.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Antonio Banderas

2006-04-28T09:06:00.000+02:00

No ve el momento de estrenar su segunda película como director, El camino de los ingleses, y mientras última los detalles en la sala de montaje, gotean las producciones que ha rodado al otro lado del Atlántico. Además suena su nombre como coprotagonista junto a Nicole Kidman de la adaptación al cine del musical Mamma Mia.

Antonio Banderas no ha cerrado una etapa cuando comienza otra sin que esto suponga un impedimento para la correcta realización de sus proyectos. Así, al tiempo que no descarta encabezar la propuesta de crear unos estudios de rodaje en el sur de la península, el actor sabe mantenerse a pie de mina, cinematográficamente hablando.

Su último estreno es Déjate llevar, un proyecto atractivo sobre chicos marginales que se esfuerzan por una meta artística. La cinta es de esas que confirman la presencia de un actor en Hollywood, acentuando su tono carismático, como ya hicieran otros como Robin Williams en El club de los poetas muertos y Michelle Pfeiffer en Mentes peligrosas.

Títulos como éste, más modestos, se alternan en su filmografía con grandes superproducciones del estilo de Spy Kids, El guerrero número 13 y, mirando aún más lejos, Entrevista con el vampiro. Pronto se meterá en la piel de Hernán Cortés en la adaptación más cara hecha sobre el conquistador que sentó las bases del fin de la cultura azteca. La película le permitirá pasar nuevas temporadas aquí y en México, lugar donde el más universal de los malagueños, exceptuando a Picasso, ha rodado algunas de las películas de su filmografía, como las dos entregas de El Zorro, Érase una vez en México, Frida y Bordertown, aún por estrenar, acerca de los crímenes de Ciudad Juárez, con Jennifer López como compañera de reparto.

Pronto escucharemos de nuevo su voz saliendo de Gato con botas, el personaje más carismático de la secuela de Shrek y, no sólo participando en la tercera película con las aventuras del ogro verde y el asno parlanchín, tampoco con su propio largometraje con el simpático felino como protagonista absoluto. Todo eso llegará casi con toda seguridad tras la vorágine del esperado estreno, puede que en la Mostra de Venecia, de El camino de los ingleses que serviría para confirmar su talento como cineasta después de Locos en Alabama, una destacable ópera prima interpretada por su mujer, Melanie Griffith. Y aún queda por saber si después de muchos intentos por ambas partes, vuelven a coincidir Banderas y Almodóvar, 25 años después de Laberinto de pasiones.

A medio camino entre Los Ángeles y Málaga, el actor ha decidido instalarse en Nueva York, donde volverá a dar rienda suelta a su pasión por el teatro después de Nine, con la que consiguió una candidatura a los prestigiosos premios Tony. Lo próximo en Broadway será Don Juan de Marco, escrita y adaptada especialmente para él.

Quién sabe si traerá alguna de sus producciones al Teatro-Escuela que con su nombre empezará a construirse en los antiguos terrenos portuarios de la ciudad que le vio nacer hace 46 años. Por lo pronto, amigos del actor como Dustin Hoffman y el cantante Sting han mostrado interés en colaborar con él en esta iniciativa que pretende contribuir al resurgimiento de la escena en la capital andaluza de la que tuvo que salir a comienzos de los 80 debido a la falta de oportunidades profesionales.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

De la periferia a la pantalla

2006-04-28T08:58:00.000+02:00

Arcaico ha quedado el hecho de que Madrid y Barcelona fueran los únicos lugares donde un profesional podía dedicarse al cine. A decir verdad todavía suena a un pasado no muy lejano, aquel en el que los jóvenes que querían trabajar en una película debían coger una maleta y marcharse en busca de fortuna.

El nacimiento de las cadenas de televisión autonómica a mediados y finales de los 80 propició que fuera tomando forma un entramado audiovisual allí donde había que rellenar una parrilla de programación. Galicia, Euskadi, la Comunidad Valenciana y Andalucía se sumaban a los tradicionales focos de empleo para los profesionales artísticos y técnicos del gremio.

Ya en los 90, películas como Solas sirvieron de tarjeta de presentación a una incipiente industria regional a la que, no nos engañemos, le hubiera costado arrancar sin el apoyo directo de los mecanismos de producción establecidos desde Madrid. Aún con el trabajo bien hecho había que luchar contra tópicos y arquetipos que lastraban a ciertos personajes "de provincias" por culpa sobre todo de determinadas series de ficción emitidas para todo el territorio nacional.

El mayor consumo de cine español y la diversificación de su origen hicieron que quedase anquilosado el episodio que llevaba a muchos actores a abandonar su tierra natal y emprender una nueva vida en una capital que a priori brindaba más oportunidades de trabajo. El caso de los conocidos María Barranco y Antonio Banderas, que dejaron atrás Málaga hace casi 25 años, pronto será relato legendario, al igual que el de otros tantos.

La cartelera actual nos permite distinguir el caso concreto de los intérpretes nacidos en el sur de España. La recién estrenada Los aires difíciles, de Gerardo Herrero, vaticina un nuevo desembarco de rostros conocidos en Andalucía gracias a productos televisivos como Plaza Alta y Arrayán, que ya empiezan a ser familiares gracias al cine: Cuca Escribano (Poniente) y José Luis García Pérez (Cachorro, Héctor) deambulan por la misma senda que siguieron hace ya una década Ana Fernández, María Galiana y Antonio Dechent –que también participa en Los aires...-, si tomamos como ejemplo la ópera prima de Benito Zambrano.

Tanto Escribano como García Pérez se han hecho un hueco en el cine de factura nacional. Ella acaba de rodar a las órdenes de Antonio Banderas en El camino de los ingleses; él ha llevado a concurso al Festival de Málaga otra cinta, Arena en los bolsillos, donde encarna a un maltratador. No se trata de dos casos aislados ya que promesas ya confirmadas, como la cordobesa Macarena Gómez (Platillos volantes) y la sevillana Verónica Sánchez (Al sur de Granada) estrenaron el pasado año El Calentito, de Chus Gutierrez, y desde entonces no han dejado de trabajar: a Sánchez la vimos en Los 2 lados de la cama y Gómez llega a la pantalla grande como hermana lista de La dama boba, de Manuel Iborra.

Y si un malagueño como Banderas protagonizó algunos de los primeros éxitos de Almodóvar, otro, Antonio de la Torre –con Azul oscuro casi negro pendiente de estreno- constituye la cuota masculina de Volver, la última cinta del cineasta manchego. Como pueden comprobar, hay sitio para todos.

Texto escrito por Daniel Galindo.

¿Hacia dónde va el cine español?

2006-04-23T11:33:00.000+02:00

Interesante pregunta por su difícil respuesta... Una media de dos estrenos españoles llega cada semana a las carteleras. Para un defensor a ultranza del producto hecho aquí resulta doloroso reconocer que, entre tanta morralla, destaca un título o dos cada semestre.

Entre cineastas que de manera equivocada repiten patrones, mandando al garete títulos que a priori atraen todas las miradas -Tirante el Blanco, de Vicente Aranda, es un ejemplo- y supuestas nuevas miradas que no lo son tanto -Remake, de Roger Gual-, carentes de emoción y garra, me quedo con AzulOscuroCasiNegro, de Daniel Sánchez Arévalo.

De cara al verano se espera un aluvión de estrenos nacionales que acentúan la diversidad de géneros y formatos. Un buen termómetro de cómo va la industria pudo ser el pasado Festival de Málaga al que, a partes iguales, le salen críticas de cacicada y valoraciones acertadas como escaparate del cine español a estrenar en el segundo trimestre del año.

Tres largometrajes se repartieron los premios del palmarés: AzulOscuroCasiNegro, con el que Daniel Sánchez Arévalo concilió a crítica, jurado y público, Un franco, 14 pesetas, emotivo debut en la dirección del actor Carlos Iglesias, y La dama boba, apuesta de Manuel Iborra en una industria que no contempla a los clásicos –salvando una excepción cada década, como El perro del hortelano, de Pilar Miró-. El galardón de mejor película correspondió a una correcta pero no espléndida Los aires difíciles, de Gerardo Herrero, y el de mejor director a David Trueba por Bienvenido a casa...

¿Pastel para todos? Al menos esa es la sensación que nos queda de un evento que en 9 años se ha consolidado como la cita más importante de nuestro cine después de los premios anuales de la Academia. Imanol Arias, presidente del jurado del último certamen malagueño, destacaba la selección cuidada e interesante de un festival en el que ‘ganas viniendo y luego, si hay un premio, pues eso que te llevas’. Sólo hubo un premio por unanimidad, el de mejor actriz a Silvia Abascal (La dama boba) aclarando que en un jurado de siete personas, ‘gana una película y la segunda no gana, pero tampoco pierde’. Las palabras del actor servían para justificar la ganadora oficial y el triunfo un tanto amargo de otra ‘la que todos imaginamos, que ha estado muy cerca’, refiriéndose a la ópera prima de Sánchez Arévalo, ‘un joven director que surge aportando una nueva mirada’.

Sobre las carteleras van goteando excelentes trabajos de directores debutantes y títulos más mediocres de cineastas bien conocidos por el público, incapaces de arriesgar aunque esto no va con Iborra (El tiempo de la felicidad), responsable de la sobresaliente versión del clásico de Lope de Vega. Del segundo grupo no destacaremos a ningún cineasta aunque del primero nos quedamos con Carlos Iglesias que elabora en Un franco, 14 pesetas un sentido y divertido retrato de la emigración española a finales de los años 60.

Roger Gual (Smoking room) y Sigfrid Monleón (La isla del holandés) seguirán imprimiendo su sello a productos audiovisuales interesantes pero de dudosa aceptación por el público: el primero nos llevará a una masía catalana por medio de Remake que relata un encuentro entre jóvenes y sus progenitores rodado en alta definición y con pocos medios, salvo la materia humana que aportan los actores; Monleón por su parte propone un comprometido retrato de tres generaciones a través de un medio de locomoción tan usual como alternativo, La bicicleta.

El género documental continúa ganando adeptos y prueba de ello es el estreno en mayo de Estrellas de la línea, la visión de Chema Rodríguez sobre un grupo de mujeres que hacen la calle en Guatemala y forman un equipo de fútbol. También se colarán en las carteleras Objetivo: Irak, ofreciendo una visión de los iraquíes como pueblo, y Aguaviva, que recoge la experiencia de un pueblo de Teruel cuyo alcalde pretende revitalizar ofreciendo casa y trabajo a inmigrantes.

Y no queremos olvidarnos de la animación que goza de buena salud: después del estreno de Gisaku hace unas semanas, le llega el turno a El guerrero sin nombre, confirmando el interés de la industria por un sector que poco a poco ha ido dando frutos.

Texto escrito por Daniel Galindo.

El 11-S llega al cine

2006-04-19T08:25:00.000+02:00

El 11 de septiembre de 2001 en Nueva York, el 11 de marzo de 2004 en Madrid, el 7 de julio de 2005 en Londres... El mundo entero asistió a la puesta en escena de los guiones que ningún realizador había osado filmar hasta el momento.

Pronto se cumplirá el quinto aniversario de los atentados contra las Torres Gemelas y el Pentágono en Washington, pero desde Hollywood aún se mira con recelo a quien se atreve a narrar con imágenes los hechos terroristas a pesar de que esta lacra ha dado muchos y variados títulos con aviones secuestrados (Air Force One) y ciudades en alerta ante una cadena de explosiones (Estado de sitio).

Bandas criminales como IRA y ETA han dado lugar a numerosas historias, reales unas, ficticias otras. También han llegado a la gran pantalla secuestros y asesinatos, como la visión de Steven Spielberg en Munich acerca del fatal destino de los miembros de la legación israelí en los Juegos Olímpicos de 1972, secuestrados a manos de un grupo terrorista a favor de los palestinos.

En septiembre de 2002 se estrenó 11’ 09’’ 01. Once de septiembre, un mosaico con once visiones distintas sobre un hecho, cortometrajes que más que su temática tenían en común su duración: 11 minutos, 9 segundos, 1 imagen. Los trabajos versaban sobre los atentados pero a través de las miradas de cineastas reconocidos aunque tan dispares entre sí como Amos Gitaï, Alejandro González Iñárritu, Ken Loach y Sean Penn. Creatividad al servicio del cine y, en concreto, de un compromiso que se inscribía en un mensaje de paz y de tolerancia entre los pueblos.

De manera tímida empiezan a sonar los títulos de los próximos estrenos acerca del 11-S, más allá de títulos que tocan por encima los efectos de la tragedia, como Tierra de abundancia, de Wim Wenders, y Camino a Guantánamo, del heterodoxo cineasta Michael Winterbottom, Oso de Plata a la Mejor dirección en la pasada Berlinale. El responsable de títulos como 24 hour party people y Código 46 ha optado por el camino del documental ficcionado aunque marcando las distancias con el siempre beligerante Michael Moore, autor de Fahrenheit 9/11, trabajó que reventó las taquillas levantando ampollas en los sectores más conservadores de EE.UU.

World Trade Center, de Oliver Stone (Nacido el 4 de julio, Alejandro Magno), cuenta con Nicolas Cage como principal reclamo, como si el nombre del director no fuera suficiente. Cage da vida a un bombero que participa en las tareas de rescate de los supervivientes de la catástrofe. Otro título, Empty city, escrita y dirigida por Mike Binder (Más allá del odio), se ocupa de los familiares de las víctimas. Su reparto está integrado por Adam Sandler, Liv Tyler y Don Cheadle que da vida a un psiquiatra envuelto en la tragedia.

Flight 93 es la apuesta personal de Paul Greengrass (El mito de Bourne) y un tanto arriesgada de cara a la productora que la financia ya que no hay famosos entre los intérpretes. El avión de la United Airlines que se estrelló en Pennsylvania cuando sus pasajeros se rebelaron ante los secuestradores es el único escenario de la película inaugurará el Festival de Tribeca, en Nueva York, el próximo 25 de abril.

Todos esperan la reacción del público, sobre todo después de que muchos exhibidores hayan retirado los avances previos a su estreno debido a la crudeza de las imágenes. Pocos dudan del buen hacer de Greengrass y su delicadeza al tratar este tema, gracias a que uno de sus logros fue el de contar en Domingo sangriento un terrible episodio en el conflicto entre católicos y protestantes en Irlanda del Norte, concretamente el que se cobró 13 muertos en Derry, inspirando himnos universales como Bloody Sunday del grupo U2.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "Desayuno en Plutón"

2006-04-19T08:21:00.000+02:00

Patrick ‘Kitten’ Braden tuvo una vida convulsa que se nos presenta ahora en cine después de haber ocupado las estanterías de las librerías.

Las piezas de su existencia van encajando en el puzzle audiovisual, una a una, partiendo de la primera secuencia en la que se ve a una bella mujer depositando un bebé en la puerta de una parroquia, alejándose y se aleja rápidamente.

Empleando un tono de cuento de hadas, Neil Jordan relata esta fábula acerca de cómo alguien consigue sobrevivir en un mundo agresivo sin dejar de ser uno mismo. En un pueblecito de Irlanda a finales de los años sesenta, un joven es criado al amparo de una madre de adopción que encarna al prototipo de madrastra cruel de cuento. Al igual que el niño protagonista de Mi vida en rosa, el joven Patrick se siente encerrado en un cuerpo que no es el suyo.

Con el terrorismo irlandés como telón de fondo, la mezcla entre lo cómico y lo horrible, lo grotesco y lo dramático, condensa la esencia de Desayuno en Plutón, adaptación de la novela homónima de Patrick McCabe. Jordan atesora una buena colección de largometrajes, muchos de ellos vinculados a su Irlanda natal. No es el caso por ejemplo de Entrevista con el vampiro, pero sí el de Michael Collins y Juego de lágrimas, con la que mantiene paralelismos este título ya que ambos versan sobre el travestismo y el terrorismo. Para el cineasta irlandés Desayuno en Plutón es como una guía comentada de Contracorriente (The butcher boy), otra versión de una novela de McCabe, autor interesado en narrar con inusitada comicidad el efecto de las presiones sociales sobre un alma en pena.

Dos habituales de su filmografía, Stephen Rea y Liam Neeson, acompañan al irreconocible actor que da vida al personaje central de Desayuno en Plutón, el mismo que despertó en un Londres asolado por un virus letal 28 días después de su inoculación y el que pronto veremos también en el último proyecto de Danny Boyle y segunda incursión en el género de ciencia ficción, Sunshine. Para más señas, Cillian Murphy es el protagonista de la pesadilla aérea Vuelo nocturno y dio vida a uno de los personajes de la última entrega del hombre-murciélago, Batman begins.

Una destacada y variopinta banda sonora ilustra los pensamientos y las acciones de Patrick en la búsqueda de su lugar en el mundo y de su verdadera progenitora. Tan importante es la música que el título del filme proviene de un tema de Don Partridge, gorgoriteado por unos pájaros madrugadores que guían el relato, a medio camino entre el costumbrismo y el cine de denuncia.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "Un franco, 14 pesetas"

2006-04-19T08:15:00.000+02:00

Carlos Iglesias deja atrás el sambenito de ‘Pepelu’ y el rol del chapuzas de la serie Manos a la obra, una ventana cerrada a cal y canto después de cuatro años de éxitos.

Luchando contra la profunda huella dejada en millones de espectadores hemos descubierto una nueva doble faceta, la de guionista y director con su ópera prima, una historia bien narrada, mejor realizada y cargada de emociones contenidas, con risas y lágrimas, un reto para el novel al considerar que lo fácil hubiese sido quedarse con la comedia o el drama.

Cinco años estuvo dándole vueltas al guión, los dos últimos viviendo casi en exclusiva para levantar el proyecto que hace unas semanas pasó su primera prueba en el Festival de Málaga: junto a AzulOscuroCasiNegro (Daniel Sánchez Arévalo) era la favorita a alzarse con los premios principales y así fue, consiguiendo parte del pastel, en concreto los galardones al mejor guionista novel, a la mejor fotografía (Tote Trenas) y el especial del público, el trofeo que más ilusión hizo a todo el equipo.

Dos emigrantes, a los que dan vida el propio Iglesias y Javier Gutiérrez (Días de fútbol), abandonan la miseria en la que está sumida la España de la posguerra y se instalan en Suiza. Llegaron persiguiendo un sustento mejor para sus familias, pero encontraron un mundo muy diferente al pobre y sombrío que dejaron atrás al cruzar los Pirineos. Juntos afrontan una vida nueva con ayuda de personajes como Hanna (Isabel Blanco), la mujer que regenta la pensión donde se hospedan.

Es el germen de una cinta que cuenta con algunas riquezas como la honestidad y la sencillez en los planteamientos y el abanico de personajes creíbles en un relato autobiográfico con el que rinde homenaje a los auténticos Pilar y Martín, sus padres. Lo deja bien claro el polifacético actor: "el niño de la película soy yo", frase que continúa con toda una declaración de intenciones, "mi padre dice que los mejores años de su vida fueron los que pasó en Suiza, de 1960 a 1966; vivir allí nos abrió los ojos y fue muy difícil encajar la vuelta al sótano que tenían mis abuelos en Argüelles (Madrid) donde eran porteros".

Casi de manera impuesta por los productores José Manuel Lorenzo y Eduardo Campoy, el intérprete de cintas como El caballero Don Quijote y Ninette tuvo que hacer frente también a la plasmación en imágenes del guión que con tanto amor había escrito, una historia contada "desde la perspectiva y la comprensión que da el tiempo, y desde la ternura y humanidad que da el haberla vivido". El pasado sirve para explicar el presente y los que un día emigraron son los mismos que no ven con buenos ojos la llegada de extranjeros en una situación peor a la de nuestros compatriotas españoles, una metáfora que reivindica un mejor trato para nuestros nuevos vecinos.

Siete semanas y media duró el rodaje en distintos escenarios, algunos entrañables para el autor, como la casa en la que se instalan los protagonistas a la llegada de Pilar (Nieve de Medina), el lugar en el que vivió Iglesias durante los seis años que pasó en el país alpino, descubriendo el mundo, mientras sus padres pasaban el tiempo haciendo cuentas, pasando francos a pesetas, para un posible regreso a España.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

José Luis Gómez nos presenta el "Informe para una Academia"

2006-04-08T21:05:00.000+02:00

Han pasado 35 años desde que José Luis Gómez empezó a labrarse un nombre con esta obra de Franz Kafka. Ahora regresa al mismo texto pero con una diferente interpretación, más poética y personal, de la que destaca el humor inquietante que impera en toda la obra.

El alma mater del madrileño Teatro de La Abadía, un templo para los amantes de las artes escénicas, nos lleva de la mano por el universo de Franz Kafka, personificado aquí por un mono encarcelado en el mundo de los hombres. Este esclavo instruido, consciente de su gran capacidad de observación, demuestra hasta que punto ha sacado provecho de su encierro, convirtiéndose en ser humano y manejando con mucha soltura su lenguaje.

A sus 65 años y después de cuatro décadas dedicado casi por entero al teatro, Gómez se reencuentra con el Informe para una Academia que recitó en 1971. En esta ocasión lo interpreta, lo ensaya y lo interioriza en su pensamiento simiesco, todo ante la atenta mirada de los espectadores que le vigilan sigilosamente desde el patio de butacas, espías como el empresario que vigilaba a Kafka.

El autor de La metamorfosis y América redactó este peculiar tratado en la primavera de 1917. Con él daba a conocer las inquietudes de un mono artista lleno de dudas, una metáfora de la aceptación del individuo por toda la sociedad y el precio que debe pagar por ello. El texto, incluido en la serie de relatos Un médico rural, acaba de salir de las carteleras madrileñas en las que estuvo presente gracias a otra adaptación de Ricardo Joven y Teatro del Temple que llevó por nombre Yo, mono libre.

El actor y dramaturgo, director de La Abadía, había acariciado la idea de volver al proyecto durante muchos años: quería rememorar y redecorar esta metáfora de la lucha interna de cada hombre pero de una manera más madura, aportando su experiencia humana y profesional de más de tres décadas. Rodeándose de sus colaboradores más estrechos, como Carlos Aladro, y siguiendo los dictados de su compañero de batallas, José Sanchís Sinisterra, consigue recuperar las sensaciones que le provocó el espectáculo que pudo estrenar en 1971 en el Instituto Alemán de Madrid cuando aún era un refugio para las artes y la libertad democrática.

En la memoria de quienes le vieron en su primer montaje, Informe para una Academia es a Gómez lo que Cinco horas con Mario a Lola Herrera. El riesgo de su nueva puesta en escena era por tanto mayor al tener que luchar contra el recuerdo idealizado. Pero el trabajo bien hecho da sus frutos y Pedro el Rojo vuelve a provocar la reflexión en el espectador a través del juego cómico de un monólogo agotador en cuanto al trabajo físico que requiere, ya que Gómez, no lo olvidemos, no es más que un simio durante toda la obra.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"Lola": el mito se hace carne

2006-04-07T17:29:00.000+02:00

Ni documental, ni historia exacta sobre la vida de uno de los personajes más influyentes en la cultura y la sociedad española de la segunda mitad del siglo XX.

Lola, la película no es un largometraje biográfico al uso sino una historia basada en su vida y el ambiente en que creció como mujer y artista. No se cansa al repetirlo una y otra vez su director, Miguel Hermoso. Ahonda en eso y en la idea de que ha intentado hacer la película que a Lola Flores le hubiese gustado interpretar.

A comienzos de 2007 tendrá lugar su estreno en pantallas, justificando los cinco millones de euros que ha costado este viaje audiovisual que nos lleva desde 1935 hasta 1957 de manos la niña de 8 años que decide ser bailarina, la que con 13 años actúa por primera vez junto a Manolo Caracol y la joven que se quiere dedicar al arte a pesar de las dificultades, que eran muchas. La acción termina justo cuando Lola inicia su noviazgo con el que sería padre de sus tres hijos, Antonio Gonzalez ‘El Pescaílla’, al que da vida el joven Alfonso Begara (Camarón).

Un arduo trabajo de cásting dio con la actriz que tiene el reto de encarnar, acercarse al menos, a ‘La Faraona’, un torbellino, un potro desbocado, con fuerza, sensibilidad y temperamento. Integrante hasta ahora del grupo musical Papá Levante, la gaditana Gala Évora debuta en el cine a sabiendas de que la artista a la que interpreta es irrepetible. Asegura Hermoso que el temor inicial ha servido para que la joven cimentase su papel con respeto, humildad y mucho sentimiento. El resto viene solo, a veces incluso por casualidad, y si no lo creen basta con fijarse en el parecido evidente de Évora con Lola Flores: su mirada, su nariz e incluso sus gestos son prácticamente iguales.

Sin olvidar a la protagonista absoluta no se nos puede escapar que Hermoso articula en torno a ella un vasto panorama histórico, recreando la situación de una España en plena posguerra a través de los inicios artísticos de una joven andaluza, centrándose en el lado más familiar y humano de la mujer que falleció el 16 de mayo de 1995. Esto les abre puertas a la hora de permitirse licencias con las que construir una percepción general del mito.

Kiti Manver, Antonio Dechent y Carlos Hipólito completan el reparto en el que también aparecen Ana Fernández y José Luis García Pérez, ambos incluyen este en la larga lista de proyectos que tienen pendientes, algunos además en los que vuelven a compartir más de una secuencia, como el segundo largometraje de Pablo Malo (Frío sol de invierno). La protagonista de cintas como Pasos, Morir en San Hilario y Sin ti será la madre de la artista, un personaje que le gusta por ser valiente y recordarle a las mujeres de su familia. García Pérez (Los aires difíciles, Arena en los bolsillos), sevillano como Fernández, se convierte en Manolo Caracol, un rol que le tiene abducido por el tanque de arte y vida que era como persona.

A punto de finalizar el rodaje de la cinta, el cineasta granadino se regocija al verla como un hito en su filmografía (Truhanes, Fugitivas, La luz prodigiosa). Un guión poderoso, una protagonista fortísima y un vestuario espectacular son, a su juicio, las bazas principales de su novena película, además de la acertada elección de los equipos artístico y técnico: un ejemplo es que al frente del trabajo coreográfico está la bailaora Cristina Hoyos, ilusionada ante la posibilidad de acercar la forma de bailar en aquellos años y de poner en acción a la jerezana y a Manolo Caracol.

La familia Flores conoce el proyecto desde su concepción, aunque tanto Lolita como Rosario, embarcadas en sus proyectos teatrales y musicales, no han podido estar en el rodaje todo lo que les hubiese gustado, quizás porque no comparten la dramatización de los hechos contemplados en el guión de Antonio Onetti (Padre Coraje, El Lobo, GAL). Tirando de la lengua a los responsables se atisba el deseo de las herederas de que la primera película sobre su figura sólo contase las cosas buenas de la vida de su madre, grande y única.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

El Festival de Málaga cumple 9 años

2006-03-17T08:57:00.000+01:00

Del 17 al 25 de marzo se celebra esta cita con el cine, que este año se adelanta un mes a su fecha habitual para dar a conocer lo mejor de la cosecha de la producción nacional.

La última propuesta de David Trueba, Bienvenido a casa, es la encargada de inaugurar la competición, donde concurren cineastas consagrados como Eliseo Subiela (Lifting de corazón) y Manuel Iborra (La dama boba). Gerardo Herrero paseará Los aires difíciles por un festival que siempre ha reconocido sus trabajos, ya sea como productor o director –no olvidemos que Heroína dominó el palmarés de la pasada edición-.

Arena en los bolsillos, de César Martínez Herrada, El triunfo, de Mireia Ros, y La bicicleta, de Sigfrid Monleón, se unen al selecto club cuyos seleccionadores, con Fernando Méndez Leite a la cabeza, cumplen con su tradicional apuesta por realizadores que empiezan, como en día ocurrió con Miguel Albaladejo (La primera noche de mi vida), Laura Mañá (Sexo por compasión) y Julio Wallowitz y Roger Gual (Smoking room). Precisamente este último presentará su largo en solitario Remake junto a otros compañeros que se estrenan: el actor Carlos Iglesias (Un franco, 14 pesetas), Gerardo Olivares (La gran final), Chema Rodríguez (Estrellas de la línea) y el curtido cortometrajista Daniel Sánchez Arévalo (Azul oscuro casi negro).

La actriz Ana Fernández se dejará ver al frente de los repartos de Sin ti, de Ramón Masllorens, y Amor en defensa propia, de Rafa Russo. Habituada a estos trances por la experiencia acumulada en años anteriores con Pasos y Morir en San Hilario, seguro que paseará a sus anchas por las cinematográficas calle Alcazabilla y plaza de la Merced, porque si la cita de la Costa del Sol se caracteriza por algo es por la cercanía que imponen algunos de los actores más carismáticos de nuestro cine.

Quien no acudirá al certamen es su presidente de honor, Antonio Banderas que, embarcado en su segundo proyecto como director (El camino de los ingleses), prometió ofrecer un avance en Málaga de la cinta que acaba de rodar. Habrá que esperar hasta septiembre, cuando tenga lugar el pre-estreno en el Teatro Cervantes, principal escenario del festival junto a los ya míticos Cines Albéniz, el Rectorado de la Universidad y el Museo Picasso, como espacios principales.

Imanol Arias preside el jurado de la sección oficial de largometrajes, hermana mayor de otra más alternativa e independiente, ZonaZine, en la que compiten siete títulos: Ar meno un quejío, de Fernando de France; Ellos robaron la picha de Hitler, del malagueño Pedro Temboury; Posdata, de Rafael Escolar; Locos por el sexo, de Javier Rebollo; El norte, de Lino Varela; Niñ@s, de Alfredo Montero, y Todo está en el aire, de David Ciurana y Ángel Penalva.

Si en anteriores ocasiones actrices como Ángela Molina y Verónica Forqué vieron reconocidas sus trayectorias con el Premio Málaga, este año le llega el turno a Ana Belén. El cineasta Fernando Colomo y el guionista Rafael Azcona recibirán también un caluroso homenaje, al igual que Los tramposos, de Pedro Lazaga, se convertirá en la Película de Oro.

Ventana natural también al cine en español el certamen cuenta con la muestra paralela de documentales y otra, Territorio Latinoamericano, que por primera vez cuenta con una sección a concurso y en la que podremos ver títulos como la colombiana Rosario Tijeras y la argentina Tiempo de valientes. Otra de las novedades de la presente edición es la puesta en píe del recinto Málaga Cinema: 6 enormes carpas emplazadas en la playa de La Malagueta para que el olor del cine y la brisa del Mediterráneo se mezclen, al menos en las fiestas oficiales.

Asegura su director, Salomón Castiel, que el festival nació con la idea de que el mejor cine español de la temporada estuviese en la ciudad andaluza y la prueba es que de aquí, en 9 años, han salido títulos taquilleros como El otro lado de la cama y Torremolinos 73. Más de tres millones y medio de euros engordan el presupuesto de un festival que, junto a la ceremonia de entrega de los Goya, se ha convertido en cita ineludible para todos los amantes y profesionales del sector. De una prepotencia absoluta sería equiparar la Biznaga de Oro a la Espiga de Valladolid o la Concha de San Sebastián, pero lo cierto es que el certamen ha ido tomando cuerpo año tras año. Casi todo el cine español, un año más, en Málaga.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "V de vendetta"

2006-03-13T19:02:00.000+01:00

Falta muy poco para que llegue a nuestras pantallas esta película de denso contenido crítico vestida de espectáculo de masas. Natalie Portman es uno de los principales reclamos de un título de acción que se perfila como una pieza de culto, mucho más después de que las tesis controvertidas que plantea hayan hecho saltar las alarmas, sobre todo tras los últimos acontecimientos que hacen que el orden mundial se tambalee.

El guión fue escrito por los hermanos Wachowski, responsables de la trilogía Matrix, a partir del las historias gráficas creadas en la década de los 80 por Alan Moore y David Lloyd y cuenta la historia de una revolución impulsada por los rebeldes que están en contra de una sanguinaria dictadura, una sinopsis alimentada por obras literarias del estilo de 1984 y Un mundo feliz.

La acción transcurre en los albores del siglo XXI, tras la III Guerra Mundial. Inglaterra se ha convertido en un estado fascista dominado por un cerebro malévolo y enfermo de poder (John Hurt). En estos tiempos de desesperación y oscuridad, aparece un misterioso individuo, un vengador solitario que se hace llamar V y ataca a los intereses y las fuerzas represoras, creando el caos. El enmascarado, Hugo Weaving, no tiene un trato de villano maligno, sino de héroe romántico, un moderno Robin Hood al que podemos confundir por un terrorista al uso por las consignas que lanza y las amenazas de destrucción de edificios públicos.

El filme con el que debuta en la dirección James McTeigue, ayudante de dirección de Larry y Andy Wachowski, aprovecha el tratamiento del cómic original a la hora de retratar la estética de la Alemania nazi y parte de la filosofía del nacionalsocialismo, un movimiento político que surgió en Alemania en la década de 1920 ante el desastre de la derrota de la I Guerra Mundial. Las teorías sociopolíticas culminaron con la proclamación del III Reich y la dictadura de Adolf Hitler, aunque en la película, los propósitos de exterminar a extranjeros, negros, homosexuales y opositores políticos se escudan en el miedo de la población al terrorismo y la inseguridad ante una permanente amenaza externa.

Similitudes plásticas e históricas a un lado, V de Vendetta ha sido objeto de las críticas por los paralelismos con los últimos atentados terroristas perpetrados en capitales occidentales como Nueva York, Madrid y Londres y la legitimación de los actos extremistas que tienen como finalidad derrocar un sistema dictatorial. Como toda película que se precie, la polémica, la controversia y los debates están servidos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

La resaca de los Oscar

2006-03-13T18:58:00.000+01:00

Todo el mundo habla de sorpresa tras el Oscar a la mejor película que ha consagrado a Crash (Colisión) en la 78 edición de los Premios de la Academia. Lo cierto es que la propuesta de Paul Haggis era la hermana menor y la más desconocida del quinteto de largometrajes, pero no por ello menos interesante.

El responsable del guión de Million Dollar Baby, de Clint Eastwood, ha dado muestras de su holgado debut en la dirección cinematográfica con este fresco sobre la inmigración y el racismo presentado con ritmo frenético, a modo de videoclip. Y no hay que buscar dobleces al hecho de que el impactante triunfo de este puzzle de vidas cruzadas en la ciudad de Los Ángeles dejara en el armario el romance de los dos ovejeros homosexuales.

Al final los académicos se decantaron por la solución salomónica de premiar a todos con un trozo de pastel y, en este caso, calmar los vientos que soplaban con demasiado ímpetu quizás, encumbrando el posible -y merecido- triunfo del taiwanés Ang Lee desde que hizo aparición en la pasada Mostra de Venecia con Brokeback Mountain. Poco habituados los norteamericanos a romper tabúes y como si no hubiesen descubierto el cine romántico, calentaron el ambiente insuflando polémicas infundadas, un flaco favor a las políticas de marketing, concentradas en aupar el cine independiente, donde incluyeron títulos como Buenas noches, y buena suerte, en detrimento de cintas que verdaderamente cuentan con poco respaldo de la industria.

Con la lista de ganadores en la mano resulta muy fácil hacer análisis pero en pocas líneas si que podríamos sacar varias conclusiones. Primera, Hollywood está necesitado de nuevas historias y relatos de siempre pero contados con cierto atrevimiento (léase por ejemplo Syriana y El jardinero fiel). Segunda, el conservadurismo sigue haciendo mella en las decisiones de los académicos, pudiéndose ser esta razón el detonante que llevó al Oscar a la cinta francesa El viaje del emperador como mejor documental frente a propuestas con marcado carácter político. Los personajes reales con vidas polémicas siempre dan juego en el cine.

Ese último punto nos sirve para presentar a los dos actores protagonistas del año, Phillip Seymour Hoffman (Truman Capote) y Reese Witherspoon (En la cuerda floja), a la que ya conocen como la nueva Julia Roberts. La Academia se mantuvo en la línea de reconocer la labor de reconstrucción de roles basados en figuras destacadas como el escritor de A sangre fría y Desayuno en Tiffanny´s y la cantante June Carter, pareja de Johnny Cash. Ninguna de sus dos cintas aspiraba a premios mayores, aparte de los de interpretación que, al igual que el año pasado con Ray (con Oscar para Jamme Foxx), daban la razón a público y crítica al valorar esas proezas como puntos a destacar de filmes correctos pero no sobresalientes, dejando a un lado títulos como Munich, de Steven Spielberg, el perdedor real de la ceremonia.

George Clooney (Syriana) y Rachel Weisz (El jardinero fiel) se alzaron con los galardones a los mejores actores de reparto. Mientras que dos producciones ‘de Oscar’ se repartieron los premios de carácter técnico: Memorias de una geisha (dirección artística, diseño de vestuario y fotografía) y King Kong (sonido, montaje de sonido y efectos visuales).

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"El arco", lo nuevo de Kim Ki-duk

2006-03-13T18:54:00.000+01:00

Original y sorprendente, capaz de constituir en sí misma un relato coherente sólo con imágenes, la última producción del coreano Kim Ki-Duk es de esas perlas que engatusan a los asistentes de un festival prestigioso y hace las delicias de los amantes de un cine que no se preguntan el porqué de las cosas.

El autor se define como ‘un director que empezó en los marines coreanos y pasó por la pintura, un hombre al que no asusta la crítica, sino una película sin vida’. Parece que ha encontrado su lugar en el mundo, siendo elogiado por crear una parcela cinematográfica distinta, única y personal.

Se mantiene leal a su modus operandi y la poética que imprime a sus trabajos ha conquistado a público, crítica y directores como Pedro Almodóvar, que encuentran fascinante su forma de fantasear con la realidad de las pesadillas y plasmar con dureza y belleza visual asuntos demasiado potentes para ser descrito de un modo convencional.

La diferencia, sin ser petulante, marca tendencia y es objeto de reconocimiento, como el que le brindaron hace poco los cineastas y productores europeos en la Seminci de Valladolid y en el Festival de San Sebastián, dos iniciativas que corroboran el hecho de que el guionista y director suela tener plaza asegurada en los hoteles de el Lido y la Costa Azul cuando se acercan las fechas de la Mostra de Venecia y el Festival de Cannes.

Redunda Kim Ki-duk en su idea de reinterpretar objetos: en La isla, un anzuelo sirve para pescar la pasión; en Primavera, verano, otoño, invierno, y... primavera, una puerta da paso a un lago en el que viven un maestro y su discípulo; en Bin-Jip (Hierro 3), un palo de golf sirve para asestar golpes de realidad en contraposición a la no-presencia de sus protagonistas... Continua en su línea y por eso domina el argumento de su última película un arco en constante tensión, que puede ser un arma de guerra o un instrumento de caza para el sustento, pero siempre lleva implícita la idea de fuerza.

El director presta un significado múltiple al arco, desde una hipotética y poderosa protección del entorno contra amenazas foráneas, pasando por un instrumento musical para un ritual a través del que es posible la comunicación con el mundo, hasta una herramienta muy especial para leer el futuro. El arco es algo único; la duración de una vida depende de la tensión de la cuerda y del arco.

Llena su filmografía de símbolos a partir del mundo usual y tangible que percibimos.
Enmarca sus historias en ambientes naturales y a excepción de Hierro 3, un drama urbano, una bella historia de amor, destaca en todos sus títulos la presencia del agua. El mar y un viejo barco en medio del océano se convierten en principales protagonistas de esta fábula con tres personajes centrales: una muchacha, un viejo pescador y un joven universitario.

Kim Ki-duk tiene 46 años y pasó buena parte de su juventud estudiando arte en París. Al regresar a Corea del Sur empezó su carrera como guionista y director con una película de bajo presupuesto, El cocodrilo, a la que siguieron otros títulos inéditos en España como Wild animals, Birdcage Inn, Real fiction y The coast guard. El año pasado coincidieron en las carteleras de nuestro país Hierro 3 y Samaritan girl.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado, de manera resumida, en LaNetro.com.

"Solas", un año de bienes

2006-03-10T08:57:00.000+01:00

Hace tiempo un joven sevillano condensó lo negativo de la soledad y la incomunicación y lo esperanzador de la ternura y la bondad.

La historia, con una madre, una hija y un vecino como protagonistas, se convirtió en una de las cintas más valoradas del cine de español reciente y llega ahora a Madrid tras su gira por diferentes ciudades españolas.

Lola Herrera y Natalia Dicenta comparten con María Galiana y Ana Fernández la pasión por la interpretación y su maestría, aunque a la primera pareja cuenta con algo más que las hace diferentes: madre e hija en la vida real, fueron las elegidas para llevar a escena una desgarradora historia sobre los sentimientos que se van ocultando en lo más profundo del alma para no mostrar debilidad, para no sufrir, para sobrevivir.

Una adaptación que conserva la esencia de la cinta estrenada en 1999 y transmuta gracias al espíritu formal y estético del teatro: escenas cortas, transiciones rápidas a partir del juego con las luces y el sonido, siempre al servicio del relato y otorgando importancia a los silencios.
Al frente del montaje está José Carlos Plaza, el responsable de más de 50 producciones que lleva un año entregado a este trozo de vida, "un moderno poema sobre nosotros y nuestra soledad".
A lo largo de 26 estrofas, Solas cuenta muchas cosas con la crudeza del maltrato de la mujer como telón de fondo, pero el grito desgarrador puede convertirse en llanto pausado al vislumbrarse la esperanza y el amor: la gran ciudad, cada vez más despiadada, egoísta y deshumanizada, alberga pequeñas parcelas donde sus moradores ponen el freno al ritmo vertiginoso.

Con este texto catártico, "un viaje nutritivo y cómplice", las dos actrices se reencuentran sobre el escenario después de 12 años. En el recuerdo quedarán obras como Las amargas lágrimas de Petra von Kant, de Fassbinder, representada hace casi dos décadas, y la magistral pieza del Centro Andaluz de Teatro, Pentación, que sigue camino haciendo breves paradas desde que se estrenó en febrero de 2005 en el Teatro Central de Sevilla.

Herrera da vida a Rosa, una mujer que sufre en silencio los desprecios de su marido incluso cuando éste se encuentra hospitalizado en la ciudad. Interpretar este regalo le ha permitido a la vallisoletana de 70 años dar el difícil salto a donde tiene que estar, dejándose las canas, algo que a una actriz le cuesta mucho aceptar. Por su parte Dicenta afronta cada noche un proceso de transformación física y mental que no está siendo fácil: la actriz de La zapatera prodigiosa llevaba 7 años alejada de las tablas y regresa al medio poniendo a su personaje al límite, al borde del alcoholismo, y dando un cambio brusco cuando atisba un mejor horizonte al regresar a su vida su anciana madre y conocer a un solitario vecino, con quien entablará una relación basada en el afecto y la comprensión mutua.

Carlos Álvarez-Novoa es precisamente el único actor rescatado de la película, adaptada por Antonio Onetti (autor de los guiones de Padre Coraje, El Lobo y GAL). Ambos coinciden en lo atractivo que resulta ver a todo el reparto construyendo sus personajes a pesar de tener el referente cinematográfico tan anclado en sus memorias y en la de todos nosotros.

Es esa renovación de la puesta en escena emprendida por director y la interpretación de los actores la que otorga frescura a una historia vigente de por vida al condensar sentimientos universales.

Una pequeña joya para amantes del teatro directo que además del calor del público les ha valido 5 candidaturas a los Premios Max –las actrices aspiran a un galardón junto a Nuria Espert (La celestina)- y el reciente Fotogramas de Plata a la mejor actriz de teatro para la incombustible protagonista de Cinco horas con Mario.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

¿Has llegado hasta aquí y te has quedado con ganas de saber más? Pues sigue leyendo...

"Solas" hace un año.

Crítica: "Solas".

Leo Bassi y el Alfil: últimas víctimas de los ataques a la cultura y la libertad de expresión

2006-03-03T10:22:00.000+01:00

Ante los ataques a la libertad de expresión y la seguridad que sufren estos días el cómico Leo Bassi y toda la gente del Teatro Alfil consideramos que la mejor respuesta de todos los amantes del teatro (la esencia de la libertad está implícita en este arte) es apoyar la obra, que sigue programada... ¡Seguid así chicos!

¿Quieres saber qué opinamos de La revelación?

Avanzamos... "Volver"

2006-03-03T09:46:00.000+01:00

¿Qué se puede adelantar de una película que ha dado ríos de tinta y muchos, muchos minutos de promoción antes incluso de su rodaje?

Supone un regreso a los orígenes, por emplazar la historia en La Mancha y devolver el protagonismo a su universo femenino después de poner delante del objetivo al masculino en La mala educación.

Volver conlleva también nuevas colaboraciones con Penélope Cruz (Carne trémula, Todo sobre mi madre) y Lola Dueñas (Hable con ella), además de unir después de 17 años los caminos artísticos de nuestro cineasta más internacional y Carmen Maura, la compañera de viaje con la que recorrió 6 estaciones de las 15 que hasta ahora componían su filmografía.

Asegura que este verano se ha sentido cómodo y seguro al otro lado de la cámara, disfrutando al ver como sus mujeres se enfrascaban en las más farragosas y surrealistas secuencias, las que conforman este viaje colorido y neorrealista sobre la muerte. El cineasta de Calzada de Calatrava ha puesto el acento en las relaciones que se establecen entre 6 mujeres de 3 generaciones que sobreviven al viento, al fuego, e incluso, a la muerte a base de bondad, atrevimiento y una vitalidad sin límites. Caracteres fuertes que chocan entre sí y con presencias extrañas que parecen llegadas del más allá.

Pero en Volver no hay miedo a la muerte. Aborda el tema empleando un tono carente de angustia. La cultura de la muerte y también la gastronómica, porque aseguran que esta película sabe a barquillo y pisto manchego. Almodóvar ha sabido hacer a la parca partícipe del reparto coral como un personaje más en este híbrido a medio camino entre la comedia y el drama. Con ese punto irónico y a veces hasta negro del que hizo gala en títulos de su primera etapa como Entre tinieblas o ¡Átame!.

También las constantes de su cine se dan cita al aparecer de nuevo el pueblo como refugio (La flor de mi secreto), la figura materna (Carne trémula, Todo sobre mi madre) y las transformaciones físicas (La ley del deseo, La mala educación), como la de Maura, en el papel más duro físicamente de toda su carrera. Y no olvidamos el papel de la música, con el tango que da título a la película cantado por Estrella Morente aunque puesto en boca de Cruz.

Yohana Cobo y Blanca Portillo –para el cineasta han sido "la auténtica revelación"- son las debutantes del sexteto protagonista en el que también aparece Chus Lampreave, galardonada este año con el Fotogramas de Plata por toda su trayectoria. En sus diarios de rodaje todo son elogios hacia ellas. Dentro de poco lo comprobaremos por nosotros mismos: tentado por el Festival de Málaga para inaugurar el certamen el mismo día de su estreno, Almodóvar prefirió guardar sus bazas para su posible presencia en la sección oficial de Cannes, el festival de festivales.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "La fiesta del chivo"

2006-02-24T10:42:00.000+01:00

Estamos en un jardín caribeño, donde aparece una jovencita de 14 años ataviada con un delicado vestido azul y dispuesta a soplar las velas de la tarta de su cumpleaños.

No es esta la fiesta que intuye el título de la película, sino una de las escenas de La Fiesta del Chivo, basada en la novela del mismo título del hispano-peruano Mario Vargas Llosa.

Las tierras dominicanas acogen esta historia que relata detalles íntimos de la dictadura de Rafael Leonidas Trujillo, que gobernó el país entre 1930 y 1961 y de la conjura de un grupo de conspiradores para asesinar al Chivo, como denominaban al presidente.

El autor de obras como El paraíso en la otra esquina y Lituma en los Andes relató algunas de las etapas de la vida de uno de los más célebres tiranos de América Latina y el Caribe. Vargas Llosa le presentó como el símbolo de todas las dictaduras tomando las señas de identidad de personajes como Batista, Videla, Pinochet, Somoza, Hitler y Stalin.

Mimado por la industria de Hollywood, el cineasta peruano Luis Llosa perseguía la posibilidad de rodar una película en la que se pudiera involucrar personalmente de manera más directa, alejándose de títulos como El especialista, explosiva cinta con Silvester Stallone y Sharon Stone, y Anaconda, en la que Jennifer López se revolcaba en la selva en lucha permanente con una serpiente de enorme tamaño. El primo del escritor ha tenido que sintetizar la novela original y eliminar ciertas partes de la trama para dotarla de ritmo y acción.

Reparto internacional formado entre otros por Isabella Rossellini y Juan Diego Botto en una co-producción en la que participa el propio Llosa (Iguana Films) y para quien 'es una historia que merece ser contada por tratarse de una reflexión seria y totalizadora del poder y su relación con el impacto que tiene el despotismo sobre los seres humanos'.

La hija del director italiano Roberto Rossellini y la actriz sueca Ingrid Bergman es uno de los principales reclamos de esta cinta presupuestada en diez millones de euros y que se ha rodado en República Dominicana y España, y producida entre otros por Andrés Vicente Gómez (Lola Films), que se muestra sorprendido ante la variedad de recursos empleados en tan sólo 100 minutos de metraje.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Cine español: lo que viene

2006-02-24T10:12:00.000+01:00

A la espera de algunos de los estrenos más esperados de la temporada, la actividad en los estudios de rodaje se presenta frenética.

Tirante El Blanco, de Vicente Aranda, El camino de los ingleses, de Antonio Banderas, y Alatriste, de Agustín Díaz Yanes están a punto de caramelo, mientras Julio Medem anda a vueltas con su Caótica Ana, Miguel Courtois se adentra en los oscuros entresijos de los GAL; David Serrano y a Alberto San Juan recuerdan añorados Días de cine y Miguel Hermoso redescubre el mito de Lola Flores.

Pero además, 10 años después de La pistola de mi hermano, Ray Loriga parece que se despista y acaba por error en el siglo XVI, siguiendo los pasos de la mística Teresa de Jesús. Pero en Teresa, muerte y vida, 'una pequeña película épica e inconformista' según el guionista y novelista, el éxtasis queda bien aparcado, poniendo de relieve la parte más terrenal de un icono femenino al que da vida la sevillana Paz Vega, arropada por Geraldine Chaplin, Amparo Valle, Eusebio Poncela y Leonor Watling, que se perfila como 'chica Allen' en la próxima aventura barcelonesa del cineasta neoyorquino.

Otro rodaje 'de época' es el que afronta Inés París, esta vez en solitario, sin el apoyo de Daniela Fejerman con quien escribió y dirigió A mi madre le gustan las mujeres y Semen. Una historia de amor. París coloca a Elena Anaya entre Juan Luis Galiardo y Will Kemp (Van Helsing), transmutados para la ocasión en Miguel de Cervantes y William Shakespeare. El nombre de la cinta es Miguel & William y se trata de una alocada comedia entre la realidad y la ficción acerca del encuentro hipotético de los dos escritores, que compartieron mucho más que la fecha de su muerte, aunque esto tampoco está muy claro todavía.

También les ha llegado el turno a Rafa Russo y Daniel Sánchez Arévalo, dos experimentados (y galardonados) cortometrajistas que dan el salto al largo, confiando cada uno en su musa particular: Russo se estrena en el formato con Nada que perder, con Ana Fernández y Bárbara Goenaga, mientras que el destacado pupilo de Medem (estuvo en Venecia con La culpa del alpinista) ha contado una historia, llamémosla diferente, en Azul oscuro casi negro, con Marta Etura.

Ambas producciones participarán en la sección oficial del IX Festival de Cine de Málaga, escaparate con lo mejor de la producción nacional y plataforma para el estreno comercial en el primer semestre del año. El certamen, que dedicará retrospectivas y homenajes al guionista Rafael Azcona, a la actriz Ana Belén y al cineasta Fernando Colomo, será inaugurado por Bienvenidos a casa, de David Trueba. También podremos ver las últimas propuestas de directores jóvenes como Roger Gual (Remake) y Sigfrid Monleón (La bicicleta) y otros veteranos de la talla de Eliseo Subiela (Lifting de corazón), Manuel Iborra (La dama boba) y Gerardo Herrero, que estrena aventura andaluza, Los aires difíciles, protagonizada por Cuca Escribano, José Luis García Pérez y Alberto Jiménez. Por cierto, Almudena Grandes va camino de convertirse en la escritora española con más adaptaciones de sus obras. La próxima podría ser Atlas de geografía humana, proyecto que filmaría Azucena Rodríguez y en el que andan metidas Ana Torrent y Elvira Mínguez.

Y con los nervios de la primera vez, aunque sea la sexta, debe estar Javier Rebollo (Marujas asesinas, En camas separadas), que confía en Lola Dueñas y Carmen Machi a la hora de contar Lo que sé de Lola, una historia de amor imposible en la que nunca se dice te quiero y los amantes no se encuentran nunca. Un apunte más para finalizar: las dos actrices, junto a Carmen Maura, Blanca Portillo, Penélope Cruz y Chus Lampreave, acompañarán a Pedro Almodóvar en su esperado regreso manchego con Volver. Será el próximo 17 de marzo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Julio Medem nos presenta a su "Caótica Ana"

2006-02-17T09:33:00.000+01:00

Dio a conocer su peculiar mundo cinematográfico con Vacas y se adentró en un curioso camping de verano en busca de La ardilla roja.

Además, hizo que Carmelo Gómez, cuyo corazón se debatía entre el ángel Emma Suárez y un diablillo llamado Silke, degustase un vino con sabor a Tierra. Aunque eso sólo fue el principio de una intensa historia de amor con el cine.

El cineasta que se confirmó como uno de nuestros creadores más singulares al presentarnos Los amantes del Círculo Polar y Lucía y el sexo, está a punto de cumplir sus primeros 15 años de cosecha fílmica, un aniversario que celebrará con su séptimo largometraje en el que nos relata 4 años en la vida de una joven un tanto enredada.

Caótica Ana llega después del parón en la ficción que supuso el estreno de La pelota vasca. La piel contra la piedra. Este licenciado en medicina y cirugía tenía en mente llevar a la pantalla la historia de Aitor, la versión fabulada de su primera incursión en el género documental, pero la historia de Ana se impuso con más fuerza, tanta que Medem trabajó hasta 8 versiones diferentes de un mismo guión.

Su último personaje es caótico porque comprueba que no vive solo, que su existencia parece la continuación de otras vidas de mujeres jóvenes que murieron de forma trágica. Todas ellas se marcharon para no volver a los 22 años, aunque habitan en el abismo de su memoria inconsciente. Ese es su caos, el que descubre Ana tras ser sometida a hipnosis a los 18 años y llegar a la conclusión de que su vida es una misteriosa y obsesiva prolongación.

Si Lucia y el sexo supuso el viaje del personaje de Paz Vega desde Madrid hasta el onírico paisaje de Formentera, Caótica Ana se moverá por otras islas como las Canarias e Ibiza, el desierto de Arizona y los horizontes urbanos de Madrid y Nueva York, y estará acompañada por la cantante Bebe Rebolledo (Al sur de Granada, La educación de las hadas), Lluís Homar y Raúl Peña. También rodará en castellano la británica Charlotte Rampling, redescubierta para el cine por François Ozon en Bajo la arena y Swimming Pool y Medem confía otro de sus personajes en Nicolas Cazalé, protagonista de El largo viaje.

El sexto largometraje de ficción del cineasta vasco, valorado en 5 millones de euros, empieza a rodarse no exento de polémica un tanto infundada: las negociaciones con la actriz María Valverde no llegaron a buen puerto y poco antes de ultimar la pre-producción su nombre se cayó del reparto final. La joven actriz Manuela Vellés se convertirá en Ana quien para Medem presenta una curiosa dualidad al ser a la vez 'la princesa y el monstruo de esta fábula feminista contra la tiranía del hombre blanco'.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "Syriana"

2006-02-17T09:11:00.000+01:00

Falta poco para que llegue a nuestras pantallas una historia con vocación universal centrada en las oscuras negociaciones en la sombra y la inestabilidad política propiciada por intereses económicos.

Syriana fue concebida como reflejo de la época difícil y compleja en que vivimos, unos años convulsos donde no abundan ni las personas buenas, ni las malas, al igual que tampoco existen respuestas fáciles ni los hilos se atan con tanta facilidad como para quedar todo resuelto.

El debutante en la dirección Stephen Gaghan afrontó Syriana partiendo de esa interesante aunque farragosa idea. No era fácil plasmarla en un largometraje al uso, por eso agradeció la propuesta de Steven Soderbergh y George Clooney, en su faceta de productores, y acabó tomando como base argumental las memorias escritas por el ex-agente de la CIA, Robert Baer, en las que narra sus experiencias como oficial para la Dirección de Operaciones desde 1976 a 1997 en la complicada encrucijada que es Oriente Medio.

Protagonizada por un extenso reparto formado entre otros por Matt Damon, Chris Cooper, William Hurt, Christopher Plummer y George Clooney, Syriana es una película difícil en sus planteamientos narrativos y formales, con más de 70 personajes con diálogo y un rodaje en 12 localizaciones de todo el mundo, incluyendo Los Ángeles, Nueva York, Londres, El Cairo, Bahrein, Dubai, Kuwait y Damasco. La han calificado como ejercicio antipatriota por cuestionar el papel de la CIA dentro de la mala racha de acciones políticas de Estados Unidos en Oriente Próximo y aunque cueste creerlo no está inspirada en la administración de George W. Bush.

Gaghan es el autor de Traffic, una cinta por cuyo guión se alzó con un Oscar. Si en aquella se cuestionaba el mundo del narcotráfico y las mafias a un lado y otro de la frontera entre Estados Unidos y México, con Syriana ha desarrollado un thriller político sobre un fondo de intrigas y corrupción en la industria mundial del petróleo, poniendo nombre y apellidos a los trabajadores de los yacimientos petrolíferos del Golfo Pérsico y a los poderosos de Washington que dominan el sector a miles de kilómetros de distancia.

George Clooney ha defendido la película como actor y productor en la presente edición de la Berlinale. Este proyecto, anterior al de Buenas noches, y buena suerte, le vincula a una metáfora de la ambición de los hombres mediante un agente de la Agencia Central de Inteligencia en Oriente Medio que lejos de salvaguardas los intereses americanos se convierte en simple soldado en una guerra de intereses políticos y económicos. Su corta interpretación le ha valido el Globo de Oro como mejor secundario y la candidatura al Oscar.

Liberado de los kilos de más y la poblada barba con la que aparece en la cinta, Clooney asegura que Syriana es de esas películas que marcan la carrera de un actor que no sólo pretende estar en el ranking de los más taquilleros. El tema de la denuncia y el triunfo de la mentira y los antihéroes vuelven a ponerle en el punto de mira de los más radicales exaltadores del patriotismo estadounidense.

Un apunte más: Syriana es un término real utilizado por los grupos de expertos en Washington para describir la hipotética reforma del conflictivo área oriental, aunque en la película se refiere a un concepto, un espejismo, el sueño irreal de que uno puede crear con éxito una nación y hacerla como uno la imagina.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Candidatos a los Oscar

2006-02-03T10:54:00.000+01:00

Ya era hora de que el Hollywood más comprometido con los tiempos que corren hiciera pleno en la quiniela de posibles premios, normalmente más determinados por premisas ajenas a la calidad, salvo casos excepcionales.

Defensa de la libertad de expresión, críticas al terrorismo desde la imparcialidad, el inteligente retrato del rebelde escritor Truman Capote, personajes polémicos por su orientación sexual y geishas niponas interpretadas por actrices chinas. La de 2005 ha sido una cosecha fílmica atípica gracias a títulos que enfocan aspectos crudos de la vida real, una interesante alternativa a las producciones de ciencia ficción como La guerra de los mundos, King Kong, Las crónicas de Narnia o La venganza de los Sith, todas ellas ricas en efectos especiales.

El panorama cinematográfico ha condicionado que este año asistamos a los Oscar menos comerciales y más atrevidos. La pasarela de las estrellas ha dejado de ser un terreno vedado a las producciones políticamente incorrectas y un ejemplo claro es el triunfo de Ang Lee en las candidaturas previas: ocho se lleva su Brokeback Mountain, entre ellas las que reconocen su trabajo como director y el de sus tres actores principales, Heath Ledger, Jake Gyllenhaal y Michelle Williams. El título ha arrasado con todos los premios parecidos, con la sorpresa de inclusión de Gyllenhaal entre los candidatos, y es un rival difícil a batir por las otras cuatro aspirantes a mejor película y dirección: Capote (Bennett Miller), Munich (Steven Spielberg), Crash (Paul Haggis) y Buenas noches, y buena suerte (George Clooney).

El último galán del cine vio como su padre, un periodista televisivo de renombre, era represaliado por sus ideas de izquierdas. Aspira a convertirse en el mejor director con su segundo largometraje. El aspirante a mejor actor secundario por Syriana también produce y firma el guión de esta atrevida visión de las disputas entre el senador McCarthy, presidente del Comité de Actividades Antiamericanas, y el presentador Edward R. Murrow. Sus seis candidaturas le sirven para refrendar la libertad de expresión en contra de la política del miedo y tomarse la revancha frente al conservadurismo político norteamericano, un número que la equipara a Memorias de una geisha (que opta a premios menores) y Crash, el retrato urbano y certero de la inmigración en Los Ángeles, asediada por los problemas derivados del racismo.

El próximo 5 de marzo veremos si Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon, caracterizados como Johnny Cash y June Carter en la cinta En la cuerda floja, arrebatan las estatuillas a Philip Seymour Hoffman (Capote), David Strathairn (Buenas noches,...), Terrence Howard (Hustle & flow), Judi Dench (Mrs. Henderson presents), Felicity Huffman (TransAmerica), Keira Knightley (Orgullo y prejuicio) y Charlize Theron (En tierra de hombres), sin olvidar al protagonista australiano de Brokeback Mountain. Una relación de actores que casi coincide con los candidatos a los Globos de Oro y los premios otorgados por el Sindicato de Actores.

En el apartado de mejor película de lengua no inglesa se volverán a enfrentar dos cintas, la francesa Feliz Navidad y la palestina Paradise now, que compitieron en la misma categoría de los Globos de Oro, alzándose con el galardón la segunda. También optan al premio la italiana La bestia del cuore, la alemana Sophie Scholl. The final days y la surafricana Tsotsi. No se coló Obaba, pero sí tendremos presencia española de manos del compositor favorito de Julio Medem y Pedro Almodóvar: el donostiarra Alberto Iglesias tiene un quinto de las probabilidades de alzarse con el Oscar a la mejor banda sonora por El jardinero fiel, aunque tendrá que vérselas con las dos partituras que el favorito John Williams compuso para Munich y Memorias de una geisha.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

20 años de premios

2006-02-03T10:37:00.000+01:00

La del pasado domingo 29 de enero fue una gala emotiva y larga en la que no sólo había que entregar premios, sino también recordar los mejores momentos de dos décadas de vida.

Pero a pesar de las críticas por su duración y pesadez, lo más gratificante es que fue diferente a la del año pasado, en la que Mar adentro barrió en 14 de sus 15 candidaturas, llevándose con los premios toda posibilidad de sorpresa. Este año 11 producciones que para la profesión constituyen lo mejor de 2005 han recibido los 28 galardones. Pastel para casi todos, porque Fernando León de Aranoa, acostumbrado a recibir premios a la mejor dirección (Familia, Barrio y Los lunes al sol) y al guión original (Barrio), tuvo que conformarse este año con los premios que reconocían el trabajo de sus actrices, mientras Ninette (José Luis Garci), Habana Blues (Benito Zambrano) y Obaba (Montxo Armendáriz) se iban casi de vacío.

Los Premios Anuales de la Academia cumplieron sus primeros 20 años de vida y desde hace 19 no se veía en una gala a Antonio Banderas, el más internacional de nuestros actores que parecía entrenarse de cara al año próximo por si se da el caso de que El camino de los ingleses llegue a copar algunas de las candidaturas. El malagueño, 'emocionado por volver a casa', anunció el premio a la mejor película: La vida secreta de las palabras, producida por El Deseo, entró en la historia de los Goya convirtiéndose en la tercera cinta rodada en inglés que se alza con el máximo reconocimiento de los más de 1.000 académicos, después de El sueño del mono loco (Fernando Trueba) y Los otros (Alejandro Amenábar).

Por primera vez en la historia de los Goya, Isabel Coixet se quedaba boquiabierta, sin levantarse de su asiento, y eso que sus premios a la mejor dirección y al mejor guión original vaticinaban el triunfo de una historia 'que nunca hubiera sido posible sin las mujeres de Sarajevo', que le prestaron sus palabras, sus silencios y sus secretos. Un trabajo sin idiomas ni frontera que rompía con algunos de los tabúes de la Academia, y cuya consagración llegó al final de una ceremonia en la que se dieron cita las curiosidades, la aparición de profesionales con muchos bustos del pintor aragonés y los homenajes sobre un escenario dominado por la escenografía que Eduardo Úrculo diseñó para la gala de 1997, dirigida por Pilar Miró poco antes de fallecer.

Carmelo Gómez, con un Goya por Días contados, inauguró el palmarés al recoger el premio al mejor actor de reparto por El método, dedicándoselo a la realizadora de El perro del hortelano. La también veterana Elvira Mínguez, compañera de Gómez en la premiada cinta de Imanol Uribe, se alzaba como ganadora en la misma categoría por Tapas, ópera prima de los televisivos Juan Cruz y José Corbacho, reconocidos como mejores directores noveles.

El veterano Manuel Alexandre (Elsa & Fred), un solvente Eduard Fernández (El método) y Juan José Ballesta (7 vírgenes), una joven promesa pendiente aún de confirmación, vieron como se cumplieron los pronósticos que apuntaban hacia el reconocimiento de Oscar Jaenada por su trabajo exhaustivo en Camarón. No lo consiguió por su papel en Noviembre a las órdenes de Achero Mañas, pero este año estaba casi cantado su Goya al mejor actor protagonista. Más difícil lo tenía Candela Peña frente a una habitual en los cuartetos como es Adriana Ozores (Heroína) y las dramáticas interpretaciones de Emma Vilarasau (Para que no me olvides) y Nathalie Poza (Malas temporadas), aunque al final la catalana, convertida por León de Aranoa en una de sus Princesas, subiría para recoger el premio a la mejor actriz, el segundo de su carrera después del de secundaria que consiguió por Te doy mis ojos, de Icíar Bollaín.

Su compañera en la cinta, la portorriqueña Micaela Nevárez, y el sevillano Jesús Carroza, co-protagonista de 7 vírgenes, se sumaban a la lista de actores revelación; el argentino Marcelo Piñeyro sumó un Goya más a su carrera (el de mejor guión adaptado por El método) y el decorador Gil Parrondo, premiado por la dirección artística de Ninette, subió otro peldaño en la escalera de Goyas. En cuanto a homenajes, además del Goya de Honor al productor Pedro Masó, la filmografía de Fernando Fernán Gómez, con 6 variados Goyas en su haber, sirvió de hilo conductor a la gala presentada por Antonio Resines y Concha Velasco y dirigida por Fernando Méndez Leite.

Los dos premios para películas extranjeras fueron este año para Match Point de Woody Allen (mejor película europea) e Iluminados por el fuego, de Tristán Bauer (mejor película extranjera de habla hispana). Obaba, la candidata española a los Oscar de Hollywood que al final se quedó sin visado, se llevaba sólo con el Goya al mejor sonido –de los 10 a los que optaba-, saliendo por la puerta de atrás de la ceremonia más larga de la historia –250 minutos- y con menos espectadores de los últimos diez años.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "El Nuevo Mundo"

2006-01-27T09:22:00.000+01:00

El controvertido Terrence Malik, después de enseñarnos la inestabilidad de La delgada línea roja, nos propone una revisión de la leyenda de Pocahontas más apegada a la realidad que la cinta de Disney estrenada en 1995.

A sus 62 años Malik lleva colgada la etiqueta de cineasta excéntrico alimentada por las estadísticas: sólo cuatro largometrajes (Malas tierras y Días del cielo completan el listado) y algunos guiones nunca filmados a los largo de tres décadas de carrera cinematográfica después de trabajar como periodista firmando artículos y reportajes en las revistas Life y Newsweek.

Su última película, El Nuevo Mundo, es también la más reciente apuesta de New Line -principal respaldo de El Señor de los Anillos-, una laboriosa producción donde prima una de amor por encima de la megalomanía que supondría rodar el relato sobre la colonización norteamericana nunca antes contado. Sin olvidar su trasfondo histórico, parece que el resultado es más parecido a un vibrante poema visual acerca de culturas diferentes entre las que es posible cimentar una relación fraternal, de ahí a que todos exalten de Malik su faceta de humanista en una época donde imperan otros valores.

Como embajadores de ambos mundos se presentan el expedicionario John Smith y la nativa Pocahontas, interpretados por el irlandés Colin Farell, al que le van las producciones históricas (Alejandro Magno), y la joven alemana Q’orianka Kilcher, acompañados por Christian Bale y Christoffer Plummer. Aunque haya historiadores que no den crédito a esa relación que Malik retrata con ayuda de paisajes emocionales y otros más introspectivos, cargados de lirismo, la leyenda que se forjó dando lugar a una especie de sueño muy real que bien pudo ocurrir en 1607.

Para la película se crearon decorados a escala natural como el fuerte de Jamestown en Virginia y los navíos, reconstruyendo además escenarios del Londres del siglo XVII, donde muere a los 21 años víctima de tuberculosis Pocahontas, representante en el viejo continente de los pieles rojas. Dicen que El Nuevo Mundo tiene mucho en común con las aventuras de actores metidos a directores, como Bailando con lobos (Kevin Costner) y La Pasión (Mel Gibson), cintas en las que tienen más fuerza las imágenes que algunos personajes.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Después de Lobo... el caso GAL

2006-01-23T19:53:00.000+01:00

Los Grupos Antiterroristas de Liberación protagonizaron la 'guerra sucia contra el terrorismo' en la historia reciente de nuestro país.

Ahora vuelven a cobrar protagonismo gracias al segundo trabajo en España del cineasta francés Miguel Courtois.

GAL muestra las investigaciones de unos periodistas españoles acerca de este grupo que entre los años 1983 y 1987 cometió una treintena de atentados contra personas vinculadas a la banda terrorista ETA, operaciones que dejaron un saldo de 27 muertos y más de 50 heridos.

Melchor Miralles, desde hace unos años metido a productor audiovisual con El Mundo Televisión (Padre Coraje), fue uno de aquellos periodistas que indagaron en las actividades de los GAL, en activo durante más de 15 años. Este thriller político le lleva a rememorar aquella época convulsa y a trabajar de nuevo con el cineasta parisino y el escritor sevillano Antonio Onetti, que firmó también el guión de Lobo, largometraje inspirado en la vida de Mikel Lejarza, quien se infiltró en la cúpula de ETA contribuyendo a que desarticulara buena parte del comando asesino a mediados de los setenta.

El trío repite tras la cámara contando de nuevo una historia basada en hechos reales con un presupuesto de 6 millones de euros. Con esta producción pretenden, desde la pantalla grande, reabrir el debate acerca de estos comandos de intervención financiados por el gobierno, pero ya aclara el directo que no se ha querido entrevistar con ninguno de los protagonistas, de ahí que el resultado sea el de una película que busca entretener y no un documental exhaustivo, es decir, reflejar la realidad de forma verosímil (incluyendo capítulos como el secuestro de Segundo Marey) pero con un alto grado de espectáculo.

GAL será un largometraje policiaco con suspense, acción y con la facultad de aclarar y descubrir a los más jóvenes una de las páginas más negras de la España democrática, aunque nadie espere que se vayan a descubrir enigmas y secretos que aún no hayan salido a la luz acerca del terrorismo de Estado. Tanta documentación existente acerca de 14 años de historia ha sido sintetizada en un filme con tres personajes principales, dos redactores del desaparecido Diario 16, interpretados por Natalia Verbeke (A golpes) y José García (El 7ª día, Arcadia), y un policía duro y prepotente al que da vida Jordi Mollá (Son de mar, Ausentes), cuya caracterización recuerda bastante al agente José Amedo.

El reparto lo completan actores muy conocidos, como José Ángel Egido (Los lunes al sol), Abel Folk (El viaje de Arián), José Coronado (La vida de nadie, La vida mancha), Ana Álvarez (La madre muerta), los televisivos Jordi Rebellón y Mercé Llorens (La puta y la ballena, Camarón) procedentes del set de rodaje de Hospital Central, y Blanca Marsillach y Juan Gea, que acaban de coincidir en la obra de teatro Con las alas cortadas, dirigidos por Ana Diosdado. En localizaciones de Madrid, el País Vasco y el sur de Francia se rodará este título que, en palabras de los productores, 'tampoco obviará, sin hacer comedia, las chapuzas realizadas por este grupo antiterrorista, algo que hizo que mucha gente que estuvo a favor de los GAL en toda España, de que mataran terroristas, cambiaran de idea al enterarse de que también robaron las arcas públicas'.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Ganadores de los Globos de Oro

2006-01-23T19:40:00.000+01:00

Concebida como fiesta interna del gremio de cineastas y actores, los Globos de Oro van ganando terreno en glamour y en independencia de los círculos conservadores y del Hollywood de los grandes estudios.

Una pasarela, antesala de los Oscar, que sirve también como promoción internacional a películas aún no estrenadas en el extranjero y un bastión de reconocimiento al trabajo bien hecho, siempre según el criterio de los miembros de la Asociación de la Prensa Extranjera en Los Ángeles, a pesar de que una cinta tenga el rechazo de mil millones de personas en un país como China (Memorias de una geisha y en concreto su actriz, Zhang Ziyi) y otras sean prejuzgadas por su crítica al poder político (Buenas noches, y buena suerte) e incluso vetadas en el país paladín de la libertad por considerar la homosexualidad un 'mal inaceptable' (Brokeback Mountain).

Ni Munich de Steven Spielberg, ni Match Point de Woody Allen, ni King Kong de Peter Jackson... La 63 edición de los Globos de Oro estuvo protagonizada en todo momento por el cine independiente. El contenido social y también el más político lideró el palmarés, empezando por el reconocimiento a la crítica a la industria farmacéutica de El jardinero fiel, personificada en el galardón a la mejor actriz de reparto concedido a Rachel Weisz y el equivalente masculino logrado por George Clooney. El carismático actor esperaba algo más pero sólo se llevó un Globo de Oro por lo que siempre ha hecho, interpretar: tuvo que conformarse, que no es poco, con este premio por su papel en Syriana, un thriller político sobre las intrigas de la industria petrolera en Oriente Próximo, mientras su segundo trabajo como director, Buenas noches..., guarda sus cartas (cuatro candidaturas de las importantes) hasta la noche de los Oscar, sólo a priori, porque aún queda que la lista de candidatos sea desvelada el próximo 31 de enero.

Abrimos capítulo especial a la triunfadora moral y, esta vez sí, real: para Brokeback Mountain fueron cuatro de los 13 premios que se entregaron, en concreto los de mejor drama, director, guión y canción para el argentino Gustavo Santaolalla. Ang Lee (Sentido y sensibilidad, La tormenta de hielo) era reconocido una vez más, después de que crítica extranjera, sindicatos de profesionales y prensa estadounidense ya le hubiesen dado el visto bueno. Pero estos galardones eran especiales, así que objetivo cumplido de ver premiada una historia de amor homosexual que por encima de todo es universal, por ser un amor perseguido a lo largo de toda una vida.

Esta primera cita del año con premios de cine ha pasado por ser la menos tradicional de su historia, ya que otro personaje homosexual, el escritor Truman Capote, autor de Desayuno con diamantes y Música para camaleones, servía para que Philip Seymour Hoffman se llevara otro de los grandes galardones por su primer papel protagonista en una noche donde parece que se premiaban los mejores trabajos relacionados con todas las alternativas sexuales posibles: el Globo a la mejor actriz dramática fue para Felicity Huffman, a la que en España hemos visto en la serie de televisión Mujeres desesperadas y cuyo último trabajo en cine ha conquistado a todos, al dar vida a un personaje transexual en TransAmerica, una road movie que representa el viaje de una vida buscándose a sí mismo.

Los mejores en su genero, intérpretes protagonistas de comedia o musical, fueron los de En la cuerda floja, Reese Witherspoon (Una rubia muy legal) y Joaquin Phoenix. El musical de James Mangold acerca de la vida del cantante de country Johnny Cash se alzaba como la mejor película en esta misma categoría. El veterano compositor John Williams consiguió para Memorias de una geisha el premio a la mejor banda sonora y la palestina Paradise now acuñó un visado más a su pasaporte hacia los Oscar como mejor película extranjera.

Si las quinielas no fallan, muchos de los premiados tendrán que preparar un nuevo discurso de cara al 5 de marzo, fecha de entrega de los Oscar. Todos son candidatos menos uno, Anthony Hopkins que, después de protagonizar más de 100 largometrajes, recogió su primer Globo de Oro, el Cecil B. De Mille de carácter honorífico que reconoce toda su trayectoria.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "Brokeback Mountain. En terreno vedado"

2006-01-16T14:06:00.000+01:00

Ang Lee no es del tipo de cineastas que caen rendidos ante las excelencias de Hollywood. Hace unos años fue la industria la que sucumbió ante su capacidad para hacer cine comercial de grandes proporciones y a su vez deleitar con su delicada manera de adaptar historias sencillas a la gran pantalla. Si hay algo que tenemos claro es que Lee es uno más de ese grupo de cineastas extranjeros (Wim Wenders, Lars Von Trier, Alejandro González Iñárritu...) que tan bien retratan la sociedad norteamericana.

Seis años ha tardado en dar forma a este relato romántico al que ha aportado su particular sentido y sensibilidad, como ya hizo en El banquete de boda. El cineasta taiwanés afincado en Nueva York nos transporta hasta las verdes praderas de Wyoming en 1963, un paisaje que permanece inalterable con el paso del tiempo, a excepción de dos de sus moradores, dos vaqueros que primero habitaron las páginas escritas por Annie Proulx, premio Pulitzer.

Después de explotar el género de las artes marciales en Tigre y dragón, jugar con el amor y la pasión en La tormenta de hielo y redescubrir a Hulk, el iconoclasta cineasta adoptado por la ciudad de Nueva York se enfrentó a un texto sencillo, una historia breve pero épica con personajes de carne y hueso en medio de la inmensidad de los paisajes inabarcables, una realidad llena de paradojas, porque en ese vasto panorama dominado por la nada dos hombres deben esconder su amor, el que desmonta los planes que ambos tenían para el futuro que desean: conseguir un trabajo fijo, casarse y tener hijos.

Lee confió en dos jóvenes pero experimentados actores, a quienes podía provocar, alentar y seducir para conseguir momentos de verdad, algo que también puede lograr con intérpretes más veteranos, aunque luego le cuelguen la etiqueta de bruto. Para Jake Gyllenhaal y Heath Ledger, en lugar de una historia de amor homosexual, Brokeback Mountain pone de manifiesto lo duro que de por sí es amarse, independientemente de la tendencia sexual de cada uno. Un mensaje que para muchos ignorantes corrompe la esencia del western, el género estadounidense por excelencia, donde los rudos vaqueros que cuidan del ganado ni por asomo pueden entablar una relación dominada por el deseo carnal.

Jake Gyllenhaal se ha convertido en un rostro habitual en diferentes roles: a los interpretados en los últimos siete años sumamos el de marine norteamericano en Oriente Medio (Jarhead) y este cowboy de Brokeback Mountain. Al otro lado de la balanza, el australiano Heath Ledger, con Casanova pendiente de estreno, se erige en el amante del que se tienen que cuidar los padres tanto de chicos como de chicas. Los dos actores se despojaron de prejuicios al ponerse en manos del responsable de títulos como Comer, beber, amar y El banquete de boda, donde ya cincelaba una relación gay y con la que se alzó con el Oso de Oro en la Berlinale de 1994.

Los avatares del destino nos hubieran hecho disfrutar de un Brokeback Mountain totalmente diferente si Gus Van Sant hubiera tomado las riendas del gran rancho donde cuaja el amor ante la imposibilidad de Lee para dirigirlo, metido por aquel entonces en faena con el superhéroe verde. Billy Crudup, Colin Farrell y Josh Hartnett eran las primeras opciones del director de Elephant y Todo por un sueño, a quien muchos crucificarían antes incluso de la proyección, casi como está ocurriendo con el equipo que al final se hizo con la producción del título.

A modo de bofetada a los intolerantes y aunque haya recogido duras críticas de los sectores más conservadores, el largometraje también ha recibido hasta el momento el León de Oro del pasado Festival de Venecia a la Mejor Película y siete candidaturas a los Globos de Oro, sin olvidar las buenas referencias de los círculos de críticos, un éxito global que lo convierten en uno de las candidatos favoritos a los Oscar.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"Lola" llega al cine

2006-01-13T10:22:00.000+01:00

El próximo 16 de mayo se cumplirán 11 años de su muerte, pero el arte, el genio y la impronta de Lola Flores continúan vivos en la memoria de todos los que la conocieron.

Entre más de 500 aspirantes, Gala Évora, integrante del grupo Papá Levante, ha sido finalmente la elegida para dar vida a una de las artistas españolas más carismáticas del siglo XX. El mito de la 'Faraona' llega al cine de manos de Miguel Hermoso de la misma forma que el pasado año Jaime Chavarri nos presentó el de Camarón de la Isla, un personaje real trazado con precisión por Óscar Jaenada.

El director de Como un relámpago, Fugitivas y La luz prodigiosa ha confiado en actores andaluces para interpretar los papeles principales, como Ana Fernández (Pasos, Morir en San Hilario) en la piel de la madre de la gaditana y José Luis García Pérez (Cachorro, Héctor) como Manolo Caracol, quien a partir de 1943 inicia su colaboración con Lola Flores tanto en los tablaos como en el cine. Antonio Dechent, Kiti Mánver, una habitual en los repartos del cineasta granadino, y Carlos Hipólito se suman al conjunto de actores de esta producción que, sin ser un musical, cuenta con coreográficas creadas para la ocasión por la bailaora Cristina Hoyos.

El guión recorre las primeras tres décadas de vida de la artista que nació en Jerez de la Frontera en 1923 y la garantía y el respeto a su persona viene dado por su autor, el sevillano Antonio Onetti, responsable de los guiones de El Lobo y Una pasión singular (acerca de la vida de Blas Infante) y autor de la adaptación teatral de Solas, de Benito Zambrano. La película comienza con una Lola de 8 años que empieza a interesarse por el baile y el cante flamenco, y a medida que avanza nos mostrará los complicados inicios de la que llegaría a convertirse en icono social de la España de los últimos 50 años. La acción llegará hasta los primeros éxitos, su llegada a Madrid con sólo 19 años, el estreno del espectáculo Zambra y los años de amistad con Antonio González, el 'Pescaílla'.

Hermoso tiene la idea de contar el lado menos conocido de Lola Flores, y a través de los años de penurias económicas pretende narrar como era aquella España que salía de una cruenta Guerra Civil. Para despejar posibles polémicas, los responsables de la cinta insisten en que no se trata de una biografía, sino de una película basada en la vida de la matriarca del clan de los Flores, realizada desde el respeto y el cariño a su figura.

Lolita y Rosario, las hijas de Lola Flores, han expresado su consentimiento para rodar este filme, a pesar de que se muestran contrarias a algunas opiniones vertidas en el libreto original. La mayor de las Flores destacaba que hay que respetar las vivencias de quienes tanto han dado por la cultura de un país y, por tanto, llevar las cosas a la pantalla respetando el nombre de esa persona y la familia que queda detrás. Queda claro, por estas palabras, que Miguel Hermoso se sumerge en la ficción a partir de unos hechos reales. Nosotros, que no hemos leído el guión, tendremos que esperar a su estreno, en el mes de noviembre.

Un par de apuntes más: El rodaje, que constará de 14 semanas, tendrá lugar en Madrid, Jerez de la frontera, Cádiz y Barcelona. "Lola" es una producción de Prodigius Audiovisual S.A y Ensueño Films S.L, distribuida por DeAPlaneta S.L y con la participación de Antena 3 Televisión.

Para Miguel Hermoso, "Lola es la mirada insondable de una niña que sueña. Es la esperanza de la puerta mágica por la que escapar de la miseria. Es la alegría fulgurante del triunfo y el dolor de la pérdida. Y, también, la pasión, y el miedo, y la amistad, y la nostalgia, y el amor, y la soledad, la dicha y la desdicha. Lola es... una mujer".

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

XXIII Festival de Teatro de Málaga

2006-01-12T06:11:00.000+01:00

Desde su nacimiento, hace 23 años, cumple su objetivo de abrir una ventana a propuestas escénicas innovadoras y atractivas que de otra forma no llegarían a la capital de la Costa del Sol.

Parece que el deficitario entramado teatral de la ciudad tiene sus días contados, ya que son muchas las iniciativas que pretenden devolver el flujo de compañías estables y escenarios especializados repartidos por el casco antiguo, como el Teatro Romano y el Echegaray, pero todavía no se han hecho realidad.

En medio del desierto aparecen oasis como la programación de los teatros Cánovas y Alameda y la Sala Gades, y fiel a su cita anual asiste el Festival de Teatro con una doble apuesta por lo clásico y la exposición a los aires contemporáneos, con la idea principal de mimar al público medio del Cervantes y también captar a nuevos espectadores, como aquellos ávidos de lenguajes audiovisuales sobre las tablas.

Con dos espectáculos menos que en anteriores ediciones, nueve en total, la programación contempla 24 funciones del 12 de enero al 3 de febrero sobre las tablas del Cervantes, el Alameda y el recién inaugurado Auditorio del Museo Picasso, por donde pasarán algunos de los 11.000 espectadores que asistieron a las representaciones del pasado año.

Formaciones extranjeras tantean al público español en Málaga y el festival bien les puede servir de espejo. Este año hay tres estrenos en nuestro país: The goat’s opera, de los polacos Nowy Theatre, que se basan en la película Danzad, danzad malditos; Le mausolée des amants, del Teatro de L’Odéon parisino, con los actores Patrice Chéreau y Philippe Calvario, y La mujer del mar, una puesta en escena del Teatr Dramatyczny Warszawa bajo la atenta mirada del dramaturgo, escenógrafo y director Robert Wilson, un texto desgarrador en versión de Susan Sontag sobre el original de Henrik Ibsen, con música de Michael Galasso y vestuario de Giorgio Armani.

En la selección de piezas destaca Cien minutos, una producción de Theaters y Festival Ljubljana y una de las figuras del teatro europeo contemporáneo, Tomaz Pandur, que sorprendió a todos tras su paso por el Centro Dramático Nacional con Infierno. En Málaga ofrecerá su visión de Los hermanos Karamazov, un espectáculo en esloveno, alemán e inglés con sobretítulos en castellano, los que se emplean igualmente en el resto de montajes internacionales. No será éste el único inspirado en un clásico de Dostoievski, ya que tendrá lugar el estreno en castellano de El idiota, última noche, de los catalanes de Germinal Producciones.

En el cartel hay obras que ya han cosechado aplausos y buenas críticas en el circuito nacional, como La cena, con Carmelo Gómez y Josep María Flotats y Oscar o la felicidad de existir, dirigida por Juan Carlos Pérez de la Fuente e interpretada por Ana Diosdado. Albert Boadella al frente de Els Joglars trae La torna de La Torna y Comediants harán lo propio con su reciente versión del clásico Las mil y una noches.

El principal escenario de la ciudad alberga también una curiosa exposición que revela los secretos del teatro, transmitidos durante generaciones de padres a hijos. El escenario de la ilusión supone el intento de recuperar la memoria de las técnicas teatrales perdidas para acercarla al público general, a profesionales y a aficionados.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Candidaturas a los Globos de Oro

2005-12-17T10:43:00.000+01:00

Las superproducciones King Kong, The New World, Las crónicas de Narnia, Memorias de una Geisha y Munich son las grandes derrotadas en un año donde la apuesta se hace a favor del cine de autor con ausencia entre sus títulos de lo políticamente correcto, aunque hasta el 16 de enero todo son quinielas: de todos los galardonados sólo conocemos un nombre, el del actor Anthony Hopkins, que recibirá el premio especial Cecil B. DeMille.

Si Hollywood se parece cada día más a un mercado donde una pose o una sonrisa se compra, también guardan semejanza con este circo comercial sus Oscar anuales que se conceden a merced de los corrillos de mercaderes, círculos de votantes con intereses en determinadas producciones.

Es por ello que los Globos de Oro concedidos por la Asociación de la Prensa Extranjera se reservan aún cierta parcela de prestigio y profesionalidad por encima de las razones lucrativas que imperan en la industria del séptimo arte. El próximo 16 de enero se darán a conocer los ganadores divididos en las categorías de drama y comedia o musical, aunque sólo las nominaciones sirven para alentar en su carrera internacional a películas de corte más independiente, nunca comparables con las cintas de mediano presupuesto con denominación de origen europea, asiática o latinoamericana.

Aclarado el matiz, este es el primer año en los 63 de historia de los Golden Globes que las aspirantes a mejor película dramática están presupuestadas en menos de 30 millones de dólares: Match Point, la aventura británica de Woody Allen; El jardinero fiel, del brasileño Fernando Meirelles; Good night, and good luck, la segunda película de George Clooney como director; Una historia de violencia, de David Cronenberg y, encabezando además el número de candidaturas importantes, Brokeback Mountain, una historia de amor protagonizada por dos vaqueros que ha sido aclamada por los críticos de las principales ciudades de EE.UU.

Inspirada en la novela de Annie Proulx, este romance entre cowboys despertó el interés de Pedro Almodóvar, que nunca llevó a buen fin un intento de adaptación que cayó en manos del taiwanés Ang Lee (La tormenta de hielo, Tigre y dragón) y concurre a 7 premios. Junto a la segunda película firmada y filmada por Clooney, otra de las vencedoras a priori y contrarias a los usos de Hollywood, en nuestro país están sin estrenar todas las candidatas a mejor largometraje musical o de comedia: el cuento teatral Mrs. Henderson presents, la adaptación de la novela Orgullo y prejuicio de Jane Austen, el musical The Producers –aclamado en su versión teatral en Broadway-, la historia sobre el divorcio The Squid and the Whale y Walk the Line, la biografía sobre la tumultuosa vida del cantante de country Johnny Cash.

Dar vida a un personaje real tiene premio, al menos candidatura a mejor actor de drama: Russell Crowe como el boxeador Jim Braddock (Cinderella Man), Philip Seymour Hoffman como el escritor de las inmortales Desayuno en Tiffany´s, A sangre fría y Música para camaleones (Capote) y David Strathairn como el periodista Murrow (Good night, and good luck) se disputan el Globo de Oro con Heath Ledger (Brokeback Mountain) y Terrence Howard (Hustle & Flow). En el bando de las féminas pugnan por el mismo galardón Maria Bello (Una historia de violencia), Gwyneth Paltrow (La verdad oculta), Charlize Theron (North Country), Zhang Ziyi (Memorias de una Geisha) y Felicity Huffman (Trasamerica), que además de este premio puede hacer doblete al alzarse con otro por su papel como mujer desesperada en el apartado de reservado a la televisión.

Los periodistas y críticos especializados decidieron que las intérpretes protagonistas candidatas en la categoría de musical o comedia fueran Judi Dench (Mrs. Henderson presents), Keira Knightley (Orgullo y prejuicio), Laura Linney (The squid and the whale), Sarah Jessica Parker (The family stone) y Resse Witherspoon (Walk the line) y en la categoría masculina seleccionaron a Pierce Brosnan (The Matador), Jeff Daniels (The squid and the whale), Johnny Depp (Charlie y la fábrica de chocolate), Nathan Lane (The Producers), Cillian Murphy (Breakfast on Pluto) y Joaquin Phoenix (Walk the line).

George Clooney puede ver escrito su nombre como ganador en dos ocasiones: por su segundo largometraje como director del drama ambientado en la caza de brujas contra miembros del partido comunista y como actor de reparto en el thriller Syriana. La nominación de Ang Lee como director es una de las 7 a las que opta su romance gay, entre ellas 2 que reconocen la labor en la banda sonora del compositor y productor discográfico argentino Gustavo Santaolalla, habitual en los títulos de Alejandro González Iñárritu (Amores perros, 21 gramos, Babel). El sexteto de realizadores lo completan el incombustible Woody Allen, Peter Jackson y su versión de King Kong, Fernando Meirelles, adaptador de John Le Carre en El jardinero fiel y Steven Spielberg por su trabajo en Munich, cinta que retrata el atentado sufrido por la delegación israelí en los Juegos Olímpicos de 1972.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado un extracto en LaNetro.com.

Listado completo de las candidaturas en cine:

Mejor Película - Drama:
* Brokeback Mountain
* El Jardinero Fiel
* Good Night, and Good Luck
* Una Historia de Violencia
* Match Point

Mejor Película - Comedia o Musical:
* Mrs. Henderson Presents
* Pride & Prejudice
* The Producers
* The Squid and the Whale
* Walk the Line

Mejor Actor - Drama:
* Russell Crowe por Cinderella Man
* Philip Seymour Hoffman por Capote
* Terrence Howard por Hustle & Flow
* Heath Ledger por Brokeback Mountain
* David Strathairn por Good Night, and Good Luck

Mejor Actriz - Drama:
* Maria Bello por Una Historia de Violencia
* Felicity Huffman por Transamerica
* Gwyneth Paltrow por Proof
* Charlize Theron por North Country
* Ziyi Zhang por Memoirs of a Geisha

Mejor Actor - Comedia o Musical:
* Pierce Brosnan por The Matador
* Jeff Daniels por The Squid and the Whale
* Johnny Depp por Charlie y la Fábrica de Chocolate
* Nathan Lane por The Producers
* Cillian Murphy por Breakfast on Pluto
* Joaquin Phoenix por Walk the Line

Mejor Actriz - Comedia o Musical:
* Judi Dench por Mrs. Henderson Presents
* Keira Knightley por Pride & Prejudice
* Laura Linney por The Squid and the Whale
* Sarah Jessica Parker por The Family Stone
* Reese Witherspoon por Walk the LineMejor

Actor Secundario:
* George Clooney por Syriana
* Matt Dillon por Crash
* Will Ferrell por The Producers
* Paul Giamatti por Cinderella Man
* Bob Hoskins por Mrs. Henderson Presents

Mejor Actriz Secundaria:
* Scarlett Johansson por Match Point
* Shirley MacLaine por En Sus Zapatos
* Frances McDormand por North Country
* Rachel Weisz por El Jardinero Fiel
* Michelle Williams por Brokeback Mountain

Mejor Director:
* Woody Allen por Match Point
* George Clooney por Good Night, and Good Luck
* Peter Jackson por King Kong
* Ang Lee por Brokeback Mountain
* Fernando Meirelles por El Jardinero Fiel
* Steven Spielberg por Munich

Mejor Guión:
* Brokeback Mountain - Larry McMurtry, Diana Ossana
* Crash - Paul Haggis, Robert Moresco
* Good Night, and Good Luck - George Clooney, Grant Heslov
* Match Point - Woody Allen
* Munich - Tony Kushner

Mejor Canción:
* Brokeback Mountain (“A Love That Will Never Grow Old”)
* Christmas in Love (“Christmas in Love”)
* Crónicas de Narnia: El León, La Bruja y El Armario (“Wunderkind”)
* The Producers (“There’s Nothing Like a Show on Broadway”)
* Transamerica (“Travelin’ Thru”)

Mejor Banda Sonora Original:
* Brokeback Mountain - Gustavo Santaolalla
* Crónicas de Narnia: El León, La Bruja y El Armario - Harry Gregson-Williams
* King Kong - James Newton Howard
* Memoirs of a Geisha - John Williams
* Syriana - Alexandre Desplat

Mejor Película Extranjera:
* Joyeux Noël (France)
* Kung-Fu-Sión (Hong Kong)
* Mo gik (The Promise) (China)
* Paradise Now (Palestine)
* Tsotsi (South Africa)

Avanzamos... "The jacket"

2005-12-17T10:25:00.000+01:00

Una guerra cambia la vida de quienes la padecen y son muchas las víctimas... En territorio norteamericano no se vive una desde mediados del siglo XIX, y por eso este aspecto que tantos capítulos interesantes ha dado en la historia del cine, se enfoca desde el punto de vista de los que retornan a casa tras participar en un conflicto bélico.

The Jacket narra la historia de un veterano de la Guerra del Golfo Pérsico que tras recuperarse de una herida de bala en la cabeza entra en una espiral de crímenes, cometidos o no, amnesia y experimentos bastante controvertidos. No es sino otra forma de tratar las secuelas de una guerra, siendo el punto de partida de una trama de ciencia ficción en la que un sujeto, el ex-combatiente en cuestión, ve como su mente se lanza hacia el futuro, conoce a una joven que le resulta familiar y descubre que el destino le depara la muerte en sólo 4 días.

Adrien Brody (El pianista, King Kong) y Keira Knightley (Quiero ser como Beckham, Piratas del Caribe) son los protagonistas de este intento desesperado por aferrarse a una vida que se apaga, un drama terrorífico donde interesa lo que se dice no con palabras sino aquello que se transmite con miradas y gestos. A él le hemos visto deambulando por las calles del ghetto de Varsovia como único superviviente de la ocupación nazi y explorando la isla donde habita el simio más grande de todos los simios; ella, a sus 20 años, encadena una producción tras otra y en la última se introduce en la piel de Domino Harvey, hija del fundador de la cadena Hard Rock Cafe y quien tras labrarse una carrera como modelo en Londres, rompe con todo y empieza una nueva vida en Estados Unidos como cazarrecompensas.

Junto a estos dos personajes en caída libre aparece el bien-intencionado pero despiadado doctor que provoca su encuentro y altera la vida real, un hombre desilusionado tras años dedicado a los enfermos mentales al que da vida Kris Kristofferson. Los tres se convierten en marionetas al servicio de John Maybury, director de este thriller gótico, que se considera deudor de las enseñanzas de Pasolini, Rossellini, Cocteau, Warhol, Fassbinder y Herzog, lecciones de cine y arte que intentó aplicar en sus primeros pasos como cineasta experimental y realizador de videos musicales. Ahora en este drama con alucinaciones, devaneos temporales y romances extraños, cuenta con el aval de George Clooney y Steven Soderbergh a través de Section Eight Productions, saliendo de la marginalidad donde habitaba en los últimos años.

Inclasificable según el director, The Jacket no entronca con ningún género al igual que ocurría con su anterior trabajo, El amor es un demonio, en el que analizó la relación destinada al fracaso entre el artista Francis Bacon y su amante George Dyer. Procedente de la vanguardia experimental de Inglaterra, Maybury aprehendió el cine americano de la nueva ola, películas de finales de los sesenta y principios de los setenta como El último testigo y Los vividores en un intento por combinar la sensibilidad americana con la europea. Habrá que esperar unos meses para comprobar su resultado en pantalla.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Candidaturas a los XX premios Goya

2005-12-16T09:21:00.000+01:00

7 Vírgenes (Alberto Rodríguez), La vida secreta de las palabras (Isabel Coixet), Obaba (Montxo Armendáriz) y Princesas (Fernando León de Aranoa). Una de ellas se proclamará el próximo 29 de enero la película mejor valorada desde la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. No ha habido sorpresas en la categoría reina y tampoco en la de mejor director, aunque León de Aranoa cede su puesto ante el empuje de Benito Zambrano por Habana Blues a pesar de que su visión musical sobre Cuba y la amistad no ha convencido a la mayoría de votantes.

En cuanto al número de opciones a galardón, la representante de España en la carrera hacia el Oscar es la que atesora un mayor número, 10, seguida de Princesas (9), Ninette (7) y 7 Vírgenes (6). Como ocurre con la lotería de navidad, siempre nos fijamos en el premio gordo, como las candidaturas a mejor largometraje, director e intérpretes protagonistas, pero el resto de premios, de opciones a ellos por ahora, ha estado muy repartido, dando fe de la variedad de géneros y temáticas, en su mayoría sociales, en los cerca de 140 largometrajes estrenados entre el 1 de diciembre de 2004 y el 30 de noviembre de 2005.

El joven Juan José Ballesta, Concha de Plata al mejor actor en San Sebastián por 7 Vírgenes, opta de nuevo al premio que ya logró en el año 2000 por su labor como El Bola, aunque en la categoría de mejor interpretación masculina (en la dos de revelación concurren sus compañeros de reparto Jesús Carroza y Alba Rodríguez). Juventud, también representada por Óscar Jaenada encarnando a Camarón de la Isla, frente a la veteranía de Eduard Fernández (El método) y el reconocimiento a Manuel Alexandre por una labor de décadas gracias a uno de sus más sentidos protagonistas, el anciano Alfredo de Elsa & Fred.

Un año más aparece Adriana Ozores en el cuarteto de aspirantes a mejor intérprete por su madre-coraje de Heroína, de Gerardo Herrero. Otra de las apuestas claras era la de Candela Peña por Princesas (y su duelo con Micaela Nevárez, candidata también en el apartado de revelación) y menos esperadas aunque bien acogidas, las candidaturas de Emma Vilarasau por Para que no me olvides y Nathalie Poza, que lleva al límite su trabajo en Malas temporadas.

En la categoría de actores de reparto han destacado la labor de Carmelo Gómez en El método, Fernando Guillén en Otros días vendrán, Javier Cámara en La vida secreta de las palabras y Enrique Villén en Ninette. Frente al reconocimiento de Elvira Mínguez por Tapas destaca el de tres jóvenes aunque experimentadas actrices compañeras de generación: Verónica Sánchez (Camarón), Pilar López de Ayala (Obaba) y Marta Etura (Para que no me olvides).

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

1. MEJOR PELÍCULA.
· 7 Vírgenes (Tesela PC / L.Z. Producciones)
· La vida secreta de las palabras (El deseo / Mediapro)
· Obaba (Oria Films /Pandora Film/ Neue Impuls Film)
· Princesas (Reposado / Mediapro)

2. MEJOR DIRECCIÓN.-
· Alberto Rodríguez por 7 vírgenes
· Benito Zambrano por Habana Blues
· Isabel Coixet por La vida secreta de las palabras
· Montxo Armendáriz por Obaba

3. MEJOR DIRECCIÓN NOVEL.-
· Asier Altuna y Telmo Esnal por Aupa Etxebeste!
· Guillem Morales por El habitante incierto
· José Corbacho/Juan Cruz por Tapas
· Santiago Tabernero por Vida y color

4. MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN.-
· Ernesto Chao/Eduardo Santana por Habana Blues
· Esther García por La vida secreta de las palabras
· Puy Oria por Obaba
· Tino Pont por Camarón

5. MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA.-
· Félix Murcia/Federico G. Cambero por Para que no me olvides
· Gil Parrondo por Ninette
· Julio Esteban/Julio Torrecilla por Obaba
· Marta Blasco por Segundo asalto

6. MEJOR GUIÓN ORIGINAL.-
· Alberto Rodríguez/Rafael Cobos por 7 vírgenes
· Eduard Cortés/Piti Español por Otros días vendrán
· Fernando León de Aranoa por Princesas
· Isabel Coixet por La vida secreta de las palabras

7. MEJOR GUIÓN ADAPTADO.-
· Jose Luis Garci/Horacio Valcárcel por Ninette
· Marcelo Piñeyro/Mateo Gil por El método
· Montxo Armendáriz por Obaba
· Roberto Santiago por El penalti más largo del mundo

8. MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA PROTAGONISTA .-
· Óscar Jaenada por Camarón
· Manuel Alexandre por Elsa y Fred
· Eduard Fernández por El método
· Juan José Ballesta por 7 vírgenes

9. MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA DE REPARTO.-
· Carmelo Gómez por El método
· Javier Cámara por La vida secreta de las palabras
· Fernando Guillén por Otros días vendrán
· Enrique Villén por Ninette

10. MEJOR ACTOR REVELACIÓN.-
· Álex González por Segundo asalto
· Luis Callejo por Princesas
· Pablo Echarri por El método
· Jesús Carroza por 7 vírgenes

11. MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA PROTAGONISTA.-
· Adriana Ozores por Heroína
· Candela Peña por Princesas
· Emma Vilarasau por Para que no me olvides
· Nathalie Poza por Malas temporadas

12. MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA DE REPARTO.-
· Elvira Mínguez por Tapas
· Pilar López de Ayala por Obaba
· Verónica Sánchez por Camarón
· Marta Etura por Para que no me olvides

13. MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN.-
· Bárbara Lennie por Obaba
· Isabel Ampudia por 15 días contigo
· Micaela Nevarez por Princesas
· Alba Rodríguez por 7 vírgenes

14. MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO.-
· Bina Daigeler por Princesas
· Janty Yates por El reino de los cielos
· Mª José Iglesias por Camarón
· Sonia Grande por Hormigas en la boca

15. MEJOR FOTOGRAFÍA.-
· Javier Aguirresarobe por Obaba
· José Luis Alcaine por Otros días vendrán
· Jose Luis López-Linares por Iberia
· Raúl Pérez Cubero por Ninette

16. MEJOR SONIDO.-
· Carlos Bonmati/Alfonso Pino/Pelayo Gutiérrez por Obaba
· Eladio Reguero/David Calleja por Los nombres de Alicia
· Miguel Rejas/Alfonso Raposo/Polo Aledo por Princesas
· Miguel Rejas/José Antonio Bermúdez por Ninette

17. MEJOR MÚSICA ORIGINAL.-
· Eva Gancedo por La noche del hermano
· Juan Antonio Leyva/José Luis Garrido/Equis Alfonso/Dayan Abad/Descemer Bueno/Kiki Ferrer/Kelvis Ochoa por Habana Blues
· Pablo Cervantes por Ninette
· Roque Baños por Frágiles

18. MEJOR CANCIÓN ORIGINAL.-
· “Laura” de Dani Martín por Sinfín, el retorno del rock
· “Los malos amores” de Eva Gancedo/Yamil por La noche del hermano
· “Llora por tus miserias” de Mario Gaitán por Bagdad Rap
· “Me llaman calle” de Manu Chao por Princesas

19. MEJOR MAQUILLAJE Y/O PELUQUERÍA.-
· Jorge Hernández/Fermín Galán por El calentito
· Carlos Hernández/Manolo García por Princesas
· Paillette/Annie Marandin por Los Dalton contra Lucky Luke
· Romana González/Josefa Morales por Camarón

20. MEJORES EFECTOS ESPECIALES.-
· David Martí/Montse Ribe/Félix Cordón/Félix Bergés/Rafael Solórzano por Frágiles
· Juan Ramón Molina/Pablo Núñez/Ana Núñez/Antonio Ojeda/Carlos Martínez por Las llaves de la Independencia
· Reyes Abades/Carlos Lozano/Alberto Esteban/Pablo Núñez/Ana Núñez por Un rey en la Habana
· Reyes Abades/Chema Remacha/Alberto Esteban/Pablo Urrutia por Obaba

21. MEJOR MONTAJE.-
· Fernando Pardo por Habana Blues
· Iván Aledo por El método
· Julia Juániz por Iberia
· Miguel González Sinde por Ninette

22. MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN.-
· El sueño de una noche de San Juan de Ángel de la Cruz y Manolo Gómez /Dygra Films/Appia Filmes
· Gisaku de Baltasar Pedrosa/Filmax Animation-SEEI

23. MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL.-
· Cineastas contra magnates de Carlos Benpar/ Producciones Kilimanjaro S.L.
· Iberia de Carlos Saura/ Morena Films
· Trece entre mil de Iñaki Arteta/ Leize Producciones
· Veinte años no es nada Joaquín Jordá / Ovideo TV, S.A.

24. MEJOR PELÍCULA EUROPEA.-
· El hundimiento de Oliver Hirschbiegel (Alemania)
· El jardinero fiel de Fernando Meirelles (Reino Unido)
· Los chicos del coro de Christophe Barratier (Francia)
· Match point de Woody Allen (Reino Unido)

25. MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA DE HABLA HISPANA.-
· Alma mater de Álvaro Buela (Uruguay)
· Iluminados por el fuego de Tristán Bauer (Argentina)
· Mi mejor enemigo de Álex Bowen (Chile)
· Rosario tijeras de Emilio Maillé (Colombia)

26. MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN.-
· Bota de oro de José Luis Baringo y Ramón Tarrés Reguant / Ramón Tarrés Reguant
· El examinador de José Antonio Pajares Almeida/ Cachito Film Producciones Cinematográficas, SL
· El intruso de David Cánovas/ Free Run Producciones SL /Good News Estudios y Proyectos Audiovisuales, SL
· Hiyab de Xavi Sala / Xavi Sala P.C.
· Nana de José Javier Rodríguez Melcón /Enigma Films, SL.

27. MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN.-
· La gallina ciega de Isabel Herguera / Isabel Herguera
· La leyenda del espantapájaros de Marco Besas /Elemental Films, SL
· La luz de la esperanza de Ricardo Puertas /Universidad de las Islas Baleares-Master MA ISCA
· Semilla del recuerdo de Renato Roldán /Universidad de las Islas Baleares-Master MA ISCA
· Tadeo Jones de Enrique Gato Borregán /La Fiesta P.C.

28. MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL.-
· Castilla y León, patrimonio de la humanidad de Antonio Giménez-Rico/Nickel Odeón Dos, S.A.
· En la cuna del aire de Rodolfo Montero de Palacio/Cre-acción Films,SL /Producciones Líquidas, SL.
· Nenyure de Jorge Rivero/Oasis PC /Jorge Rivero PC.

29. PREMIO DE HONOR.- PEDRO MASÓ

Avanzamos... "Memorias de una Geisha"

2005-12-02T08:06:00.000+01:00

El termino geisha resulta de la unión de dos voces japonesas, gei (artes) y sha (persona), y significa 'muchacha instruida para la danza, la música y la ceremonia del té, que se contrata para animar ciertas reuniones masculinas'.

Memorias de una Geisha es el título de un éxito de ventas (más de 4 millones de ejemplares), escrito por Arthur Golden y en el que Hollywood ha metido mano dando lugar a una cinta que podremos ver a comienzos de 2006. Incluso antes de su estreno, ya empieza a sonar, polémicas a un lado, porque puede copar más de una candidatura a los Oscar.

Rob Marshall, el responsable de Chicago, ha contado con el beneplácito de Steven Spielberg en su faceta como productor a la hora de convertir Memorias de una geisha en Sayuri, un título que, con el nombre de su personaje principal, encierra un viaje iniciado en los años 20 alrededor de un mundo lleno de misterios, hostil y deshumanizado: el de la prostitución encubierta en Japón.

La historia comienza unos años antes de la Segunda Guerra Mundial, cuando una niña japonesa es enviada por su familia a trabajar como sirvienta en una casa de geishas. Durante su adolescencia deja de ser una 'maiko' (aprendiz) para convertirse, después de un largo entrenamiento en artes tradicionales, como la danza, la ceremonia del té y el 'shamisen', en una legendaria geisha llamada Sayuri. Hermosa y afortunada según quién la mire, Sayuri, con el cuerpo de la actriz Zhang Ziyi, cautiva al hombre más poderoso del momento, pero su corazón ya pertenece a otro al que no puede alcanzar.

Su estreno en China pende de un hilo debido a las polémicas suscitadas porque dos de sus actrices den vida a sendas geishas: los foros de Internet del gigante asiático bullen de indignación, ya que muchos compatriotas de Zhang Ziyi consideran una humillación histórica que el personaje de esta joven aunque consolidada promesa del cine aparezca desnuda ante el actor japonés Ken Watanabe (El último samurái). Han pedido incluso que se le retire su nacionalidad y se vaya a vivir a Hollywood, donde han acogido de buena gana a la actriz fetiche del cineasta Zhang Yimou, a cuyas órdenes ha protagonizado El camino a casa, Hero y La casa de las dagas voladoras, al igual que a Gong Li, otra musa del cineasta, intérprete de Sorgo rojo y La linterna roja, y Michelle Yeoh, vista en Tigre & Dragón y de ascendencia china, que tampoco se libra del arrebato nacionalista aunque haya nacido en Malasia.

La razón de tanta indignación reside en el sometimiento de 200.000 mujeres chinas como esclavas sexuales de las tropas japonesas durante la ocupación nipona del continente entre 1931 y 1945. Ante tanta suspicacia, desde la productora han argumentado que si tres actrices chinas son las protagonistas es porque no hay rostro nipón tan popular en el cine mundial (Yeoh fue 'chica Bond' hace 8 años), una afirmación que puede abrir brecha en la industria del archipiélago y por la que también han pedido disculpas las intérpretes, argumentado que estuvieron 7 meses estudiando las ancestrales artes tradicionales y pudieron errar en algo, más por desconocimiento que por maldad.

Por encima de recelos y prejuicios, Marshall se reafirma en la elección del trío de mujeres ('saben bailar, se expresan en inglés, son bellas y mejores actrices') y destaca que ronda una idea falsa de lo que realmente es una geisha, sobre todo en el mundo occidental, por lo que una de las mayores satisfacciones de esta película radicaba precisamente en el intento de clarificar el concepto de esta profesión.

El rodaje no has estado exento de complicaciones, ya que el país del sol naciente no conserva escenarios similares a los de hace 100 años, por lo que tuvieron que recrearse en unos grandes estudios californianos, aunque las escenas finales sí están rodadas en templos reales de Kyoto, en los que hasta el momento no era permitida la filmación para el cine.

Fecha de estreno: 27 de enero

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Del papel a la pantalla

2005-12-02T08:02:00.000+01:00

Hace ahora 4 años que llegaban a las salas de cine personajes que hasta el momento habían permanecido aislados del mundo exterior. Ese año, las criaturas de la Tierra Media soñada por Tolkien y los jóvenes estudiantes del Colegio Hogwarts de Magia surgidos del imaginario de J. K. Rowling saltaban los márgenes en blanco para protagonizar dos de las sagas cinematográficas con más espectadores.

Pero en el estante reservado a la literatura fantástica teníamos todavía una colección de libros por desempolvar con el nombre de Las crónicas de Narnia, un mundo oculto en un armario, poblado por seres mitológicos al que acceden cuatro hermanos que cambiarán el curso de la historia creada por el profesor de Oxford Clive Staples Lewis y publicada entre 1939 y 1954. De su pluma salieron siete volúmenes, los primeros libros infantiles convertidos en auténticos éxitos de ventas e inspiradores de las andanzas de Potter y sus amigos.

Disney es dueña de los derechos de adaptación de los textos narnianos, con marcado espíritu bíblico, y en sus altas instancias confían en que el primer título de la serie, El león, la bruja y el armario, se acerque a los resultados taquilleros de El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo y Harry Potter y la piedra filosofal en las navidades del año 2001: iniciado el camino, lo demás vendría dado...

En cuanto a las viñetas, si las de Sin City causaron estragos en las pantallas durante el pasado verano, el de 2006 se llenará de fascistas y enmascarados de manos de la adaptación que los hermanos Wachowski (Matrix) han hecho del cómic V for Vendetta, creado a finales de los 90 por el tándem formado por Alan Moore y David Lloyd. Natalie Portman es la protagonista de un argumento hipotético, aunque tremendo por lo verosímil, que nos traslada a un mundo sometido a los alemanes de Hitler tras su victoria en la Segunda Guerra Mundial.

Reservado para un público más adulto, el controvertido Dan Brown sigue dando muestras de su capacidad (mejor o peor entendida) para hacer dinero a partir de títulos como La fortaleza digital y Ángeles y demonios. Consciente de su tirón, cedió los derechos de El código Da Vinci a la todopoderosa Sony por la módica cantidad de 6 millones de dólares, lo que permitió que Tom Hanks y Audrey Tautou adoptasen los roles principales de esta historia que, después de haber pasado por millones de lectores, llegará a las pantallas de cine en mayo bajo la responsabilidad de Ron Howard (Una mente maravillosa, Cinderella man).

En los próximos meses asistiremos también al estreno de intrigas policiales al estilo de L.A. Confidential (Curtis Hanson) gracias a otra novela de James Ellroy, La Dalia Negra (Brian De Palma) y oleremos El perfume de Patrick Süskind en la versión de Tom Tykwer (Corre Lola, corre). Y de un libro premonitorio que en su día fue de los más vendidos, surge la nueva entrega con las aventuras del espía más famoso al servicio de su majestad. Un desconocido Daniel Craig (Camino a la perdición, Sylvia) sucede a Pierce Brosnan como Agente 007, el sexto rostro para un mismo personaje, en Casino Royale, basada en la revisión de la primera novela de Ian Fleming y que ya inspiró el largometraje protagonizado por David Niven, Peter Sellers y Ursula Andrews en 1967. En esta ocasión se pone tras el visor Martín Campbell, que aparca de momento su relación con El Zorro, Catherine Zeta Jones y Antonio Banderas, enfrascado en su segundo largometraje como director, la adaptación de El camino de los ingleses, libro firmado por Antonio Soler.

Y cerramos este repaso a medio camino entre el libro y el filme en España. Atrás queda el Año Quijote y comienza la carrera triunfal de Tirante el Blanco por las pantallas: Vicente Aranda se enamoró de las aventuras de este héroe mediterráneo, al igual que hace 400 años lo hizo Miguel de Cervantes, que homenajeó al clásico de Joanot Martorell, librándole de la hoguera a la que van a parar los libros que alimentaban los efluvios caballerescos de Alonso Quijano.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "King Kong"

2005-11-25T08:08:00.000+01:00

Hay imágenes que permanecen en nuestro cerebro y son capaces de generar millones de versiones, tantas como espectadores tiene una película.

Hay una, King Kong, que está entre las 100 mejores de la historia del cine y claro, no iba a escapar una tercera versión del original –la segunda data de 1976-, sin contar secuelas (El hijo de Kong, King Kong vive) y subproductos como la japonesa King Kong contra Godzilla.

Antes de pisar islas famosas como Nublar y Sorna, que albergaban los complejos de Parque Jurásico, o aquella en la que habitaba el doctor Moreau, tuvimos constancia de otra llamada Skull, donde aseguran que vive un gigantesco gorila de más de 7 metros idolatrado por un pueblo nativo que cumple una macabra tradición.

Hace siete décadas la fe ciega en un trabajo común movió al director Merian C. Cooper y al productor Ernest B. Schoedsack y su resultado impactó tanto que no dejó indiferente a nadie. Tampoco al niño Peter Jackson, que la vio con 9 años en televisión en la remota Nueva Zelanda y se prometió que un día dedicaría su vida a ilusionar a otros gracias al cine. Y vaya si lo consiguió: después de El Señor de los Anillos, una odisea que le provocó quebraderos de cabeza durante más de 5 años, cualquier proyecto iba a resultarle más sencillo. Incluso el de llevar a la pantalla, una vez más, las andanzas del enamoradizo gorila que coronó la cúspide del Empire State, el edificio más alto de Nueva York en los años 30, y fue derribado por el certero disparo de un avión Curtis Helldiver.

De manos del responsable de Braindead y Criaturas celestiales, la bestia regresa a la pantalla 72 años después de su primera aparición, pero se trata de un proyecto anterior al de la trilogía de Tolkien que surgió tras rodar en 1996 Atrápame esos fantasmas. Una década después se hace realidad, estableciendo un arco temporal con la mítica cinta: parecidos personajes, misma época e idéntico conflicto en el que una de las partes es una rubia que ha engatusado a quienes la interpretaron, empezando por la primera, Fay Wray, tanto que hasta su reciente muerte a los 85 años siguió vinculada al gorila con ofertas como la brindada por el propio Jackson para un pequeño papel en el rejuvenecido King Kong.

Naomi Watts (Mulholland Drive, 21 gramos) retoma el papel que lanzó a la fama a Wray y más tarde a Jessica Lange y Linda Hamilton, pero esta vez se las tendrá que ver con la tecnología de Weta Digital y el simiesco Andy Serkis (Gollum en El Señor...), que en pleno siglo XXI se impone sobre manos mecánicas y la técnica stop-motion, empleada por Willis O’Brien y que consistía en fotografiar imagen por imagen los movimientos de las prehistóricas criaturas y el simio de 45 centímetros de altura, la misma fórmula con la que Tim Burton ha dotado de vida (y muerte) a los protagonistas de La novia cadáver.

Peter Jackson hace gala de la animación digital, aunque no escatima en gastos: un presupuesto de más de 130 millones de dólares que turbó a productores y actores principales, Jack Black (Escuela de rock), Adrien Brody (El pianista) y Jaime Bell (Billy Elliot), ya que el fiasco de la anterior versión no pasa desapercibido para nadie.

Y si en los cines esperamos con expectación la llegada del gorila al que mató la belleza, tocado esta vez por la mano del neozelandés, 'el mono de todos los monos' en palabras del cineasta Ray Harryhausen –especialista en efectos especiales, Los viajes de Simbad se asoma a las pantallas caseras gracias al formato DVD con una peculiaridad respecto del celuloide original de 1933: a partir de dibujos y del guión original, Jackson ha conseguido recrear una escena desaparecida en la que un grupo de marineros huye de King Kong para caer en la guarida de unas enormes arañas que acaban devorándoles. Lo que no consiga la tecnología...

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Antonio Banderas y "El camino de los ingleses"

2005-11-25T08:05:00.000+01:00

Como el hijo pródigo que vuelve a casa con la responsabilidad de levantar un proyecto ansiado... Así se siente Antonio Banderas en el rodaje de su segunda película como director.

Después de alternar la promoción mundial de La leyenda del Zorro y dirigir los ensayos con los elegidos para dar vida a los personajes del escritor Antonio Soler, se pone de nuevo detrás del visor con el temor a defraudar a quienes confían demasiado en su proyecto, un largometraje presupuestado en 5,5 millones de euros y que para muchos no es un rodaje más en suelo español, sino una vía para reactivar el entramado audiovisual de dos regiones: Andalucía, porque se ambienta en Málaga y cuenta con actores del sur, y Valencia, ya que es una de las primeras producciones que usan los estudios de la alicantina Ciudad de la Luz.

Si la primera, Locos en Alabama, tenía como fiel compañera a su mujer, Melanie Griffith, en esta estará arropado por sus paisanos. Banderas juega en casa, aunque ya ha pedido que no le juzguen si en pantalla aparece una Málaga diferente a la actual, más parecida a los recuerdos de la ciudad que abandonó por cumplir un sueño a finales de los años 70. Salvaguarda los rumores apuntando que no se trata de un ejercicio de neorrealismo ni de costumbrismo, aunque sí soporta una importante carga poética: el vértigo que supone dejar atrás la adolescencia y experimentar nuevas sensaciones condiciona la novela y también el guión, escrito por el propio Soler. No ahonda por tanto en el complicado contexto histórico ya que, como bien indica el cineasta, él mismo no toma conciencia política hasta que coge el desaparecido tren Costa del Sol con destino incierto: 'en Madrid las cosas cambiaban por aquel entonces; en Málaga las pasiones eran muy primitivas y el mundo se reducía a muy poco: mis amigos y yo'.

¿Una película autobiográfica? Sólo en parte. Dejémoslo en aventura personal que le está permitiendo redescubrir su historia a través de rincones y espera sorprender incluso a los que tienen un recuerdo nostálgico de la ciudad. Todo ha cambiado y Banderas pretende conectar con los jóvenes de hoy, los hijos de los de su generación, esa que ve representada en Amadeo Nunni el Babirusa, Avelino Moratalla, Luli Gigante, la Cuerpo, la Gorda de La Cala, Rafi... aquellos que vivieron el último verano de sus vidas, el que se fue en 1978 anticipando el vacío de la madurez y el encuentro con el sexo, el amor e incluso la violencia. Y entre ellos, Miguelito Dávila, un personaje que quiere ser poeta, que quiere escapar de su realidad y que guarda similitudes con el Antonio Banderas de aquellos años.

Dos de los amigos que haría en Madrid han apretado su agenda para ponerse en sus manos: Victoria Abril como una madura interesante apodada 'la del casco cartaginés' y Juan Diego, uno de los padres. Pero el grueso de intérpretes será anónimo hasta el día del estreno para que aporte la frescura necesaria. No obstante, entre María Ruiz, Marta Nieto, Raúl Arévalo, Berta de la Dehesa, Mario Casas y una quincena de debutantes, pululan tres rostros televisivos: Fran Perea (el Garganta), Félix Gómez (Paco Frontón) y Alberto Amarilla (Dávila).

Queda mucho para ver si está producción de Green Moon y Sogecine llega tan lejos. Por ahora nos quedamos en la piscina de la Universidad Laboral, que acoge los saltos del enano Martínez (Antonio Zafra) y los devaneos amorosos de los jóvenes personajes que protagonizan esta historia acerca de la conflictiva entrada en la madurez en su último verano juntos, ese que pasaron subiendo y bajando el camino de los ingleses, una idílica visión del que siempre ha sido conocido como camino de Antequera y por el que regresa el hijo pródigo 26 años después.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Pedro Maso, Goya de Honor

2005-11-12T10:27:00.000+01:00

El gabinete de prensa de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España informa que...

Pedro Masó ha sido reconocido por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España con el Goya de Honor 2005 por toda su carrera. Este galardón se le entregará como es tradición durante la próxima Gala de los Premios Anuales de la Academia que tendrá lugar el 29 de enero de 2006.

La carrera cinematográfica de Pedro Masó acaba de cumplir 60 años, en el transcurso de los cuales ha seguido la evolución social, moral y política de la sociedad española, por lo que su amplia obra constituye un importante testimonio sociológico sobre el último medio siglo de la historia de nuestro país. Recorre el escalafón cinematográfico entre producción y dirección y debuta como guionista en 1953 con la película “Como la tierra”. Entre sus éxitos más destacados como guionista están “Las Chicas de la Cruz Roja”, “El día de los enamorados”, “Los ángeles del volante”, “Atraco a las tres” “Siempre es domingo” y “091 Policía al habla” con los que fue creando temas y personajes de raigambre popular.

En 1961 realiza “Tres de la Cruz Roja” y “Usted puede ser un asesino”. Un año más tarde crea su propia compañía Pedro Masó Producciones Cinematográficas, con la que consigue algunos de los mayores éxitos comerciales del cine español como “Atraco a las tres”, “Vacaciones para Ivette”, “La Ciudad no es para mí”, “Nuevo en esta plaza”, “Un millón a la basura” y “La Gran Familia”, que constituye un rotundo éxito, por lo que posteriormente rueda “La Familia y uno más” y “La Familia, bien gracias”. Estas películas reflejan ya la profunda transformación de la vida española en estos años de desarrollo económico.

En 1971 asume personalmente la realización de los largometrajes compuestos y producidos por él como “El Astronauta”, “Crimen Imperfecto” o “Historias de la Televisión”. El clima de la década de los setenta y la apertura de la censura propició una reorientación de su carrera hacia temas escabrosos tratados en clave moralizante, que se reflejan en las películas “Experiencia prematrimonial” (1972) y “Una chica y un señor” (1973), con la que lanzó a Ornella Muti.

En 1975/78 descubre jóvenes actrices en películas como “Las adolescentes”, “La Menor” , “La Coquito” , “La Miel” y rueda “La Familia, bien gracias” que cierra la trilogía de aquella gran familia.

En 1979, inicia su colaboración con el guionista Rafael Azcona y aborda los temas más polémicos que se plantean al principio de la democracia en películas como “El divorcio que viene” (1980) o “Puente aéreo” (1981), que trata sobre la protitución de lujo.

Hasta 1982 ha escrito, producido y dirigido alrededor de 70 títulos.

Durante los años 80 y 90 se dedica a las series televisivas, que muestran la misma sintonía con los gustos mayoritarios del público y completan su testimonio sobre la evolución de la sociedad española. En 1983 dirige y produce su primer trabajo para Televisión Española con la serie “Anillos de Oro” y dos años más tarde se hace cargo de la serie “Segunda Enseñanza”.

En 1986 funda la sociedad Escorpio Films, S.A. como filial de Pedro Masó Producciones Cinematográficas y produce su primer largometraje basado en una novela de Miguel Delibes, que dirige Antonio Mercero, titulada “El Tesoro”. Un año después produce la película “La Rusa” basada en la novela de Juan Luis Cebrián y dirigida por Mario Camus. También produce y dirige para Televisión Española la serie “Brigada Central” sobre guión del propio Masó, de Simón Michael, Jacques Labib y Juan Madrid.

A partir de 1993 dirige y produce para Antena 3 Televisión la serie “Compuesta y Sin Novio”, protagonizada por Lina Morgan y José Coronado. En 1994 produce el largometraje “El Seductor”, sobre guión de Rafael Azcona, interpretada por María Barranco y dirigida por José Luis García Sánchez, y dirige “Hermana, ¿Pero qué has hecho?”, que supone el regreso Lina Morgan a la pantalla grande tras veinte años de ausencia.

En 1995 produce “Gran Slalom”, sobre guión de Rafael Azcona, interpretada por Juanjo Puigcorbé y dirigida por Jaime Chavarri. Estos tres proyectos son coproducidos con Aurum Producciones, S.A.

En 1999 escribe y dirige “La familia… 30 años después”, largometraje que se estrena en ANTENA 3 TELEVISION, cadena que también emite “Un chupete para ella”, una serie escrita y producida por Masó, que se convierte en uno de los mayores éxitos de la temporada en televisión.

A partir de ahí comienzan a prepararse nuevos proyectos para la gran pantalla, el primero de ellos es “Atraco a las 3... y media”.

Durante toda su trayectoria cinematográfica y televisiva ha obtenido los siguientes premios:

Mejor Director Cinematográfico español en 1973.
Premio del Ciclo de Escritores Cinematográficos por “Vacaciones para Ivette”.
Premio del Festival de Acapulco por “Vacaciones para Ivette”.
Premio de la Infancia y Juventud del Festival de Cannes por “La Gran Familia” y “La Familia y uno más”.
Premio Internacional de Vicenza (Italia) por “Vacaciones para Ivette”.
Premio TP a la mejor serie dramática por “Anillos de Oro” en 1983.
Premio TP a la mejor serie dramática por “Brigada Central” en 1989.
Premio TP a la mejor serie dramática por “Brigada Central” en 1990.
Medalla de Oro de Egeda por toda su carrera en 2003

Avanzamos... "Harry Potter y el cáliz de fuego"

2005-11-11T19:07:00.000+01:00

Más larga, más negra, más terrorífica, pero... ¿mejor?

Eso parece, al menos si atendemos a los comentarios de quienes asistieron a la premiere internacional de las nuevas aventuras de un mago que empezó siendo niño y se ha convertido en un adolescente que vivirá su primer amor y tropezará con los duros obstáculos del destino, como la muerte de uno de sus compañeros.

Daniel Radcliffe se enfunda de nuevo en su personaje, más adulto y más ducho en las mismas artes que hicieron famosos a otros como el viejo Merlín, el druida Panoramix, Gandalf de la Tierra Media y el Malambruno quijotesco. Harry Potter, además de crecer, ha pasado de protagonizar aventuras infantiles a cuentos aterradores. Así lo considera el British Board of Film Classification, el organismo británico encargado de clasificar las películas que se estrenan y por tanto, el que le ha colgado la etiqueta de 'filme con violencia fantástica, de amenaza y terror moderada'. Quizás este aspecto haga más interesante la saga, que con el tercero de sus realizadores, el mexicano Alfonso Cuaron, alcanzó ya cotas de misterio extremo con algún que otro susto entre tinieblas no recomendado para menores de 7 años.

A lo largo de los 157 minutos de metraje de la producción más internacional –hay niños húngaros y asiáticos-, Harry y sus amigos de la milenaria Escuela de Magia y Hechicería de Hogwarts participarán en un Mundial de Quidditch, con invasión de monstruos incluida, y el huérfano librará una batalla contra los fanáticos adeptos del maléfico Lord Voldemort (Ralph Fiennes) en un tétrico cementerio. Por cierto, ¿saldará Potter las cuentas por el asesinato de sus padres? En España lo sabremos una semana después de su estreno en carteleras británicas y norteamericanas.

El director Mike Newell, el primer británico que se hace cargo de la realización, ha sabido solventar el problema natural que se les presenta a los jóvenes protagonistas: tanto Radcliffe como Rupert Grint (Ron) y Emma Watson (Hermione), hoy incipientes jovencitos, entraron en el mundo de Harry Potter en 2001, cuando todos contaban con 10, 11 o 12 años de edad. El tiempo no perdona, las hormonas siguen su vida y aunque los que buscaron la Piedra Filosofal (2001), se adentraron en la Cámara Secreta (2002) y conocieron al Prisionero de Azkabán (2004), hayan firmado para interpretar sus personajes en el quito título de la serie, La Orden del Fénix (que dirigirá el también británico David Yates y se estrenará en 2007), saben que sus días como ídolos de aprendices a hechicero están contados.

Además de actores como Maggie Smith y Alan Rickman, otro nombre aparece asociado a las, hasta ahora, 4 entregas de la saga. Se trata del que corresponde al guionista, Steve Kloves, que firma la adaptación a la pantalla de lo escrito por J.K. Rowling desde las dos primeras cintas filmadas por Chris Columbus. Kloves y Newell sopesaron la idea de realizar dos largometrajes a partir del cuarto volumen, pero acabaron decantándose por eliminar capítulos y condensar tramas. Por eso, El cáliz de fuego se presenta como un thriller de acción trepidante.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Del papel a la pantalla de cine

2005-11-04T18:19:00.000+01:00

Echando un vistazo a las carteleras de este año encontramos películas ya familiares como Largo domingo de noviazgo, Million Dollar Baby, Obaba, Amor idiota y Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket, pero antes esos títulos sonaban a algunos lectores y muchos libreros... Son los últimos que han llegado al cine, pero de guiones adaptados está el mundo del celuloide lleno y tan sólo hay que repasar la lista de próximos estrenos para comprobarlo.

Pronto llegará una nueva entrega con los avances del aprendiz de mago Harry Potter, que asiste a su cuarto curso en Hogwarts y acabamos de estar aterrorizados ante la amenaza llegada del espacio exterior, sin que la magia tenga efectos sobre ella: La guerra de los mundos reunirá a Steven Spielberg y Tom Cruise varios años después de Minority report. El clásico de H.G. Welles, más en la línea catastrofista de Independence Day que en la emocional de ET –del que se prepara secuela-, augura una invasión de extraterrestres a la que deben hacer frente los 5.000 millones de humanos además de los personajes interpretados por Tim Robbins (Mystic River) y Miranda Otto (El señor de los anillos).

A pesar de un holgado presupuesto, 90 millones de euros, Ron Howard (Apollo XIII) lo tiene complicado para no decepcionar a los más de 20 millones de lectores que se han roto la cabeza descifrando los mensajes ocultos de la obra más conocida de Dan Brown: en mayo de 2006 veremos en las pantallas El código Da Vinci, donde Audrey Tautou será la agente de policía Sophie Neveau, un personaje que iba a ser para Vanesa Paradis, Tom Hanks encarnará al historiador Robert Langdon y Jean Reno, Bezu Fache, jefe de la policía judicial.

Éxito de ventas también fue hace unos años Memorias de una geisha. La mujer japonesa nacida de la pluma de Arthur Golden no será interpretada por una actriz del país del Sol Naciente ya que en el casting se impusieron Zhang Ziyi (Tigre & Dragón, La casa de las Dagas Voladoras) y Gong Li (Adiós a mi concubina), las actrices chinas más conocidas en occidente.

Con Natalie Portman como protagonista comienza a rodarse la película que parte de un clásico de las novelas graficas Vendetta, con alemanes que rigen el rumbo del mundo y paises sumidos en regímenes fascistas. Y si en el terreno infantil Roman Polanski versiona la vida del huérfano Oliver Twist después de rodar El pianista, el excéntrico Tim Burton ha hecho que Helena Bonham Carter, Christopher Lee y su más estrecho colaborador, Johnny Deep (Eduardo Manostijeras, Ed Wood, Sleepy Hollow), regresen a su infancia releyendo la obra más conocida de Roald Dahl: Charlie y la fábrica de chocolate (llevada al cine en 1971 por Mel Stuart en Un mundo de fantasía).

Entre los autores españoles que se asoman a la pantalla grande destacan Juan Manuel de Prada con La tempestad –producción internacional encabezada por Natalia Verbeke- y Bernardo Atxaga y su novela Obabakoak en versión Armendáriz. También en nuestro país y a la espera de que alguien sucumba de nuevo a los encantos del Quijote en el cuarto centenario de su publicación y no se arruine en su intento de llevarlo al cine como Orson Welles y Terry Gilliam, Vicente Aranda continuará alejado de lo contemporáneo con sus idas y venidas a lo largo de la historia: primero el siglo XVI con Juana la loca, y luego el XIX a través del submundo de bandoleros y cigarreras andaluzas con Carmen. Ahora retoma el género de caballeros medievales con Tirante el Blanco, rodada durante 11 semanas en Madrid, Almería y Estambul con conocidas del cineasta como Victoria Abril y debutantes a sus órdenes entre las que se encuentran Esther Nubiola, Ingrid Rubio y Leonor Watling.

Aunque es otra adaptación, la de El capitán Alatriste, la que comienza a captar la atención de todos gracias no sólo por su presupuesto, la dirección de Agustín Díaz Yanes y el protagonismo de Viggo Mortensen, sino por el reparto: Unax Ugalde, Eduardo Noriega, Elena Anaya, Blanca Portillo, Antonio Resines, Ariadna Gil, Javier Cámara, Antonio Dechent, Pilar Bardem, Juan Echanove y Victoria Abril. Ahí es nada.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "Alatriste"

2005-11-04T18:12:00.000+01:00

Será una película dura y cruda que aporte una visión realista del siglo XVII, de una España Imperial con más sombras que luces, y se hará sin escatimar en sobreesfuerzos técnicos ni humanos, con 20 millones de euros y otros tantos meses de trabajo en todas sus fases: preproducción y ensayos, rodaje, montaje, sonorización...

Alatriste es la película española con mayor presupuesto y más compleja por el momento, hasta tal punto que Arturo Pérez-Reverte considera que la industria cinematográfica de nuestro país sólo ha pataleado con bloqueos injustificados en lugar de unirse a la causa. Lo cierto es que con tantos millones (Mar adentro costó la mitad)se pueden realizar en torno a 7 películas de coste medio, algo que usaron las productoras como excusa a la hora de apearse de un proyecto financiado finalmente por Telecinco-Estudios Picasso, Origen y Universal y que no llegará a las pantallas antes del último trimestre de 2006.

Mucho se ha hablado acerca de la adaptación al cine de las andanzas de un valeroso soldado que lucha contra los holandeses por España y su rey y que a su regreso a Madrid acaba como mercenario en medio de intrigas y corruptelas. Para acallar rumores, nunca se planteó un rodaje fuera de la península: hacerla en español y aquí era algo implícito al proyecto, porque nadie quería a Quevedo, a Lope de Vega o a los tercios de Flandes hablando en inglés.

Pérez-Reverte escribía más rápido que los productores buscaban financiación, por lo que el primer guión acabó como un libreto donde Agustín Díaz Yanes condensó sólo las dos primeras novelas de la saga. El autor facilitó los derechos de las dos siguientes, manteniéndose siempre al margen aunque solventando las dudas históricas y acerca de la evolución de los personajes que se le planteaban al guionista.

Sin ponerse nervioso ante la adaptación -‘llevo 8 películas así que estoy acostumbrado al parto’-, el escritor, periodista y académico dio libertad por su confianza en el equipo, aunque impuso una condición: que ningún elemento distrajese a los millones de lectores que tenían su Alatriste en mente o cambiase los ejes de los personajes. Y tanto se respetó la esencia que el guión describe una secuencia muy del gusto del padre de la criatura, tanto que acabó incluida en la quinta novela.

Juntos han buscado que Alatriste no sea un cúmulo de gazapos a pesar de la estilización del cine. Además de guionista, Díaz Yanes es un consumado historiador y apasionado del Siglo de Oro, una época crucial en el porvenir de España y el mundo, tiempos de picaresca, difíciles ‘que incubaron las mentiras y el desorden que nos acompañan en nuestra vida diaria como herencia’, elemento de modernidad que aparecerán en esta parábola sobre la supervivencia de todos los que se parecen a ese asesino a sueldo que malvive de la espada.

Los actores tendrán como maestro de armas a Bob Anderson -al director le preguntó ‘si tenía que preparar una coreografía de espadas o, por el contrario, enseñar a matar de verdad’-, instructor en El señor de los anillos, de donde proviene el maquillador José Luis Pérez. Junto a ellos y dirigiendo otros departamentos estarán los que ya trabajaron en Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto y Sin noticias de Dios: Paco Femenia a cargo de la fotografía, Benjamín Fernández como director de arte y Francesca Sartori, responsable de figuración.

Nadie lo pone en duda, la película promete mucho más que la recreación de Las aventuras del Capitán Alatriste, publicadas desde 1996: participa un equipo de 200 personas sin contar el medio centenar de actores, 20 de ellos en papeles principales. Una representación acudió a su cita con los medios como un coro que arropa al actor principal en una tragedia, en este caso la estrella internacional Viggo Mortensen: Unax Ugalde como su protegido Iñigo de Balboa y Elena Anaya en el papel de su amada, Angélica de Alquezar; el fiel amigo de Alatriste, de nombre Copons, llegará con el rostro de Eduard Fernández, y la actriz favorita de la época, María de Castro, con el de la también catalana Ariadna Gil que coincide con Antonio Resines, Saldaña en la cinta, en que este proyecto abre puertas a la cultura

Javier Cámara ya está en la piel del hombre más poderoso de aquella época, el Conde Duque de Olivares, que maneja a su antojo la corte de Felipe IV con el apoyo de la Santa Inquisición, representada en la película por Bocanegra, un inquisidor que interpretará Blanca Portillo. La actriz madrileña, un todoterreno escénico, sólo abrió la boca para mostrar su interés en este compromiso artístico y social y la ilusión en un personaje que junto a Díaz Yanes considera un ‘experimento’ del que seguro, saldrá indemne (hay que recordar su magistral interpretación triple en La hija del aire).

También Enrico Lo Verso, Eduardo Noriega, Antonio Dechent, Juan Echanove, Pilar Bardem, Victoria Abril y muchos otros pasearán en los próximos 4 meses por las intrincadas calles sevillanas, la costa gaditana, los monasterios del Escorial y Uclés, las ciudades de Úbeda y Baeza y los decorados construidos en Madrid, ocupados por teatros y galeones, auténticas joyas para unos actores que, como Eduard Fernández, sienten gracias a Alatriste ‘la cosa de los niños, disfrazarte y jugar a los espadachines, pues eso’.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "La tempestad"

2005-11-04T18:00:00.000+01:00

El director británico Paul Tickell se encuentra ya entre las cuatro paredes de la sala de montaje. Ha terminado el complicado proceso de rodaje de La Tempestad, intriga, asesinatos y pasión en la ciudad de Venecia y con Natalia Verbeke representando la cuota española de esta coproducción europea.

Basada en el libro homónimo escrito por Juan Manuel de Prada, La Tempestad nos transporta a una Venecia húmeda, decadente y singular, una ciudad reconstruida casi por completo en Luxemburgo, el mismo lugar en donde se ambientó El mercader de Venecia y La joven de la perla.

Por este decorado que simula desde canales hasta fachadas reales de la urbe-museo italiana se han paseado los personajes de esta historia de intriga que narra las investigaciones de un joven experto en arte (Scot Williams) que llega a Venecia buscando la autenticidad del cuadro La tempestad, de Giorgione. Alli le recibirán el director del museo que alberga el cuadro, su hija y el amante de ésta, un famoso falsificador de obras.

Natalia Verbeke acaba de regresar a nuestro pais después de 8 semanas rodando esta producción intimista en la que soporta el peso argumental dando vida a una inteligente y ambiciosa mujer. La actriz, que prepara la segunda parte de El otro lado de la cama, ve cumplido su sueño de entrar por pleno derecho en la cinematografía europa. Lo hace teniendo como compañero de reparto a Malcom MacDowell al que recordamos sobre todo por su papel de Alexander Lange, el lider de la banda marginal retratada por Stanley Kubrick en La naranja mecánica.

El escritor vizcaíno -Premio Planeta, 1997- ha participado de forma activa en la adaptación al cine de su libro, no sólo por ser el autor de la primera versión del guión, también por incluir el nombre del actor Rutger Hauer (Blade Runner, Lady Halcón) en el contrato de cesión de derechos: una cláusula permitía hacer la película sólo si participaba el actor holandés con algún papel.

La Tempestad será el tercer largometraje de ficción realizado por uno de los directores más reputados de la nueva generación de cineastas británicos en la que también se incluye a Guy Ritchie (Cerdos y diamantes). Su estreno en España puede contribuir a que podamos redescubrirle con sus dos cintas anteriores, inéditas en nuestras carteleras.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "Salvador"

2005-11-04T08:12:00.000+01:00

Después de casi 30 años, uno de los episodios más criticados de nuestro pasado reciente vuelve a cobrar repercusión. Se trata de la muerte de Salvador Puig Antich, el último ajusticiado por el franquismo. Manuel Huerga, realizador de Antártida (tarjeta de presentación de Ariadna Gil y Carlos Fuentes) veía la adaptación al cine de esta crónica negra y sucia como una deuda saldada con la historia y toda una generación que en los últimos minutos de un régimen abocado a su desaparición luchó con todas sus fuerzas contra las injusticias.

Daniel Brühl (Good bye, Lenin!, Los edukadores) da vida a tan carismático joven, símbolo del fin de una era, un personaje rico en matices y pliegues interpretativos descritos en un guión que presenta dos vidas de una misma persona: el catalán anarquista e idealista miembro del Movimiento Ibérico de Liberación y el joven que era en su intimidad, familiar y cariñoso. Lluís Alcarazo firma el libreto, basado en la novela Cuenta atrás, de Francesc Escribano, y ambientado con temas compuestos por Lluís Llach.

En un tiempo en el que las luchas son más personales e, incluso, egocéntricas, es conveniente poner de relieve aquella injusticia que provocó reacciones contrarias en todo el mundo: desde el Papa hasta el, por aquel entonces, ministro sueco Olof Palme se opusieron a la condena impuesta, ejecución con garrote vil en 1974, pidiendo clemencia al agonizante dictador ante la acusación de asesinato a un agente de la policía política durante un tiroteo, hecho que jamás pudo demostrarse durante el juicio.

Calificado por su director como un retrato del entorno familiar de un idealista pero, ante todo, ser humano, Salvador pretende quedar en la memoria como el perfil audiovisual de un personaje real, un hombre maduro, sereno y atractivo que no sólo se desgañito dejándose la vida en su lucha contra el franquismo sino también en perseguir ideales 'que se han visto eclipsados por una transición a la democracia incompleta y chapucera'.

El actor hispano-alemán Daniel Brühl, que hace con ésta su primera incursión en nuestro cine, ve en este joven a un héroe, una especie de mártir, por ser un hombre fuerte que demuestra su valentía durante su encarcelamiento, horas antes de lo que Tristán Ulloa, que interpreta a su abogado defensor, considera como asesinato en toda regla. El protagonista de cintas como Lucía y el sexo o la recién estrenada Maroa muestra su satisfacción ante una película que debe ayudar a que no se duerman las conciencias.

Más de 40 actores, en catalán, castellano y francés, participan en este ambicioso proyecto que ya es una realidad, rodándose en Barcelona, Valencia y Francia y con reparto de lujo: Leonardo Sbaraglia da vida al carcelero que compartió con Puig Antich sus últimas horas de vida y Leonor Watling e Ingrid Rubio interpretan a las mujeres de las que se enamoró. Todos están muy implicados con la historia, un alegato contundente contra la pena de muerte.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

El Teatro Maravillas levanta el telón, de nuevo

2005-11-03T17:16:00.000+01:00

Hace muchos años, los alrededores del madrileño Teatro Maravillas eran una fiesta con cada estreno de variedades o proyección cinematográfica.

Aunque el glamour se tornó en desdicha anunciada cuando en febrero de 1999 decidieron clausurar y derribar el teatro de calle Manuela Malasaña, el primero en desaparecer de los que aún quedaban desperdigados por un Madrid donde encontrar un espacio para edificar era un bien más lujoso que consumir arte y ocio.

Los humoristas Faemino y Cansado con su Visto y no visto fueron los últimos en pisar el escenario. Punto final a un capítulo con páginas escritas durante más de 100 años, tantos que al final imperó el descuido haciendo que el techo y la propia sala acusaran los pocos mimos de su último responsable (Enrique Cornejo) a los ojos de inspectores municipales. Se cumplió la orden de precinto y de aquel mítico enclave escénico, 6 años después, sólo queda el recuerdo y el nombre.

El Nuevo Maravillas ocupa los bajos de un hotel emplazado en el mismo solar sobre el que se erigió la recordada sala. Detrás de su rebautizado nombre hay también un apellido con fuerte ligazón al mundo del teatro: Larrañaga. Se asocia con actores, Carlos –el patriarca de una saga- y Amparo, pero también con productores y gestores como Pedro, marido de Maribel Verdú. y hermano del cuarto Larrañaga en discordia, Luis –heredero del apellido materno, Merlo-.

Abiertas de par en par para no cerrar; así están las puertas del Nuevo Teatro Maravillas. Tras ellas más de 400 butacas aguardan los espectáculos que entroncan con la concepción teatral de la empresa gestora Vertele: hacer taquilla con productos de calidad. Durante 5 días, y a modo de homenaje-inaugural, los humoristas Faemino y Cansado revivirán viejas experiencias y harán de nuevo historia cerrando el arco temporal durante el que se echó en falta la sala. Tras su montaje, un cuidado cartel mantendrá en activo la programación: los actores Enrique San Francisco y Jorge Sanz interpretarán la obra Hijos de mamá hasta el 8 de enero, fecha hasta la que se subirán a las tablas cómicos como Pedro Reyes y Pablo Motos que tienen en común ser Los amigos de No somos nadie, el programa despertador de M80-Radio.

Uno de los estrenos más esperados en Madrid tendrá lugar el 12 de enero: la versión española de Witt, de Margaret Edson. Rosa María Sardá regresa durante 2 meses a la capital, esta vez a las ordenes de Lluís Pasqual y sustituyendo su faceta cómica por una más dramática como enferma terminal de cáncer que le ha valido el reconocimiento de crítica y público durante el año y medio que ha representado la obra en Cataluña y por el resto de España.

Pendientes de su entrada en el cartel se encuentran la actriz Ana Diosdado y el director Juan Carlos Pérez de la Fuente, emparejados por Oscar o la felicidad de existir, de Eric-Emmanuel Schmitt, y aún por confirmar está el estreno del montaje teatral de Misterioso asesinato en Manhattan, de Woody Allen, plato fuerte de la próxima temporada, aunque para eso aún queda bastante y mucho por ver sobre el escenario que la familia García Ramos inauguró en 1886 con Las hijas de Zebedeo. Sus herederos siguen siendo los propietarios del fénix que resurge de sus escombros, menos poéticos que las cenizas, pero con el mismo punto de superación. Y aunque su entarimado no conserve las pisadas de Raquel Meller, Rosario Pino o Celia Gámez, el espíritu de Sarah Bernhardt, que actuó en 1922, podría volver al Maravillas del siglo XXI encarnado por Charo López y acompañado por Emilio Gutiérrez-Caba.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Director, actor... George Clooney a dos bandas

2005-10-28T07:50:00.000+02:00

12 años han pasado desde que tan sólo 15 minutos frente a Steven Spielberg y Michael Chrichton le lanzarán a la fama. Un joven actor que hasta entonces había interpretado pequeños papeles en títulos para olvidar (Terror en el instituto, Loca academia de combate) se convertía en el pediatra Doug Ross de la serie Urgencias.

Casi un lustro estuvo atendiendo a los pacientes y cortejando a más de una, con permiso de la enfermera Carol Hathaway (Julianna Margulies), por los pasillos del hospital más famoso de Chicago gracias a la pequeña pantalla. Alcanzada la popularidad participó en las taquilleras Un día inolvidable, Abierto hasta el amanecer y El pacificador, y en 1997 se convirtió en el hombre-murciélago más filmado, recogiendo el testigo de Michael Keaton y Val Kilmer en la cuarta entrega de la saga: Batman & Robin.

Desde entonces combina su participación en producciones de corte más independiente como Tres reyes y Bienvenidos a Collinwood, con grandes producciones al estilo de Spy Kids y La tormenta perfecta. El tándem formado por Joel y Ethan Coen confió en él como protagonista de O brother! y Crueldad intolerable pero es con Steven Soderbergh con el que ha rodado más producciones: Un romance muy peligroso, Ocean’s eleven, Solaris y Ocean’s twelve.

Desde finales de septiembre rueda de nuevo en Los Ángeles a las órdenes de su amigo, el responsable también de Erin Brokovich y Traffic, con quien comparte además su modo de hacer cine porque Clooney también dirige. Aún en su faceta como actor y partiendo de la novela de Joseph Kanon, The good german, se convierte en corresponsal de guerra del ejercito de EE.UU. en un Berlín ruinoso después de la II Guerra Mundial. Jake Geismar, que así se llama su nuevo personaje, entra en una espiral de secretos e intriga junto a los interpretados por Tobey Maguire (Spiderman) y Cate Blanchet (El Señor de los Anillos, Verónica Guerin), que al igual que Clooney, empieza un rodaje nada más terminar otro, como el de la iconoclasta Babel, de Alejandro González Iñárritu.

Pero hace tiempo que el atractivo actor de 44 años tiene otros intereses más allá de los estrictamente cinematográficos, como cuestionar y criticar la actuación de los gobiernos, ‘un deber cívico’ porque influyen de manera directa en los habitantes de cualquier país. En 2002 demostró a todos que tenía facultades para la dirección ‘con conciencia’ con Confesiones de una mente peligrosa. Ahora está a punto de estrenar Buenas noches y buena suerte después de pasear con ella por el Lido veneciano y agradar a público, crítica y jurado de la pasada Mostra, que le otorgó dos premios: uno a él y a Grant Heslow por el guión y a David Strathairn la Copa Volpi al mejor actor.

Su segunda producción como realizador nos acerca de forma abiertamente progresista a la polémica que en 1953 enfrentó al senador Joseph McCarthy, cabeza visible de la caza de brujas anticomunista, y al presentador de televisión Edward Murrow (Strathairn), héroes o traidores según el objetivo ideológico con el que se enfoquen. Calificada por sus conciudadanos como antipatriótica y desmesurada crítica al poder, es cierto que la visión cultural de Clooney entronca más con la de los cineastas más comprometidos de la vieja Europa y algunos iconos norteamericanos como Tim Robbins, a lo que sumamos el hecho de que los sectores ultraconservadores que apoyan a George W. Bush le etiqueten como ‘traidor y peligroso izquierdista’.

Afrontó el coste total de la producción, 8 millones de dólares, por convicción y gracias a que es uno de los actores mejor pagados del momento. El reto se presentaba complicado: además de la fuerte carga política se trata de una historia rodada en blanco y negro con un formato cercano al documental y mucho humo de tabaco, según él, con la idea de capturar no sólo la esencia del periodismo como profesión, sino también el estilo de una época.

Respaldado por la crítica, George Clooney continuará produciendo y realizando largometrajes como el proyecto de la nueva versión de Network, que aborda el estresante mundo de las audiencias de informativos de televisión. Para consuelo de sus seguidores, seguirá protagonizado otros tantos como los que tiene pendientes de estreno, Syriana entre ellos, basada en la historia real de Robert Baer, un veterano de la CIA que se pasó toda su carrera investigando terroristas por todo el planeta. ¿Otro guiño a la política exterior de Bush?

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

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Avanzamos... "Camarón"

2005-10-28T07:44:00.000+02:00

Libros, documentales y discos. Pero faltaba la película sobre su vida, dedicada al cante y a los suyos.

El cineasta Jaime Chávarri ha rodado esta película sobre la intensa existencia de una leyenda real del arte español de todos los tiempos trece años después de su muerte: la de José Monge Cruz, Camarón de la Isla. Mito del cante flamenco, nació y murió siendo humilde a pesar de ser recordado como la gloria que se fue siendo muy joven todavía: llegó a Cádiz, a la isla de San Fernando, y se despidió de todos en Badalona, 2 de julio de 1992, a la edad de 42 años.

Años después de su muerte, la estrella del maestro sigue brillando con tanta intensidad como cuando su voz se escuchaba en los tablaos y escenarios de todo el mundo. Su nombre es sinónimo de grandeza y su arte, una referencia para los amantes del flamenco. Chávarri, consciente de ello, tiene no sólo la responsabilidad de no traicionarles, sino que también debe enfrentarse a los fantasmas del pasado y al recuerdo de su viuda, sus hijos y dos de los guitarristas que le acompañaron, Tomatito y Paco de Lucía.

Cantaora como Camarón, Carmen Linares afirma que él no sabía cantar de otra manera sino 'dando su verdad desde el alma, tratando con sinceridad al público, y si no estaba bien, no salía y punto'. También desde la honestidad espera Chávarri que salga este trabajo que pone fandangos y soleares en boca de un actor que ya demostró sus dotes para el cante en la cinta Noviembre: Oscar Jaenada. El madrileño sabe que la admiración no es buena compañera de viaje a la hora de trazar un perfil cinematográfico sobre un artista, por lo que se ha preparado viendo todos los vídeos posibles, leyendo artículos y libros escritos sobre él –tarea ardua por la cantidad de material- y entrevistándose con los que conocieron al genio de San Fernando.

Junto a él, Verónica Sánchez (Al sur de Granada) y Mercè Llorens (La puta y la ballena). Ellas darán vida a su viuda, 'La Chispa', y a un personaje inventado que engloba a otras mujeres que pasaron por su vida, respectivamente.

El responsable de películas como Las bicicletas son para el verano, Las cosas del querer, Besos para todos y El año del diluvio aguardaba los años suficientes para tener una perspectiva no sesgada con la que enfrentarse a un tema tan fascinante. Y es ahora cuando está dispuesto a asumir los riesgos implícitos de llevar un personaje real al cine, aunque sobre él recae el peso de una película que muy pocos se atrevían a hacer, la del hombre que intentó ser matador de toros y acabó siendo el mejor cantaor de todos los tiempos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Los de Tricicle regresan a Madrid con "Sit"

2005-10-27T09:17:00.000+02:00

Pocos hay que no sepan que el teatro de Tricicle se basa en el lenguaje universal de la mímica, del gesto. Es esta peculiaridad la que ha llevado por medio mundo al trío formado por Joan Gracia, Carles Sans y Paco Mir, uno de los más activos en cuanto a creación artística se refiere.

Los catalanes regresan a Madrid juntos, ya que por separado alguno de los miembros sí que ha venido a la capital, como por ejemplo, Paco Mir, ahora dirigiendo una obra de teatro ya rodada, Políticamente incorrecto). De los tres veteranos cómicos y gestores, Mir quizá sea el más conocido fuera del circuito catalán gracias sobre todo a la realización cinematográfica de Lo mejor que le puede pasar a un cruasán, adaptación de la novela de Pablo Tusset, protagonizada por Pablo Carbonell.
Devueltos a la interpretación y enfundados en un moderno traje de Marco Polo, Joan, Paco y Carles partieron hacía la conquista de Oriente, y en China acaban de arrancar la sonrisa con Sit como pocos espectáculos lo han hecho en los 7 años de historia del Festival de las Artes de Shangai, uno de los más importantes de Asia. Desde su estreno en Alicante hace 3 años, Sit ha demostrado hasta que punto un elemento tan común e inapreciado como la silla ha cambiado el curso de la historia.

Al Teatro Gran Vía de Madrid llegan con esta divertida ficción sobre la historia de este asiento, de sus usos y de las situaciones cotidianas, desde su invención hasta nuestros días, contada por personajes ficticios llamados los 'chairwood', los primeros homínidos que utilizaron la silla hasta para sorprendernos desde las tablas de un escenario. Además de revolucionar la escena y la historia con Sit, en sus 26 años de carrera Tricicle ha hecho escuela, una nueva visión de una disciplina a la que se adscriben numerosos grupos y muchos más espectáculos como Olymplaff de Yllana.
Pero los inicios, como siempre ocurre, no fueron fáciles: desde el 1 de noviembre de 1979 se sucedieron los bolos por el interior de Cataluña hasta que, a instancias de Chicho Ibáñez Serrador, un viernes de comienzos de los 80 el trío se asomó desde el mítico Un, dos, tres...

Aquellos jóvenes son los mismos que, una década más tarde, más entrados en carnes y alguno con menos pelo, sacaron al mercado del ocio una especie de franquicia con la creación de Clownic, la compañía estable que en 1991 saldaba la falta de tiempo de los componentes originales y su incapacidad de poner en escena los espectáculos que tanto gustaban al público. Y ojo que no buscaban dobles al uso, sino que pretendían encontrar artistas con la habilidad de crear sus propios personajes y, por lo tanto, llegar a redecorar el espectáculo con aire fresco sin perder, al mismo tiempo, continuando el estilo de Tricicle desde dentro.

Ellos no aparcan ninguna de sus criaturas. Precisamente una de las fórmulas del éxito de Tricicle la encontramos en su forma de trabajo: crea un espectáculo nuevo aproximadamente cada cuatro años y aunque son muchas las plazas que se quedan sin poder incluirles en su programación, guardan el montaje en un cajón hasta que lo sacan para ponérselo en bandeja al grupo Clownic.

Los de siempre, aquellos tres alumnos del Institut del Teatre de Barcelona en las secciones de pantomima y arte dramático, estuvieron recorriendo España con su antología Tricicle 20. Afirman que se trata de una 'antrilogía' de los mejores momentos de los cinco espectáculos que Tricicle había creado el siglo pasado: Manicómic (1982), Exit (1984), Slastic (1986), Terrrífic (1991) y Entretrés (1996). Al quinteto suman Sit. Y nosotros que lo veamos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Regresa la compañía Teatro de la Danza

2005-10-24T20:56:00.000+02:00

Nuestras amigas de Así Comunica nos "comunican" una buena noticia que coincide con el centenario del nacimiento de Samuel Beckett... ¡toma nota!

EL TEATRO DE LA DANZA DE MADRID REPRESENTA LOS DIAS FELICES EN EL CÍRCULO DE BELLAS ARTES

Amelia Ochandiano dirigirá y protagonizará el clásico contemporáneo de Samuel Beckett los días 25, 26 y 27 de noviembre en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Los días Felices de Samuel Beckett se ha convertido en un clásico contemporáneo, prueba de ello es que ha sido representada por todo el mundo en los teatros más emblemáticos y por grandísimos profesionales. En esta ocasión llega al Círculo de Bellas Artes a cargo del Teatro de la Danza de Madrid. Amelia Ochandiano hace el papel de Winnie de quien Beckett dijo que era “...profundamente frívola, atolondrada, charlatana, luchadora e inconsciente”. Nacho Castro le acompañará en el escenario interpetando a Willie.

Amelia Ochandiano acepta el reto de enterrarse hasta el cuello para demostrar cómo los seres humanos somos capaces de adaptarnos a las situaciones adversas, y pese a ellas, tener esperanza y ganas de vivir. Winnie lucha para olvidarse de su situación. Sufre momentos de inseguridad y de tristeza de los que consigue sobreponerse con empuje y optimismo.“Vamos a intentar que este espectáculo sirva como homenaje a tantas mujeres en todo el mundo que luchan con una sonrisa a pesar de sus tremendas circunstancias. Además no creo que haya sido dirigida por una de ellas en demasiadas ocasiones y aunque normalmente este hecho parecería anecdótico, en este caso sí me parece relevante, ya que cada vez leo el texto me parece más cercano a la realidad femenina contemporánea”.

En el año 2006 se cumplirá el centenario del nacimiento de Samuel Beckett, el Teatro de la Danza de Madrid se suma así a su homenaje.

Avanzamos... "Volando voy"

2005-10-24T09:16:00.000+02:00

Juan Carlos destaca desde muy pronto en la escuela por su inteligencia, rebeldía y capacidad de mando. No es un niño como otro cualquiera, es el Pera, un niño de siete años con una extraordinaria habilidad para conducir coches y para robarlos.

Miguel Albaladejo decidió en 2002 hacer una película acerca de este personaje, una leyenda de la delincuencia juvenil de los primeros años ochenta, popular en reformatorios y comisarías de policía de la región madrileña. Leyenda al fin y al cabo porque el Pera acabó ingresando en la Ciudad Escuela de los Muchachos del Tío Alberto y reconvertido en una persona nueva.

Hoy, desconocido por su nombre de guerra, Juan Carlos Delgado es un reconocido piloto, periodista del motor, instructor de conducción peligrosa en las Fuerzas Armadas y mano derecha del Tío Alberto en la institución, donde sigue intentando reencauzar a otros chavales tan perdidos como lo estuvo él.

Obsesionado con llevar esta vida a la pantalla, Miguel Albaladejo fomentó un encuentro con Juan Carlos, un hombre más o menos de su edad, que le abrió un abanico de contactos valiosos con los que comenzar a construir el guión de su vida: sus padres, su hermana, la profesora que durante la Educación General Básica intentó enseñarle a leer y a escribir y el propio Tío Alberto.

Con 6 largometrajes a sus espaldas, el cineasta alicantino ha sabido dotar a su filmografía de un cariz entrañable y original en nuestro cine. Albaladejo fija el objetivo de su cámara en historias cotidianas que nos pueden ocurrir a nosotros (si somos personas normales, claro). Su relación con el espectador comenzó en 1998, con el estreno de La primera noche de mi vida en el Festival de Cine Español de Málaga , convirtiéndose en la primera ganadora un certamen que al igual que él daba sus primeros pasos. Pero Albaladejo se enamoró del cine mucho antes, desde que asistía a las películas que se proyectaban en el cine donde trabajaba su hermano.

Junto a la escritora y actriz Elvira Lindo creó un universo peculiar del que salieron 3 películas: Manolito Gafotas, Ataque verbal y El cielo abierto. La variedad temática y de géneros le llevó a rodar Rencor, recuperando para la escena a Dolores González Flores, y un año más tarde Cachorro, con la que continuó la tradición establecida con la directora de casting y también actriz Geli Albaladejo de confiar los papeles protagonistas en actores desconocidos para el gran público.

Acaba de terminar el rodaje de Volando voy, con tres nuevos ‘chicos Albaladejo’: Borja Navas, en la piel de ‘el Pera’, Alex Casanovas como el Tío Alberto y Fernando Tejero interpretando al padre del joven delincuente. Una vez confesaba Miguel Albaladejo que una de sus aspiraciones consistía en configurar un reparto en el que enfrentase, por ejemplo, a Lolita y Elvira Lindo o a Jorge Perugorría y Sergi López, combinarles de tal manera que la gente se quedase sorprendida mientras él disfrutaba. En Volando voy se toma la licencia de jugar con actores que ya han trabajado con él como Mariola Fuentes, Mar Regueras y José Luis García Pérez, unas interpretaciones de las que podremos ser testigos dentro de unos meses y puede que en el festival malagueño, el lugar donde se dio a conocer.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "Vida y color"

2005-10-24T09:14:00.000+02:00

Con esta película debuta en la dirección Santiago Tabernero, el guionista y anterior responsable del programa de TVE Versión Española. Los colores que resurgen entre los tonos grises de una época oscura se convierten en protagonistas de una historia sobre el aprendizaje y la necesidad de reafirmarse en el mundo de los adultos.

La película vuelve a narrar una fábula de iniciación de un chico de 14 años, un tema recurrente en nuestro cine aunque el planteamiento en esta ocasión difiere según Tabernero: si los chavales de Barrio crecieron en la España de las ciudades dormitorio y el de Secretos del corazón lo hizo en la Navarra de los años cincuenta, el protagonista de Vida y color tendrá que madurar durante los años en que creció todo un país.

Ambientado en 1975, el largometraje no pretende convertirse en una crónica histórica al más puro estilo Cuéntame como pasó. El cineasta se ha fijado en las andanzas de un chico de 14 años que vive en la periferia de una gran ciudad y experimenta el proceso de entrada en una nueva etapa, en la que desea encontrar su lugar en el mundo a partir del respeto y la amistad de los chicos de su edad.

Reconvertido en cineasta el que fuera uno de los impulsores del nuevo tratamiento de la información cinematográfica en televisión, Tabernero presentó su proyecto hace ya varios meses, en el marco del Festival de Cine de Málaga. Por aquel entonces se llamaba Colores de barrio aunque en el cine no importa tanto el titulo definitivo como la sustancia de lo que se pretende contar, en este caso, una historia marcada por la esperanza y a favor de los personajes.

Tabernero, que ya conocía los entresijos de la industria, se muestra entusiasmado con el rodaje de su primera película como director al descubrir nuevos aspectos como el trato con los actores. Silvia Abascal, Joan Dalmau, Adolfo Fernández, Ana Wagener, Andrés Lima, Carmen Machi y el debutante Junio Valverde encabezan el reparto de este cuento de iniciación que bebe también del género de misterio y aventuras.
Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "El laberinto del fauno"

2005-10-22T19:56:00.000+02:00

Hace ya 5 años que Guillermo del toro se sintió a gusto en nuestro país, durante el rodaje de El espinazo del diablo, un largometraje de género fantástico protagonizado por Marisa Paredes, Federico Luppi y Eduardo Noriega. Quería repetir la experiencia y ahora se enfrenta a un nuevo proyecto con una historia de corte similar y también enmarcada en el primer franquismo, el de los años de la posguerra.

El laberinto del fauno narra el viaje apasionante y fantástico de una niña en medio de los enfrentamientos entre los leales al gobierno español de entonces y la resistencia republicana, los maquis. Tras un intenso trabajo de selección de actores, entre los que destaca Sergi López, y varias versiones de guión, el rodaje, en el que cobran fuerza las reminiscencias mitológicas, está teniendo lugar en localizaciones de Madrid y Segovia en el más absoluto secreto, para no romper la tónica seguida por el cineasta en anteriores producciones como Mimic, Blade II y Cronos.

El actor catalán ha encontrado en la propuesta del mexicano la posibilidad de trabajar de nuevo en España, donde no rodaba desde 2001 (Sólo mía, Hombres felices y El cielo abierto). Aquí da vida a un despiadado capitán del ejercito nacional que tiene como misión acabar con los rebeldes –y leales al gobierno elegido democráticamente- escondidos en los montes castellanos, con la peculiar ayuda de dos personajes interpretados por Maribel Verdú y Alex Angulo.

A punto de estrenar Ausentes, una nueva muestra del terror español de manos de Daniel Calparsoro (Asfalto, Guerreros), Ariadna Gil es otro de los rostros que se suman a esta producción de Estudios Picasso y Tequila Gang. La catalana interpreta a la esposa de Vidal (López) y madre de Ofelia (Ivana Baquero), una niña con desbordante imaginación que descubre las ruinas de un laberinto donde una misteriosa criatura le revela que es una princesa a la que los suyos llevan mucho tiempo esperando, aunque para regresar a su mundo tendrá que enfrentarse a tres duras pruebas. Doug Jones (Batman vuelve, Hellboy) interpreta al fauno, un ser que puede simbolizar aspectos de la historia real en que está envuelta Ofelia y sus allegados y he aquí una pista: según la mitología, esta criatura era la encargada de proteger al ganado.

Anclado por el momento en la España de 1944, Guillermo del Toro sigue enganchado a los cómics de Mike Mignola, protagonizados por Hellboy. Este monstruo infernal volverá al cine cuando termine el montaje de El laberinto del fauno e incluso augura una tercera entrega. Y muy pronto seremos testigos de una nueva faceta del guionista y realizador, la interpretativa, ya que da vida a uno de los personajes de Torrente III, uno que será asesinado de manera brutal en una producción de Santiago Segura que, según Del Toro, ‘encierra más secretos que todas las entregas de Star Wars’. Muchos en España ya han pasado por taquilla, por lo que para ellos ya no tiene secretos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Milos Forman y su pasión por Goya

2005-10-20T23:18:00.000+02:00

Primero Mozart y ahora Goya. Milos Forman completa su afición a las artes con una nueva recreación biográfica que pone en activo al ganador de dos premios Oscar de la Academia de Hollywood por piezas clave en la historia reciente del cine: Alguien voló sobre el nido del cuco y Amadeus.

El heterodoxo cineasta, responsable de títulos tan diferentes entre sí como la adaptación Valmont –basada en la novela de Choderlos de Laclos Las amistades peligrosas-, el fracaso en taquilla Ragtime o el musical Hair, se encuentra este mes de agosto recorriendo las provincias de Segovia, Madrid y Toledo en busca de localizaciones para su próxima historia, Goya´s Ghosts.

Formando de nuevo equipo con el productor Saul Zaentz (La costa de los mosquitos, El paciente inglés) y el guionista Jean-Claude Carrière (al que confía casi todas sus versiones), el cineasta de 74 años llevará al cine el espíritu del nacido el 30 de marzo de 1746. Los fantasmas de Goya, que así se titulará en castellano, ya es una realidad o al menos así lo es el escenario donde se rodará parte de su guión: además del Alcázar segoviano, el centro de la ciudad castellana simulará el entramado de vías del Madrid por el que transitó el artista de los Caprichos, las Majas, los retratos ecuestres y las Pinturas Negras.

En la cabeza del checo Milos Forman bullía desde hace varios años la idea de llevar al cine algún aspecto de la vida de Francisco de Goya y Lucientes al igual que hizo con la del compositor Wolfgang Amadeus Mozart, narrada en 1984 desde la óptica de su más directo competidor, el también músico Antonio Salieri. No será por tanto una biografía fílmica al uso, no lo es ninguna de sus cintas basadas en personajes reales como El escándalo de Larry Flint y Man on the moon, sobre el popular cómico Andy Kaufman.

Goya ha tenido el rostro de Jorge Perugorría (Volavérunt, de Bigas Luna), José Coronado y Francisco Rabal (Goya en Burdeos, de Carlos Saura), pero esta vez no será un español o un latino el que entre en la piel del pintor nacido en la localidad aragonesa Fuendetodos, sino que el papel recae en Stellan Skarsgard, protagonista de cintas como El exorcista: el comienzo, El rey Arturo y Bailando en la oscuridad. Además de la suya, entre las codiciadas presencias destacan las de Natalie Portman (a la que pronto veremos en V de Vendetta), que interpretará a la joven modelo Inés y a la hija de ésta, y Javier Bardem (que se suma al grupo de los hispanos en Hollywood), que hará el papel del hermano Lorenzo, monje de la Inquisición que mantuvo una relación clandestina con una de tantas musas que inspiraron al pintor.

Después de 7 años sin ponerse detrás de una cámara mientras colaboraba de forma activa en la política de su país natal, la nueva incursión del cineasta nacido en la desaparecida Checoslovaquia pondrá de manifiesto su interés por la cultura española y su industria audiovisual. Sin ir más lejos, además de los cientos de extras y otros actores patrios que aún no están confirmados en el reparto, Javier Aguirresarobe (El puente de San Luis Rey, Mar adentro) será el encargado de captar la luz y el ambiente de la España de finales del siglo XVIII y principios del XIX, una etapa de cambios convulsos en nuestra historia que Forman quiere recorrer a través de la singular figura de Francisco de Goya.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

El cine de Oriente Próximo, ese gran desconocido (por ahora)

2005-10-20T22:40:00.000+02:00

Conquista festivales, se proyecta en ciclos universitarios y foros alternativos y gracias al formato dvd ocupa estantes enteros en videoclubes para el deleite de los aficionados a una forma de contar historias convincente pero desconocida por la mayoría.

Cuesta cambiar los hábitos y eso lo saben las distribuidoras que, con mucho esfuerzo, consiguen traer (escasas) perlas producidas en Israel y Palestina. Si desean que un plato les abra el apetito saboree Caminar sobre las aguas, cocina ‘exótica’ pero nada de especias ni condimentos raros: una historia trabajada, con tintes políticos y sociales, que no hará que sufra su paladar cinematográfico.

Los gourmets occidentales coinciden en calificar el cine procedente de Oriente Próximo como material cinematográfico selecto, de rara procedencia y elevada calidad; de extraña factura y delicada fabricación. Así es lo poco que se asoma a nuestras pantallas donde hasta ahora reinaba en solitario Amos Gitaï, habitual de festivales como la Mostra de Venecia y la Semana Internacional de Cine de Valladolid.

Su nombre aparece como un resorte al hablar de cine israelí. Es el que más suena de los realizadores aunque su producción sigue reservada a los circuitos festivaleros y videoclubes especializados en cine menos comercial. La edición en dvd de sus 4 películas aclamadas por la crítica (Kadosh, Kippur, Kedma y Edén) le ha otorgado cierto respecto y supremacía, marcando la senda internacional seguida por otros cineastas aunque con enfoques cinematográficos distintos.

El germen argumental de su última cinta, Promise land, es la violación continua de un grupo de mujeres procedentes del Este de Europa que buscan en Israel una forma de sobrevivir. Van en busca de ‘La tierra prometida’ que no es más que el burdel de Haifa en el que acabarán su peregrinaje. Después de ofrecernos su visión acerca de la formación del Estado de Israel en Kedma y Edén Amos Gitaï concentra su atención en el papel secundario y discriminado de la mujer en las sociedades musulmana y judía, uno de los muchos nexos de unión entre dos sectores tan diferentes en apariencia. Kadosh reflejaba buena parte de estos aspectos pero Promise land se centra en la esclavitud sexual en pleno siglo XXI y el tráfico de mercancías humanas.

Al otro lado del muro físico y psicológico levantado por Israel trabaja el palestino Elia Suleiman, analista excepcional del conflicto entre vecinos. Intervención divina constituye un claro ejemplo del cine palestino actual que se alimenta de la ocupación y del quehacer diario de los que viven bajo los designios de otros. Incómodo para unos y otros por su posición reaccionaria ante el conflicto, Suleiman comenzó a labrar el camino hace una década con el largometraje Crónica de una desaparición. Su trabajo más reciente recoge con sarcasmo y violencia implícita la triste realidad de dos pueblos condenados a entenderse pero por el momento viciados de todo tipo de convivencia pacífica.

Gitaï y Suleiman ven como se tambalea su doble primacía en el panorama ante la llegada de Eytan Fox, israelí nacido en Estados Unidos que aporta la frescura de su generación frente a los 54 años de Gitaï. Dispuesto a conciliar todas las tendencias por encima de barreras se recrea en la sutil mezcla de estilos, géneros y temática con Caminar sobre las aguas que tras su estreno en España se impone al resto de títulos en cartelera como un ejercicio sobresaliente de cine, menos ‘extraño’ y más cercano a nuestra forma de pensar y actuar de lo que creemos.

La película de Fox precede a la ganadora del Festival de Sevilla, Avanim. Sorprende que la cinta más valorada en un certamen dedicado al cine europeo haya sido una coproducción franco-israelí de Raphael Nadjari. Piedras (traducción del hebreo ‘avanim’) relata la situación de la mujer en la sociedad israelí actual y las dificultades de la protagonista para compaginar su trabajo en la empresa familiar de su padre con su vida familiar.

Resulta también curioso que la Academia de Cine Europeo invitara a 5 jóvenes cineastas a preparar cortometrajes para su proyección en la última ceremonia de entrega de sus premios. Una especie de reconocimiento ante cinematografías (que no industrias) en potencia como la báltica o la irlandesa. Junto a ellos dos de esos nuevos realizadores procedían de Israel y Palestina... ¿Un visado ocasional o vía libre al caudal creativo procedente del otro confín del Mediterráneo?

Artículo publicado en LaNetro por Daniel Galindo.

Miguel Narros nos presenta a "Salomé", de Oscar Wilde

2005-10-20T22:39:00.000+02:00

La mítica actriz Sarah Bernhardt, que recorre España con el rostro de Charo López, fue escogida por Oscar Wilde en 1891 para que fuese ella y sólo ella quien asumiera el protagonismo de Salomé.

Pero este montaje sobre poder y pasiones, crítico en una sociedad hipócrita, fue prohibido en las islas británicas por abordar temas bíblicos, una excusa carente de argumento.

El texto de Wilde regresa a la escena con más fuerza y descaro si cabe ya que una nueva versión nos emplaza en el Oriente Próximo más actual, donde se funden ritmos clásicos con hip-hop y yacimientos petrolíferos. 'Un disparate', en palabras de Miguel Narros, 'una locura teatral, moderna para su época' que hizo que el veterano director teatral se decantase por ella y no por otras obras 'más inglesas'.

De Miguel Narros, en dos ocasiones Premio Nacional de Teatro –1959 y 1987-, cuelga una etiqueta donde se especifica que estamos ante materia de lujo: escenógrafo, cineasta, dramaturgo, director de actores, gestor de instituciones teatrales... Este madrileño de 73 años ha trabajado la materia de autores tan dispares entre si como Lope de Vega, Miller, Pirandello, Calderón de la Barca, Chejov o Sartre, pero hasta ahora no se había enfrentado al dramaturgo y novelista irlandés autor de obras como La importancia de llamarse Ernesto y El retrato de Dorian Gray. Así pues, deuda saldada por parte de Narros no exenta de reto profesional.

Y aunque Wilde afirmase que el arte no es más que 'la forma más intensa de individualismo que el mundo ha conocido', el sabio Narros se empeña en convertirlo en bien común, en regalo para quienes trabajan con él, que son muchos. En Salomé, al frente de un reparto formado por 15 actores, están María Adánez –abriendo senda escénica- y Millán Salcedo –devuelto a los escenarios-, que se suman así a la larga lista de los que han trabajado con Narros a lo largo de sus años como director, entre los que se encuentran sus últimas musas: Charo López, Aitana Sánchez-Gijón y Verónica Forqué a la que subió a los escenarios en sus dos últimas producciones junto a Andrea D’Odorico, El sueño de una noche de verano (Shakespeare) y Doña Rosita la soltera (García Lorca).

Salomé, en versión de Mauro Armiño, nos descubre a un poeta trágico que lo mismo narra de manera intimista su estancia en la cárcel acusado de homosexualidad, que ahonda en las pasiones más desgarradoras, como la que siente el rey Herodes (Salcedo) por Salomé (Adánez), ‘una Lolita bíblica presentada aquí más juvenil e inmadura, el capricho virginal de un hombre poderoso’. La popular actriz (El príncipe y la corista, La tienda de la esquina) encarna a la más joven de las Salomés españolas que en diferentes trabajos escénicos fueron Margarita Xirgú y Nuria Espert, en cine la bailarina Aída Gómez bajo la dirección de Carlos Saura y en ópera Montserrat Caballé. Hasta ahora, sólo el malogrado Pier Paolo Pasolini nos había presentado al personaje con la edad de 14 ó 15 años en El evangelio según San Mateo.

La orgullosa y perversa Salomé danza a ritmo de hip-hop en una coreografía compuesta por Víctor Ullate. Baila hasta que el histriónico asesino Herodes accede a que le sirvan en bandeja la cabeza de Juan Bautista (Chema León), bajo la atenta mirada de Herodías (Elisa Matilla), madre de la criatura danzarina y amante del rey déspota.

Con aires renovados, pero coherente con el texto original, el viernes 16 de septiembre se estrenó Salomé en el Lope de Vega de Sevilla y ya está metida en una larga gira que ofrecerá la obra a espectadores andaluces, canarios, levantinos, navarros y, a partir de febrero, también madrileños.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Una nueva e interesante temporada en el Centro Dramático Nacional

2005-10-20T22:38:00.000+02:00

El Centro Dramático Nacional abre sendas, y lo hace fiel al doble compromiso de su equipo gestor: el de continuidad en su tarea como productor de montajes.

Nada menos que ocho en la temporada 2004-05, y el de apertura de nuevos frentes en la dramaturgia española, sin olvidar el repaso a los autores europeos más críticos como Steven Berkoff, José Sanchis Sinisterra y Bertolt Brecht.

Aunque críticos y formativos son la mayoría de los que se parapetan tras la trinchera del teatro. Así lo cree al menos José María Rodríguez Méndez, uno de tantos escritores perseguidos por la censura franquista y luego denostados por no seguir el ritmo marcado por los aires de modernidad que vinieron con la democracia. Es precisamente una obra de este autor contemporáneo y vivo, una muestra de realismo poético dirigida por un joven director, Ignacio García, la que alza el telón del María Guerrero que nos remonta a la Barcelona de comienzos de los años 30 del pasado siglo de manos de un joven, interpretado por Fele Martínez, que lleva una doble vida: como abogado de prestigio es Lluís Serracant y como cupletista travestido y luchador anarquista es Flor de Otoño.

Con más de 20 actores, entre los que destacan Jeannine Mestre y María Asquerino, recuperada por el CDN y Lluís Pasqual con Roberto Zucco, la obra estará en cartel hasta el 4 de diciembre con un paréntesis de 15 días durante los que el Festival de Otoño toma el viejo teatro para cedérselo a la compañía Meno Fortas que, en lituano y con sobretítulos en español, llevará a escena tres Shakespeares, Macbeth, Othello y Hamlet, bajo la dirección del poeta Eimuntas Nekrosius, poco antes de que Edward Hall cierre el certamen otoñal con Cuento de Invierno, también del dramaturgo inglés.

Abriendo la temporada en ‘los bajos del teatro’, el delicioso montaje El señor Ibrahim y las flores del Corán regresa a la programación. Se representa en la Sala de la Princesa durante los meses de octubre y noviembre tras ser una de las apuestas mejor respaldadas por crítica y público el año pasado. Interpretado de forma magistral por Juan Margallo, acompañado de Julián Ortega, este poema dramatizado de Eric-Emmanuel Schmitt narra la amistad entre un viejo musulmán y un adolescente judío, un texto que debería ser de obligada lectura en colegios de todo el mundo como lección contra el integrismo y la intolerancia.

Una obsesión por la pluralidad, que la temporada siempre abra con la dramaturgia española, que enganche a un público joven ávido de teatro no comercial y contemple a directores vetados o simplemente no incluidos en carteles de centros públicos con recursos marcan los objetivos de Gerardo Vera en esta segunda temporada al frente del CDN que suma a Javier G. Yagüe y Ernesto Caballero como directores asociados.

Vera cumple con las funciones de gestor y, además de programar, también asume la dirección de una obra, de un nuevo Valle Inclán, Divinas palabras que, en versión de Juan Mayorga -otra mirada interesante a la creación dramática actual- aporta una nueva baldosa al camino iniciado el pasado año con Cara de plata. La peculiaridad reside, más que en el texto o en la dirección, en el espacio donde se representará: las tablas de la mítica Sala Olimpia, reconvertida ahora en Teatro Valle Inclán y cuyas puertas se abrirán el 26 de enero.

La versátil Laila Ripoll se asoma a dos de los escenarios del centro auspiciado por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música: a la Sala de la Princesa del María Guerrero con un texto propio titulado Los niños perdidos, ‘la gran sorpresa’ en palabras de Vera, y a la Sala Francisco Nieva de la nueva sede en el madrileño barrio de Lavapies con Barcelona, mapa de sombras, de Lluisa Cunillé, que cederá el testigo a José Luis Saiz que dirige De repente, el último verano, de Tennessee Williams, y a Javier G. Yagüe que hará lo propio con Cruel y tierno, de Martín Crimp.

Quizás uno de los platos fuertes llegue con el nuevo año: los Reyes Magos adelantarán al 4 de enero uno de sus regalos, Decadencia, de Steven Berkoff, un canto transgresor a la sociedad de consumo que reunirá en un mismo escenario a dos de las figuras que más están haciendo por el teatro hoy día: el actor, director y cabeza visible del Teatro Español, Mario Gas, y la actriz y productora Blanca Portillo, que se pone por tercera vez a las ordenes del maestro Jorge Lavelli después de hacerlo hace varios años en Eslavos, de Toni Kushner, y el pasado con La hija del aire, de Calderón de la Barca.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Charo López se convierte en Sarah Bernhardt

2005-10-20T22:35:00.000+02:00

Charo López ha visto cómo se cumple uno de sus sueños, el de dar vida a la actriz más famosa del siglo XIX, la excéntrica Sarah Bernhardt.

Quizás la primera estrella y la que quiso hacer de su vida una aventura tan extravagante como las de algunas de las heroínas que interpretó, el escritor Jonh Murrel se afanó en dramatizar los últimos días de esta divina en Las memorias de Sarah Bernhardt, una obra que ahora llega a los escenarios españoles en una versión de Borja Ortiz de Gondra. José Pascual (Terror y miseria del Tercer Reich, Oleanna) asume la tarea de dirigir a dos intérpretes de renombre, Charo López y Emilio Gutiérrez Caba, en una fiel y divertida recreación de los últimos años de vida de esta actriz francesa que, con 78 años e inmovilizada, dictó sus memorias a su secretario fiel, Georges Pitou.

Durante dos horas Sarah nos habla de los personajes que tanto influyeron en su vida, desde su tiránica madre o su hermana, con las que siempre mantuvo una relación difícil, al empresario que tanto la explotó en sus giras por América... Aparecen recuerdos dolorosos como la pérdida de su pierna en un accidente ocurrido en escena, que le obligó a amputarla, o momentos de triunfos arrolladores, como cuando se atrevió a interpretar al mismísimo Hamlet en medio del escándalo... Todo ello tamizado por el humor ácido del otro personaje, Georges.

Gutiérrez Caba (El príncipe y la corista, La mujer de negro) declaraba que cada día disfruta más con este juego interpretativo a partir de un texto construido sobre experiencias divertidas e interesantes y que a su vez, constituye una obra muy libre en la que se pasa de la comedia al drama en función del estado de ánimo de los actores. Unos sentimientos, los de la actriz francesa, que a flor de piel vive Charo López, un valor seguro para directores como Miguel Narros (La Paz, Los puentes de Madison) y José Carlos Plaza (Tengamos el sexo en paz).

Aquí aprendemos una auténtica lección acerca del teatro y la vida, sus verdades, sus mentiras y la química que surge entre dos personas que se desnudan para hablar de sus propios sacrificios, de sus éxitos y de sus momentos difíciles. Sarah Bernhardt y su secretario comenzaron a dialogar en Salamanca, ciudad que vio nacer a Charo López, y aún les quedan dos citas principales: Barcelona y Madrid.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "La vida secreta de las palabras"

2005-10-20T22:21:00.000+02:00

Isabel Coixet acude a la Mostra de Venecia sin la obligatoriedad de competir, pero con un doble compromiso.

Y es que, además de que es miembro del jurado de la sección Horizontes, paralela a la Oficial –donde no se escuchará el acento español-, su cinta es la encargada de inaugurar la muestra alternativa, como ya hizo hace dos años Lost in translation de Sofia Coppola.

La cineasta catalana verá como su quinto largometraje se proyecta el 1 de septiembre en la veneciana isla del Lido, un trabajo producido al igual que la última, Mi vida sin mí, por El Deseo, la productora de los hermanos Almodóvar. Pero hay más similitudes entre ambos proyectos, como el trabajo de los actores que, en palabras de Coixet, 'no puede crear un director, siendo algo que se da o no', como la química surgida entre los protagonistas Tim Robbins (Mystic River, Código 46) y Sarah Polley.

La responsable de Demasiado viejo para morir joven, Cosas que nunca te dije y A los que aman escribió el guión –el mejor de todos, según Pedro Almodóvar- pensando en la actriz canadiense con la que congenió en su anterior historia en la que 'tampoco se decían las cosas a gritos, pero estaban ahí, con mucha dureza, sentimentalmente hablando, humor, ternura y romanticismo'.

Julie Christie (Doctor Zhivago, Descubriendo Nunca Jamás) y Javier Cámara (Hable con ella) también participan en esta película donde Coixet mezcla géneros, trabajando con el delicado material de los sentimientos y partiendo de un argumento misterioso en un mundo cerrado y aislado, flanqueado por el océano, ya que buena parte de la historia transcurre en una plataforma petrolífera del Mar del Norte.

En octubre llegará a nuestras pantallas una intimista La vida secreta de las palabras a las salas españolas, impregnándonos, al igual que Mi vida sin mí, de un aire de melancolía y nostalgia por las cosas que pudieron ser y no fueron, y propiciando un certero acercamiento más humano y menos dramático a la muerte, al dolor y a la esperanza.

Entre las anécdotas que tienen que ver con esta nueva pieza del entramado cinematográfico, destaca que Robins llamó personalmente a Isabel Coixet desde Nueva York para decirle que quería protagonizar su nueva película, que hacía años que no tenía delante un personaje masculino tan interesante y que a él y a Susan Sarandon les había encantado Mi vida sin mí.

Todavía se emociona al recordarlo Isabel Coixet, que sigue trabajando, esta vez en un proyecto de cine con el que volvería a rodar en España y en castellano, y como realizadora teatral de la obra 84 Charing Cross Road, que en enero recala en Madrid tras una larga gira, primero por Cataluña y, más tarde, por el resto de la península.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "La novia cadáver"

2005-10-20T22:17:00.000+02:00

Se atisbó su interés por el mundo cadavérico en Bitelchus, una de las cintas que encumbraron al cineasta Tim Burton.

Un cineasta que, no lo olvidemos, comenzó dibujando y animando a personajes como los delicados Tod y Toby gracias a una beca de la Disney, la misma que financió el primer corto del descarriado joven californiano.

Es tan imponente la sombra de Tim Burton como productor que en ocasiones olvidamos que Pesadilla antes de Navidad no fue dirigida por él, aunque fuera autor de la historia, sino por uno de sus más estrechos colaboradores, Henry Selick. La cinta, estrenada en 1994, les valió como tarjeta de visita del tándem artístico. Fue una especie de entrante de lo que vendría después: James y el melocotón gigante, adaptación del cuento homónimo de Roald Dahl, con una producción literaria cuantiosa más allá del ya clásico título protagonizado por el niño Charlie.

Aclarada la responsabilidad de Burton, nos imaginamos al cineasta como un omnipresente dios en un universo cercano al de Hollywood, tanto que suelen coincidir las orbitas de algunos de sus planetas. El niño díscolo recibe financiación de los grandes estudios y a años luz quedan aquellos juegos audiovisuales como Vincent (1982), homenaje a Vincent Price, y Frankenweenie (1984), revisión del relato de Frankenstein a su manera.

La romántica y oscura historia de La novia cadáver se basa en una narración oral de Europa del Este que para el imaginario común se extiende desde los Cárpatos y la mítica Transilvania rumana hasta las calles de Praga. Por alguno de sus siniestros y solitarios bosques deambula un joven judío que, por accidente, pierde su anillo de compromiso, lo encuentra en una aparente rama seca y acaba contrayendo matrimonio con una joven que sólo tiene un problema: está muerta. A partir de ahí se suceden los intentos de Víctor Van Dort por separarse de su terrorífica y esquelética mujer y por apaciguar el enfado de Victoria, la novia viva, de más carne y menos hueso, que se ha quedado compuesta y sin novio.

Ahora no es Selick su mano derecha sino Mike Johnson, y junto a él Burton prodiga su culto por el feísmo. Y con este cuento de ultratumba no iba a ser menos: personajes deformados, estilizados, mortuorios, herederos de la tradición romántica y de Edgar Allan Poe... El decorado gótico nos envuelve mejor gracias a la música: el tres veces candidato a los Oscar Danny Elfman, ha vuelto a unir sus fuerzas con el creador para dar a luz una atmosférica y evocadora banda sonora. Desde Bitelchus y Batman hasta la reciente Charlie y la fábrica de chocolate, compositor y cineasta se arriesgan con nuevas fórmulas y en este caso, sobre una base de jazz, tendremos oportunidad de escuchar 3 temas interpretados por 2 actores que se animan a dar el cante.

Incondicionales de los buenos profesionales del doblaje en castellano, no así de los actores que han alcanzado la popularidad gracias a la televisión, nos permitirán que recomendemos el visionado de La novia cadáver en versión original, ya que comprobaremos la química existente entre Johnny Depp (Eduardo Manostijeras, Ed Wood, Sleepy Hollow) y Helena Bonham Carter (El planeta de los simios, Big Fish), que vuelven a trabajar juntos después de hacerlo en la última cinta dirigida por la pareja sentimental de ella.

¿Se quedará Víctor con su nueva mujer por los siglos de los siglos? ¿Prodigará la bigamia estableciendo relaciones con la desdichada Victoria Everglot, con la voz de Emily Watson? Lo que está claro es que las figuritas de resina saltarán de la pantalla y nos evocarán las más tétricas y divertidas leyendas después de hacerlo con bastante éxito en los festivales de Venecia y Toronto.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "La leyenda del Zorro"

2005-10-20T22:13:00.000+02:00

No le hace ascos a nada y se entrega a sus retos, todos diferentes, como el que llevó a Broadway con el musical "Nine".

Se metió en la cama con Madonna, debutó como director con éxito de crítica gracias a "Locos en Alabama", protagonizada por su mujer Melanie Griffith, y sabe combinar su todavía fama estereotípica de ‘latin lover’ con roles más agresivos en películas de acción.

Antonio Banderas, desde hace 7 años también conocido como Don Alejandro de la Vega, vuelve a ponerse el antifaz y la capa para hacer frente a una de sus aventuras más peligrosas desde que asumió el rol de héroe espadachín de California, heredado del veterano Anthony Hopkins en La máscara del Zorro.

A lomos de su caballo y jugueteando con la espada enamoró al personaje interpretado por la británica Catherine Zeta-Jones ("Traffic", "La Terminal"), que para esta ocasión también aprende a manejar la espada y ahora llega incluso a ponerle encima de la mesa los papeles del divorcio, desesperada por todas sus correrías extramatrimoniales. Ahora el actor malagueño se mete de nuevo en la piel de uno de sus personajes carismáticos, el primer héroe enmascarado de la ficción moderna norteamericana.

Una vez casados Alejandro y Elena y aún teniendo un hijo de 10 años, él no deja de proteger a sus vecinos más pobres contra la avaricia de los señores terratenientes, pero cada vez siente más deseos de tener una vida normal, como la de cualquier padre de familia. Con los problemas de pareja de fondo, Martín Campbell ("Goldeneye", "Límite vertical") vuelve a reunir a dos de los actores más codiciados por la industria de Hollywood en su segunda entrega de las aventuras surgidas del imaginario de Johnston McCulley en 1919: corre el año 1850, 10 años después de la acción relatada en "La máscara del Zorro", y el territorio de California desea convertirse en el trigésimo primer estado de la Unión, pero ciertos individuos sin escrúpulos, miembros de una misteriosa organización medieval, están decididos a evitarlo.

Reconoce Banderas que esta es la película con más acción de todas las que ha rodado en EE.UU. y eso que han sido muchas. A sus 46 años sigue sin abusar de sus dobles en las escenas de riesgo porque le gusta ser muy franco con el público. Uno de los aspectos que le convencieron para volver a encarnar al enigmático enmascarado fue volver a trabajar con el director y la actriz principal así como con otros profesionales que estuvieron en la primera de entrega de una saga que promete nuevos episodios. Uno de ellos es el compositor James Horner ("Braveheart", "Una mente maravillosa"), que vuelve a firmar la banda sonora de una película que en su primera parte recaudó más de 300 millones de dólares en todo el mundo.

Una vez que finiquite la labor de promoción de "La leyenda del Zorro", el actor que pronto volverá a ponerse en manos de Almodóvar se centrará en el rodaje de su segunda película como director, "El camino de los ingleses", adaptación de la novela de su amigo Antonio Soler que le devolverá a la Málaga de finales de los años 70.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Pedro Almodóvar vuelve...

2005-10-20T22:08:00.000+02:00

Volver a rodar, volver a trabajar con Carmen Maura y Penélope Cruz... En definitiva, "Volver", que es el título de su próxima película.

Nuestro cineasta más internacional ultima los detalles del guión con el que regresa al lugar donde se siente más cómodo y lo pasa mejor: el estudio de rodaje.
Aún no ha colocado el ojo en el visor de la cámara y ya podemos imaginar lo que se cocerá durante las semanas de trabajo: discreción absoluta. Si Almodóvar es experto en cuidar al detalle el secretismo durante el rodaje, en esta ocasión toda medida tomada para conseguirlo será insuficiente, debido a que la cinta supone el esperado reencuentro con la protagonista de 6 de sus 15 películas.

Con "Volver", el cineasta y Carmen Maura ponen punto final a una historia de malentendidos, rumores y desavenencias reales entre ellos alentadas por la prensa rosa. La película se estrenará en 2006, casi dos décadas después de que la madrileña se convirtiese en Pepa, una de sus "Mujeres al borde de un ataque de nervios".

Mucho antes, a finales de los 70, Pedro y Carmen se habían conocido en los circuitos teatrales de un Madrid en plena efervescencia cultural. Después de varios juegos cinematográficos, junto a Félix Rotateta (actor como él del grupo Los Goliardos), buscaron financiación para la primera cinta comercial del ex-trabajador de Telefónica. "Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón" se estrenaba en 1980 después de un año de rodaje precario y con un presupuesto que no llegaba al medio millón de las antiguas pesetas (unos 3.000 euros).

Hasta la aventura americana con "Mujeres...", Carmen Maura se metería en la piel de una monja drogadicta ("Entre tinieblas") y de un transexual ("La ley del deseo"), sin olvidar sus interpretaciones en "Matador" y "¿Qué he hecho yo para merecer esto?". "Volver" será la séptima colaboración entre ambos y, además de su primera 'chica Almodóvar', estará protagonizada por una de las más recientes, Penélope Cruz ("Carne trémula", "Todo sobre mi madre"), que ya estaba en el pensamiento del manchego para que protagonizara "Tarántula", junto a Antonio Banderas, un proyecto que viene arrastrando desde hace más de 5 años y que ha cedido terreno al que ahora le ocupa.

Para el cineasta de Calzada de Calatrava esta 'comedia con muchas chicas' (la veterana Chus Lampreave entre ellas) es un compendio fílmico entre el cine negro de "Alma en suplicio" de Michael Curtiz, y los enredos de "Arsénico por compasión" de Frank Capra, recuperando parte del surrealismo (y el naturalismo y el costumbrismo) de "¿Qué he hecho yo...".

Centrándose de nuevo en el retrato de los personajes femeninos tras "Hable con ella" (Darío Grandinetti y Javier Cámara) y "La mala educación" (Gael García Bernal y Fele Martínez), la cámara comenzará a rodar en julio, en localizaciones de su Castilla-La Mancha natal y el Madrid receptor de las clases trabajadoras y los venidos de toda España en busca de un mejor porvenir. Almodóvar pone el acento en las relaciones que se establecen entre 6 mujeres de 3 generaciones que 'sobreviven al viento, al fuego, e incluso, a la muerte a base de bondad, atrevimiento y una vitalidad sin límites'.

Será el largometraje número 16 de su filmografía, con el que celebrará sus bodas de plata con el cine. Y aunque Almodóvar puja por nuevas caras, el trabajo de Luis San Narciso ("Mar adentro") como director de cásting le ha llevado a pensar en otras dos famosas actrices que se unirán al trío de nombres confirmados: Lola Dueñas y Blanca Portillo.

Texto escrito por Daniel Galindo. Artículo publicado en LaNetro
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Nuevos fichajes: Yohana Cobo, Antonio de la Torre, Pilar Castro, Carmen Machi y Yolanda Ramos.

Almodóvar hace balance del rodaje de "Volver"

2005-10-20T22:00:00.000+02:00

15 largometrajes, reconocimiento internacional, ejemplo para cineastas, inimitable para muchos...

Pedro Almodóvar es en sí mismo una factoría de sueños y le tenemos aquí al lado. Es el que se escabulle por las calles de Madrid después de ir al cine solo, casi siempre los sábados, y también el que se emociona paseando por las calles de su pueblo, al que regresaba este verano con la mejor de las excusas: rodar "Volver", la que es una de sus películas más esperadas, aunque todas en esta fase previa lo son.

Sin embargo, se trata de la más especial por constituir un homenaje a su madre y ser más autobiográfica que la anterior. Una tradición en escala progresiva, porque si Hable con ella se presentaba como un catálogo de pequeños placeres, "La mala educación" era la historia que no rodó en su momento. Y así va, en progresión ascendente desde "Carne trémula" y "Todo sobre mi madre".

"Volver" aborda el tema de la muerte, pero empleando un tono carente de angustia. La cultura de la muerte y también la gastronómica, porque aseguran que sabe a barquillo y pisto manchego. En cuanto a la convivencia de muertos y vivos, después de leer el guión, Juan José Millás destacaba ciertas similitudes con "Pedro Páramo", la obra cumbre de Juan Rulfo. Afortunado es el escritor por haber tenido en sus manos una copia del libreto del que, completo, sólo circulan una veintena a lo sumo. Quienes lo tienen desde hace tiempo son Carmen Maura, Lola Dueñas, Penélope Cruz, Yohana Cobo y Blanca Portillo, las mujeres de Pedro en esta historia (o historias) de mujeres.

Tanto las que repetían con Almodóvar (Cruz, Dueñas y Maura, esta última después de 17 años de separación) como las que se iniciaban (Cobo y Portillo) han sacado el máximo provecho a los dos meses de ensayos previos al rodaje. Sólo se han visto fotos, pero el realizador se encarga de destacar en su diario de trabajo el placer que le han proporcionado las interpretaciones de sus actrices: 'la belleza, frescura y visceralidad de Penélope, la abrasiva mirada de Yohana; la intensidad y la verdad de Lola; la facilidad y precisión de Carmen, capaz de emocionar en el acto, sin ensayos ni tomas previas; y la contundente revelación, sublime, certera, de un auténtico animal cinematográfico: Blanca, mezcla de María Casares y las hermanas Gutiérrez Caba'.

Y si Carmen Maura envejece o, mejor dicho, muere a manos de Pedro, quien rejuvenece a sus órdenes es Chus Lampreave que, a sus 75 años y con algún que otro problemilla de salud, se deja dirigir después de interpretar papeles en 7 películas suyas y despedirse de todos con una pequeña aparición en "Hable con ella". Dicen que su personaje recuerda a Francisca Caballero, la madre del artista. No en vano las hermanas Almodóvar han contribuido en el asesoramiento a Lola y Penélope como tales. Volver está siendo muy familiar, en todos los sentidos.

Aunque su bautismo internacional puede llegar con su presentación en Cannes, certamen que inauguró hace dos años "La mala educación", las previsiones apuntan a marzo como mes de estreno de la cinta número 16 en la trayectoria de nuestro cineasta más conocido en el mundo, sin olvidar a Carlos Saura. Finalizado el intenso rodaje en localizaciones de Ciudad Real y Madrid, concentrado en la post-producción y cerca ya de la mesa de montaje, Almodóvar desconecta del trabajo con Kim Ki-Duk ("La isla", "Hierro 3"), uno de sus últimos descubrimientos en cine y, por cierto, bastante próximo a él en lo que a tratamiento de personajes se refiere: es verdad que los del coreano callan y, enmudecidos, se expresan sólo con las miradas, pero los de Pedro, además de hablar mucho, transmiten más, si cabe, con sus gestos, prolongaciones de él mismo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

"Obaba"... ¡A por el Oscar!

2005-10-20T21:53:00.000+02:00

Surcando el cielo recibió Montxo Armendáriz la noticia de la elección de "Obaba" para representar a España en los Oscar.

No es algo nuevo para él, aunque siempre agrada la valoración de los compañeros. Montxo Armendáriz asistió a la ceremonia de los Oscar en 1998. Iba con "Secretos del corazón", protagonizada por Charo López, Silvia Munt, Vicky Peña, Carmelo Gómez y los niños Álvaro Nagore, Andoni Erburu e Iñigo Garcés. El cineasta navarro se fue de vacío, pero sólo de manera aparente ya que el hecho de ser candidato a este galardón ya le facilita una posterior entrada en los circuitos comerciales de Estados Unidos, al menos a las salas de Nueva York, Miami, Los Ángeles y Chicago, ciudades más predispuestas a la entrada del cine español.

Las 3 películas eran merecedoras de la elección final por constituir la mejor cosecha del año. Armendáriz era quien más difícil lo tenía, a juzgar por las opiniones que planeaban en los corrillos de críticos e informadores: las "Princesas" de Fernando León de Aranoa y la "Ninette" de Garci salían con ventaja en las quinielas, quizás porque la elección de esta última hubiese sido un bonito reconocimiento al dramaturgo cómico Miguel Mihura, un clásico contemporáneo, y la de la cinta protagonizada por Candela Peña y Micaela Nevárez un acierto para muchos, por ser una historia de mejor comprensión por el espectador norteamericano que, tengámoslo muy presente, no es el que vota al final.

Ese honor se lo reservan los académicos y en función de la promoción que lleven a cabo Armendáriz y su equipo, los que votan tendrán más o menos presente la historia o las historias relatadas en "Obabakoak" por Bernardo Atxaga –Premio Nacional de Literatura- y llevada al cine por el responsable de "Tasio", "Las cartas de Alou" y "Silencio roto". En "Obaba" el realizador, guionista y productor navarro se apropia de un territorio enigmático, de un estado de ánimo y de una infancia recuperada por un extraño ajeno al mundo que encierra una localidad poblada por sombras y lagartos.

En caso de que la Academia de Hollywood decida otorgar el visado a Obaba, es muy posible que Javier Aguirresarobe, Premio Nacional de Cinematografía, acompañe al cineasta ya que, además de ser responsable de su excelente fotografía, es uno de los profesionales que ha participado en más producciones candidatas a la preciada estatuilla. También lo haría la actriz Bárbara Lennie. Su personaje, con cámara de video digital siempre encendida, se adentra en el callado y sinuoso laberinto de seres vivos y desaparecidos a modo de figuritas de Belén, pastorcillos –como decía el escritor Juan Benet- encarnados por Mercedes Sampietro, Pilar López de Ayala, Eduard Fernández, Héctor Colomé, Txema Blasco y Peter Lohmeyer, entre otros.

En caso de conseguirse sería el segundo Oscar consecutivo para nuestra cinematografía en esa categoría, después de que Alejandro Amenábar lo lograse con "Mar adentro". Veremos si "Obaba" salta el siguiente obstáculo en su carrera por el Oscar a la Mejor Película en Lengua No Inglesa. Lo comprobaremos el 31 de enero.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Avanzamos... "Los 2 lados de la cama"

2005-10-20T21:14:00.000+02:00

Ni el director, ni el guionista, ni los actores pretenden que sea una segunda parte sino una película distinta con personajes que, después de 3 años, han evolucionado, que no quiere decir que hayan madurado desde entonces.

El espectador si tiene claro que El otro lado de la cama debe contar con una secuela y todas las que se precien. A juzgar por la afluencia de medios de comunicación durante la presentación de su rodaje, el estreno traerá cola (y colas en los cines) y los productores ya se frotan las manos.

Treintañeros en crisis sentimental, promiscuos, enamoradizos y cantarines... Así eran los protagonistas de la historia escrita por un desconocido David Serrano con la que el veterano Emilio Martínez-Lázaro regresaba a la dirección. Aproximación histriónica al género musical en acto y gallina de los huevos de oro en potencia, aunque nadie apostaba mucho por ella hasta que se estrenó en el Festival de Málaga.

Asegura el director que el éxito de taquilla es indispensable para hacer una secuela, pero también lo es contar con un buen argumento, algo que se encargaban de resaltar todos los actores y el productor de la cinta Tomás Cimadevilla: casi un año de escritura de guión para no caer en la repetición de tramas aunque sobresalen de nuevo líos en la cabeza, calentones varios, dificultad para comprometerse y la novedad por medio de ‘nuevas formas de amar’ en la piel de personajes a los que, por encima de todo, les mueve el terror a quedarse solos.

Se repite la fórmula originaria de emplear versiones de canciones muy conocidas de los 80 aunque con un sentido algo distinto al del original, como Déjame, de Los secretos y ¿Cómo pudiste hacerme esto a mi?, de Alaska y Dinarama. No faltarán temas musicales de Tequila, Los Rodríguez y José Luis Perales, sometidos a los arreglos del compositor Roque Baños.

Se mantiene el trío masculino formado por Guillermo Toledo, Ernesto Alterio y Alberto San Juan. La única chica que sobrevive al cambio del equipo artístico es María Esteve, que da vida a Pilar, la neurótica y ahora perversa joven que recitaba listas interminables (macarrones, lacitos, espaguetis, tallarines...).

En la rueda de prensa convocada con la única intención de no desvelar nada del argumento pero si deslumbrar con el despliegue de actores también estaban presente Verónica Sánchez (El calentito), Pilar Castro (El asombroso mundo de Borjamari y Pocholo) y Lucía Jiménez, que participa en la versión teatral de la película. Proveniente del equipo de Días de fútbol (debut en la dirección de David Serrano) llega al reparto Secun de la Rosa, otro de los que llenarán el vacío provocado por la ausencia de Paz Vega y Natalia Verbeke.

No hace falta que eche cuentas: si El otro lado de la cama costó 1,5 millones de euros y fue vista por 3 millones de personas, rentable si que salió el experimento, un ensayo no exento de atrevimiento porque tanteaba el cine musical, casi desechado en nuestra industria. Doblamos el presupuesto y después de un mes de ensayos, el equipo capitaneado por el veterano Emilio Martínez-Lázaro se pone frente a la cámara en esta comedia de enredos. Algo más de 2 meses pasarán los actores cantando y bailando en Madrid y alrededores para que Los 2 lados de la cama llegue a las pantallas en la próxima Navidad.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.